viernes, 28 de junio de 2024

Agenda Cultural: "El tango pide Pista", el ciclo que muestra el mapa del circuito tanguero contemporáneo

Durante todo el mes de julio habrá 28 espectáculos, que comenzarán con la proyección del film "Café de los maestros" y la presentación del álbum "Noche Random", del grupo Astillero.


Pista Urbana, el cálido reducto San Telmo donde se desarrollará el ciclo.

El martes 2 de julio regresa el ciclo El tango pide Pista, el encuentro anual que durante un mes toma el escenario (y la vereda) de Pista Urbana para poner de relieve un mapa abarcativo del circuito tanguero contemporáneo.

Se trata de 28 espectáculos -que incluye muchos a la gorra- que comenzarán con la proyección del film "Café de los maestros" (de Miguel Kohan, con la producción de Gustavo Santaolalla, Lita Stantic y Walter Salles) y la presentación de "Noche Random", del premiado grupo Astillero. Luego la programación seguirá hasta el 30 de julio y salvo la danza, recorrerá las distintas vertientes del género, desde quienes versionan clásicos hasta los que buscan renovar el repertorio, quienes proponen salidas experimentales y los que aportan desde el teatro.

Desde la organización lo proponen como "una celebración de la música rioplatense" y definen el recorrido como "una reunión con amigos, vecinos, espectadores: los pisteros de siempre y los que se animen por primera vez".

"En su momento tuve la inquietud de crear este ciclo especial de difusión del tango, en todas sus expresiones, para mantener vivo el género en la ciudad y también difundirlo en las redes", plantea Jorge Sábato, arquitecto, artista plástico, cantor y también responsable de Pista Urbana.

El ciclo llega en un momento muy sensible para la cultura de todo el país, golpeada no sólo por las medidas específicas del sector que tomó el gobierno nacional, sino por el impacto de sus políticas macroeconómicas en la coyuntura general de los consumidores de cultura. "La industria tanguera ha tenido que reubicarse, regenerar en diferentes lugares como centros culturales, clubes de música, que finalmente son sitios donde tienen una capacidad máxima de 200, 300 algunos", señala Sábato.

En ese sentido, Sábato considera que el rol de Pista Urbana (que opera como asociación cultural sin fines de lucro) debe ser "seguir difundiendo estas músicas a lo largo de todo el año y generar un fortalecimiento en lo que es el sector de la difusión de nuestra cultura". El responsable del espacio señala que llevan ya una década de actividad "con muchas dificultades pero con mucha energía y convicción".


Jorge Sábato (izq.) junto a Gabriel Soria, presidente de la Academia Nacional de Tango, durante el anuncio del ciclo en pista Urbana.

Para esta edición, la convocatoria se centra en quienes acompañaron al espacio en los últimos tiempos, aunque también asomen algunas novedades dentro de su cartelera. Algunos llevan años, como Alfredo Piro, Luis Filippelli o Lautaro Mazza. "Son artistas con permanencia, con un acompañamiento de nuestra difusión de la música local", explica el gestor. "Sumamos a aquellos que también puedan generar también una renovación para algunos lugares, porque tenemos que darle esa posibilidad de poder expresarse y renovar un poco la agenda".

Sobre la decisión de hacer muchos de los shows a la gorra, Sábato señala que la medida surgió en pandemia. "Fue una forma de cubrir las actuaciones de los diferentes espectáculos en la calle, porque no podíamos hacer ningún tipo de presentación dentro del local, pero sí teníamos permiso para cortar la calle los jueves, viernes y sábado, y resultó una alternativa muy interesante".

"La gorra también es una forma democrática de poder ofrecer este tipo de espectáculos de diferentes géneros. En El tango pide Pista el cierre es en la calle, siempre lo fue, y también es a la gorra, pero por una decisión también acordada con los músicos. A veces la gorra realmente ofrece alternativas que quizás una entrada hoy, con la coyuntura la cual estamos teniendo, es mucho más accesible para un público que no puede ver un espectáculo, porque quizás no llega a pagar el precio de la entrada. Creemos que democráticamente todos tienen el derecho de poder ver un espectáculo, y nosotros con no ponemos una consumición mínima, con lo cual si alguien quiere ir, no poner la gorra y no tomar nada también lo puede hacer. Pero siempre la gorra tiene su posibilidad para el público y aunque sea una colaboración mínima, está presente, porque siempre hay alguien que va a poner, aunque sea algo parecido a lo que puede ser una entrada. Ese es el motivo y si bien no es tan generalizable como lo fue en tiempos de la pandemia, hoy sigue vigente y acordado con los artistas", pormenoriza Sábato.

La propuesta de este año abre con Astillero, que ya tiene un ciclo afianzado en ese escenario. Una rareza, un ciclo convocante, no "for export", en el contexto actual. "Destinamos ese día para quienes tocan sin estar enchufados, porque tenemos un local con las condiciones acústicas para no tener que recurrir al sonido asistido. Ellos desarrollan un tango con una propuesta contemporánea muy importante y muy innovadora, y el manejo que tienen ellos con el público es muy especial. El que no toquen en otro espacio es muy importante porque la gente sabe que, si quiere verlos y escucharlos, solamente están en Pista Urbana. Es una decisión de ellos y para nosotros es muy importante porque esta circunstancia garantiza un público permanente".

Además, del ciclo participarán también Mario Cárdenas, Gabriela Novaro y Hernán Reinaudo, Los Recortado, Mariana Mazú, El Cardenal Domínguez, Viviana Scarlassa, el dúo Ranas, Alex Musatov, César Angeleri con su cuarteto, Lautaro Mazza, Alfredo Piro, Patricia Malanca, la orquesta Color Tango y otros.

Lugar: Pista Urbana, Chacabuco 874, CABA.
Fecha: del 2 al 30 de julio.
Para ver la programación completa y otros detalles, hacer click aquí.

(Fuente: Página 12 / Pista Urbana)

Científicos del CONICET descubrieron una nueva especie de dinosaurio titanosaurio

Se trata del Inawentu oslatus, que vivió hace aproximadamente unos 86 millones de años y fue encontrado en el área conocida como La Invernada, en Rincón de los Sauces.

Una recreación de cómo podría haber sido el Inawentu oslatus (Imagen: CONICET).

Un grupo de científicos del CONICET -junto a especialistas de otras instituciones- descubrió un nuevo dinosaurio saurópodo titanosaurio en la Patagonia, después de una investigación que comenzó hace nueve años, según confirmaron desde el organismo científico.

Se trata del Inawentu oslatus, un dinosaurio encontrado en el área conocida como La Invernada, ubicada en Rincón de los Sauces, provincia de Neuquén, y que vivió hace aproximadamente unos 86 millones de años. 

"Es un hallazgo increíble porque no solamente estaba el cráneo, sino que éste estaba articulado al cuello completo, a todas las vértebras dorsales y al sacro con los iliones. O sea que lo único que le falta son las extremidades, algunos huesos de la pelvis y la cola, el resto está todo entero, incluso tenía algunas costillas dorsales articuladas", explica Leonardo Filippi, investigador del CONICET en el Museo Municipal Argentino Urquiza y autor principal del trabajo.

De la investigación participaron también especialistas del Instituto Patagónico de Geología y Paleontología (IPGP, CONICET), del Instituto Multidisciplinario de Investigaciones Biológicas de San Luis (CONICET-UNSL), la Secretaría de Cultura de la provincia de Río Negro, la Fundación Félix de Azara de la Universidad Maimónides, y el Museo Provincial de Ciencias Naturales Prof. Dr. Juan Olsacher.

El grupo de investigadores trabajando en la zona (Foto: CONICET).

Características

El descubrimiento de los fósiles tuvo lugar en 2014, prácticamente de manera fortuita señalaron desde el CONICET, ya que los científicos se encontraban desenterrando restos de un abelisáurido y a pocos metros encontraron un hueso que asomaba desde la tierra. Cuando comenzaron a trabajar, los especialistas se dieron cuenta de que estaba el cráneo completo y articulado con el cuello. Pero como la campaña se terminaba a los pocos días, recién al año siguiente pudieron volver para continuar con los trabajos.

Según Filipi, este especímen tiene algunas "características particulares, fundamentalmente en su mandíbula", vinculadas a sus hábitos alimenticios, los cuales eran herbívoros.

"Podemos decir que el maxilar es bastante ancho transversalmente, y el dentario es cuadrangular en su parte anterior, algo que le confería un hocico notablemente ancho. Esa es una característica registrada en otros titanosaurios, aunque en especímenes muy fragmentarios, pero principalmente en un grupo de saurópodos mucho más antiguo, los rebaquisáurios. Esta característica estaba vinculada con sus hábitos alimenticios, ya que eran animales que comían vegetación que estaba más bien al ras del suelo, en lugar de la parte alta de los árboles”, explicó.

"En el caso de este animal, el cráneo es totalmente alargado y ha habido muchas modificaciones en los huesos que han permitido ese alargamiento. Se encuentra en un solo plano horizontal, por lo que no presenta el cambio de ángulo que se observa en otros titanosaurios conocidos como Sarmientosaurus o Tapuiasaurus. Y otra cosa, que es lo más distintivo, es su mandíbula cuadrangular, ancha y su hocico ancho y espatulado", agregó el investigador.

Inawentu, el "imitador"

Tal como dijo el especialista, en esta nueva especie se observan rasgos anatómicos convergentes con saurópodos rebaquisáuridos, extinguidos durante el Turoniano. De allí su nombre, ya que Inawentu significa imitador en lengua mapuche: "Los rebaquisáuridos tenían la función de alimentarse de la vegetación baja un par de millones de años antes, pero habían desaparecido y no teníamos evidencia de quiénes, en esta zona, eran los que ocupaban ese lugar", relató Ariel Méndez, investigador del CONICET en el IPGP de Puerto Madryn.

"Hoy sabemos que estaba este tipo de titanosaurios, con estas características que ocupaban ese rol ecológico, y que compartían el espacio y el tiempo con otros tipos de saurópodos titanosaurios, que tenían otras características y que, posiblemente, se encargaran de alimentarse de la vegetación de altura”, afirmó Méndez.

Por último, el investigador del IPGP explicó que este tipo de descubrimientos "nos permite entender un poco cómo eran aquellos ecosistemas. Empezamos con los saurópodos que comían la vegetación más alta, después encontramos los dinosaurios carnívoros que posiblemente predaran sobre ellos".

"Encontramos otros tipos de dinosaurios herbívoros, bípedos más pequeños, corredores, que son los ornitópodos, también tortugas y cocodrilos, todo en la misma zona. A eso le sumamos que estamos haciendo análisis palinológicos para tratar de entender también cómo estaba compuesta la vegetación en ese momento, en ese lugar. Los estudios geológicos nos dicen que era una zona de ríos y meandros y eso nos permite ir armando de a poco todo este rompecabezas. En definitiva, lo que queremos saber es cómo estaban formados esos ecosistemas del pasado, quiénes eran los actores y qué rol cumplía cada uno", cerró.

(Fuente: Página 12)

28 de junio: nace Juan José Saer

Un día como hoy, pero del año 1937, nacía uno de los más notables exponentes de las letras argentinas.


Juan José Saer nacía el 28 de junio del año 1937 en la ciudad de Serodino, provincia de Santa Fe, Argentina, hijo de inmigrantes sirios.

Martín Kohan lo llamó "el escritor más relevante de Argentina después de Borges",​ Beatriz Sarlo lo consideró "el gran escritor argentino de la segunda mitad del siglo XX", ​y Ricardo Piglia lo nombró, junto a Manuel Puig y Rodolfo Walsh, como "uno de los tres exponentes de la vanguardia postborgiana".

Su obra está compuesta de doce novelas, cinco libros de cuentos, cuatro de ensayos y uno de poemas, además de cuatro volúmenes de textos inéditos de diversa índole.

En 1960 publicó su primer libro de cuentos, "En la zona". Sus dos primeras novelas," Responso" (1964) y "La vuelta completa" (1966), y los libros de cuentos "Palo y hueso" (1965) y "Unidad de lugar" (1967), fueron escritos mientras dictaba clases de Historia del cine y Crítica y estética cinematográfica en el Instituto de Cinematografía de la Universidad Nacional del Litoral.

En 1968, luego de haber recibido una beca de la Alianza Francesa, se trasladó a París, de donde nunca regresó. En esa ciudad dictó clases de Literatura en la Universidad de Rennes hasta su retiro en el año 2002.

También fue allí donde comenzó su madurez y consagración literaria, con una seguidilla de publicaciones: en 1969, su tercera novela, "Cicatrices", considerada por la crítica como su primera novela madura y en 1974, después de trabajar en ella durante nueve años, publicó la que se considera su novela más radical y compleja,"El limonero real".

En 1976 publicó su cuarto libro de cuentos, "La mayor", y, en 1977, su único poemario, "El arte de narrar", que se reeditó en 1988 y en el 2000.

En 1980 vio la luz "Nadie nada nunca", novela policial que escribió durante cuatro años, considerada uno de sus trabajos más experimentales.​ Con ella, obtuvo el reconocimiento de la crítica, convirtiéndose así en uno de los escritores más destacados de la literatura en idioma español.​

Sus trabajos posteriores lo vieron alejado de la experimentación, regresando a un tipo de narrativa más formal, como en "El entenado" (1983) y "Glosa" (1985), esta última considerada por él mismo como su trabajo preferido, y que representa lo más cercano a lo que le gustaba escribir.

Saer falleció el 11 de junio del año 2005 en la ciudad de París, donde fue sepultado en el cementerio del Père Lachaise.​ Al momento de su muerte, tenía 67 años y se encontraba escribiendo los últimos capítulos de su última y más extensa novela, "La grande", que fue publicada por Seix Barral en el 2005 junto con "Trabajos", una colección de artículos literarios suyos aparecidos en diversos diarios y revistas que ya tenía preparada para su publicación.

(Fuente: Wikipedia / varias)

Xul Solar, el polifacético autodenominado "músico visual"

Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari fue artista visual, inventor y astrólogo.

Nació el 14 de diciembre de 1887 en la localidad bonaerense de San Fernando. Sus padres fueron Emilio Schulz (ruso) y Agustina Solari (italiana). Su hermana menor, Sara, falleció de fiebre tifoidea, enfermedad que Xul también padeció. En cuanto a sus estudios, asistió al Colegio Francés Fermy y luego al Colegio Inglés, además de practicar violín, actividad que abandonó tras un accidente. 

En su juventud la familia se traslada a la capital y Solar asiste al Colegio Nacional Sección Norte del barrio de Palermo. Trabajaba con su padre, que se desempeñaba como ingeniero en la Penitenciaría Nacional. En 1905 decidió iniciar la carrera de Arquitectura, que abandonó dos años después. 

En la familia había un gran interés por la música, su abuelo había sido pianista y su padre tocaba la cítara. Solar aprendió a tocar ambos instrumentos y disfrutaba de las composiciones de Bach y de Wagner. Forjó amistad con el músico Juan de Dios Filiberto y con Vicente Scaramuzza, profesor de piano del Conservatorio Nacional. Sus dos pasiones fueron las artes plásticas y la música, pero  también se interesó por los idiomas, las religiones, la antroposofía, la numerología y la astrología.


Retrato de Xul Solar, MALBA, CABA.

Etapa europea

Con 25 años y la intención de llegar a Hong Kong, en 1912 partirá hacia Europa, viaje del que retornará doce años después rebautizado como Xul Solar y con el anhelo de dar a conocer las nuevas corrientes artísticas en nuestro país. 

Regresaría recién en 1924, luego de recorrer varios países y pasar las Fiestas en la casa materna de San Pietro di Roveretto (Génova). En Turín conoció al colectivo expresionista Der Blaue Reiter, creado por Vasili Kandinski y Franz Marc en Berlín. De allí incorporó la técnica de acuarela y la explotación del color. Sus primeras obras en esta dirección fueron al óleo y en témpera: "Nido de fénices" y la primera versión de "Entierro". Fue influenciado por el cubismo, el futurismo y el surrealismo.

En 1914 Solar conoció en París a Aleister Crowley, uno de los ocultistas más reconocidos del siglo XX. En una entrevista, Crowley le enseña a sistematizar la manera de tener visiones a través de los 64 hexagramas del I Ching, legendario Libro de las Mutaciones. Solar vuelca dicho aprendizaje en un texto denominado "Los San Signos".

En 1915 conoció en París a Picasso y Modigliani y realizó varias obras de carácter místico a través del simbolismo. Lentamente las obras de Xul se llenan de combinaciones de signos y símbolos, creando un lenguaje verbal y visual particular que coincidía con su búsqueda espiritual. En 1917, en Florencia, conoció a Emilio Pettoruti. Juntos recorrieron varios países europeos y decidieron volver a la Argentina para revolucionar el mundo del arte. 

El público y los críticos de arte de nuestro país no lograban clasificar la obra de estos artistas, vinculados al estilo de Paul Klee. Con sus cuadros rurales y costumbristas, Fernando Fader era la figura más importante del arte argentino de la época.


"Celdas na roca", MNBA, CABA.

En 1920, Solar realizó su primera exhibición en Milán. Pettoruti escribe el texto del catálogo y afirma: "Hay un extraño misterio en éstas (obras), sus fantásticas visiones, en las que la imaginación, sin ningún control de la realidad… Parece que mirara en espacios privilegiados y descubriera todo un mundo de fantasmas y de sugestiones ignotas".

En esa misma ciudad concretaría varios proyectos denominados Bau (Estilos). Se trataba de pequeñas arquitecturas montadas en cartulina con características neogóticas y de templos orientales. Dentro de esta misma serie hace escenografías y estudios de estilos en columnas, capiteles y frisos. Además, en estos años va gestando una obra pictórica característica: de pequeño formato, en acuarela, tempera, óleo, con temas relacionados al mundo inconsciente y al misticismo.

Crítica de arte

En las obras de este período surgió un interés por incorporar letras, signos y palabras. El neocriollo es un lenguaje basado en el portugués y el español, lenguas de América Latina, con la intención de redefinir la relación de la cultura americanista con Europa. Solar era políglota: hablaba fluidamente inglés, francés, alemán, italiano, ruso y guaraní, además de entender perfectamente latín, griego, chino y sánscrito. Los años 1.922 y 1.923 fueron de mucha creatividad en Alemania. Posteriomente, se instaló en Londres para trabajar en su producción y estudiar Teosofía. 

Martín Fierro, periódico quincenal de arte y crítica libre, es el nuevo proyecto en el que se embarca Solar. A través del mismo se vinculó con los grupos literarios de las vanguardias locales de las décadas de 1920 y 1930 (Boedo y Florida), entre ellos, Oliverio Girondo, Raúl González Tuñón, Roberto Arlt, Norah Borges, Eduardo González Lanuza y Leopoldo Marechal.


"Puerto azul", Museo Xul Solar.

Expone por primera vez en nuestro país en diciembre de 1924, en la muestra colectiva Primer Salón Libre, en la Galería Witcomb de Buenos Aires. Trabajó para varias publicaciones, entre ellas, la revista Proa, dirigida por Borges, Brandán Caraffa y Ricardo Güiraldes. 

Marinetti, el artista italiano futurista, llegó a la Argentina en 1926 y fue seleccionado junto a Norah Borges, Pedro Illari, Alberto Presbisch y Ernesto Vautier como mejores representantes de la vanguardia europea.

Borges y el neocriollo

Solar fue amigo de Borges durante más de cuarenta años; eran vecinos y tenían largas charlas respecto del mundo del lenguaje. El neocriollo era de gran interés para Borges. Publicó un relato llamado "Tlön, Uqbar, Orbis Tertius", acerca de un mundo imaginario con un idioma particular,  palabras que se forman mediante la adición de prefijos y sufijos, basado en la idea del neocriollo.

"Xul Solar es uno de los acontecimientos más singulares de nuestra época (...) Un hombre versado en todas las disciplinas, curioso sobre todos los arcanos, padre de escrituras, lenguajes, utopías, mitologías, huésped de infiernos y de cielos... El pensamiento de Xul era incesante. Él me dio la impresión exacta de haber leído muchísimo y, sobre todo, de querer cambiar las cosas".


Prólogo del libro de Borges "El idioma de los argentinos", ilustrado por Xul Solar.

El panajedrez y la panlingua

En la revista Él, Solar comparte algunas reflexiones acerca de sus facetas artísticas:

"Soy campeón del mundo de un panjuego que todavía nadie conoce: el panajedrez. Soy maestro de una escritura que nadie lee todavía. Soy creador de una nueva técnica musical, de una grafía musical que permitirá que el estudio del piano, por ejemplo, sea posible en la tercera parte del tiempo que hoy lleva estudiarlo... Soy creador de una lengua universal –la panlingua– sobre base numérica y astrológica, que tanto contribuiría a que los pueblos se conociesen mejor unos a otros. Soy creador del neocriollo, lengua que reclama al mundo de Latinoamérica. Soy el director de un teatro que todavía no funciona".
 

Panajedrez (Foto: Jotdown).

En 1939 se inauguró el Pan-Klub, un lugar de encuentro para intelectuales y personas con las mismas inquietudes. En la década del 40 comenzó a pintar en tonos blancos, negros y grises, insertándose en una búsqueda e incorporando un nuevo sistema de escritura con base de signos estenográficos a sus obras.

Participó de varias publicaciones como Leoplán, Crítica y El Hogar, con ilustraciones, traducciones y reseñas literarias. Impartió además conferencias sobre astrología. En 1946 se casó con Micaela Cárdenas, su discípula. 


"Ciudá y abismos", Museo Xul Solar.

Para ella modificó los teclados de un piano coloreando las teclas de acuerdo a las vibraciones que cada una representaba. De esta manera, se podía ejecutar un movimiento musical inspirado en los colores. Las teclas fueron construidas en madera y pintadas por el artista según su lista de correspondencias para "dibujar movimientos musicales con líneas quizás legibles como música".

Falleció el 9 de abril de 1963, a los 75 años, en su casa de Tigre. Estaba acompañado de su esposa Lita, quien dijo que su marido "no creía en la muerte, para él siempre existirá un mañana".

"Zodíaco", Museo Xul Solar.


Para acceder a la página del Museo Xul Solar, hacer click aquí.

Movimientos de Historia del Arte: Neoclasicismo

1750-1820

Como bien dice su nombre, una vuelta al mundo clásico tras el frenesí barroco. Así gira la rueda de la historia del arte desde sus inicios.

La ilustración extendió sus tentáculos hasta el arte y la razón de la antigüedad greco-romana vuelve a ser un faro por el que guiarse estética y filosóficamente.

Se empiezan a realizar expediciones arqueológicas para recuperar ese pasado casi mítico. Roma se convierte de nuevo en la capital cultural de occidente, y todo artista que se precie va a conocerla.

Después de tanta pasión desbordada, de tanto ornamento prescindible, vuelve a ponerse de moda la claridad y la sencillez

Vuelve el dibujo y la forma, sobre el color y la mancha, que dejan de tener valor estético por sí mismos. Se valora la factura impecable, sin pinceladas del autor, se aprecia la temática histórica (incluida la historia presente, como la Revolución Francesa) y mitológica, mejor si estaban basadas en los clásicos.

"La única manera para que lleguemos a ser grandes o, si esto es posible, inimitables, es imitar a los antiguos."  (Winckelmann).

Obras representativas

Jaques-Louis David, Francia ( 1748–1825)


Belisario pidiendo limosna.

Jaques-Louis David Francia (1748–1825) 


Retrato de Madame François Buron.

Jean Auguste Dominique Ingres, Francia (1780–1867)


L’apothéose d’Homère (
La apoteosis de Homero).

William-Adolphe Bouguereau, Francia, (1825–1905)

Nacimiento de Venus.

Francesco Hayez, Italia (1791–1882)


Atleta trionfante.

Angelica Kauffmann, Suíza(1741–1807)

Self portrait hesitating.

(Fuente: Historia del Arte)

Fotógrafos denuncian que Meta está etiquetando imágenes reales como “hechas con IA”

Un ex fotógrafo de la Casa Blanca, sospecha que Instagram está identificando nuevas herramientas de la empresa de software para imágenes Adobe como inteligencia artificial.


Meta utiliza una extensa base de datos para identificar cuando una foto fue generada con IA (Foto: Reuters).

Algunos fotógrafos se han quejado de que Meta está etiquetando fotos tomadas por ellos mismos con la marca "Hecho con IA", que señala cuando una imagen ha sido generada con inteligencia artificial.

Pete Souza, ex fotógrafo de la Casa Blanca norteamericana, también ha sido afectado por este proceso erróneo de etiquetado, pero señala que es probable que el algoritmo de Instagram pueda reconocer cuándo se ha editado una fotografía real con herramientas de Adobe.

Souza alertó que Adobe modificó el funcionamiento de su herramienta de recorte, requiriendo "aplanar" la imagen antes de guardarla en formato JPG, en vez de salvarla conservando cada capa por separado. Sospecha que este cambio ha llevado al algoritmo de Meta a etiquetar incorrectamente las imágenes.

El fotógrafo le dijo que es molesto que Instagram lo haya obligado a incluir "Hecho con IA", a pesar de que él mismo desmarcó esa opción.


Souza mostró su enfado porque Instagram no permite desmarcar la etiqueta de IA (Foto: Pete Souza / Instagram).

Cuáles son las quejas de los fotógrafos

Otro fotógrafo, conocido bajo el seudónimo Faded LoFi Dreams en Instagram, también mostró su enfado hacia la red social. En Threads dijo "no se usó ni un poco de relleno generativo en ninguno de estas imágenes porque odio la IA, así que esto es bastante preocupante" cuando descubrió algunas fotos suyas habían sido etiquetadas con IA.

Noah Kalina, quien ha trabajado para empresas como Google, Gucci y Levi’s, dijo en Threads: "Instagram etiqueta automáticamente una foto como hecha con IA cuando detecta que el relleno generativo es incorrecto y malo y, en última instancia, hará más daño que bien".

"Si las fotos retocadas están hechas con IA, entonces ese término efectivamente no tiene significado. También podrían etiquetar automáticamente cada fotografía como 'No es una verdadera representación de la realidad' si realmente quieren proteger a las personas", agregó.

Básicamente, Kalina argumentó que editar una foto con una herramienta de retoque o mejora no debería ser motivo suficiente para aplicar esa etiqueta.

Qué es la etiqueta "Hecho con IA"

Meta no ha respondido a las denuncias de los fotógrafos, pero su su página de soporte se indica que "cualquier contenido que contenga señales estándar de la industria generadas por IA se etiquetará como 'Hecho con IA'. Esto incluye contenido creado o editado utilizando herramientas de inteligencia artificial de terceros. También incluye contenido creado con las herramientas de inteligencia artificial de Meta, descargado y luego subido a Facebook, Instagram y Threads".


Fotógrafos señalan que una imagen editada no debería siempre etiquetada por Instagram. (Foto: Noah Kalina).

Asimismo, comparte algunos ejemplos acerca de cuando se debe etiquetar un contenido con "Hecho con IA":

• Un video que parece realista de un grupo de personas caminando por un mercado al aire libre.
• Una canción creada con voces generadas por IA.
• Un reel narrado con una voz en off realista generada por IA

Ejemplos de contenido creado digitalmente que no requiere etiqueta:

• Video de un paisaje al aire libre, creado con un estilo que recuerda a un dibujo animado.
• Video que ha sido editado sólo con cambios menores de tamaño y recorte.

En una entrada al blog de Meta de febrero de 2024 de febrero, la compañía mencionó que utilizaba metadatos de imágenes para detectar la etiqueta.

"Estamos creando herramientas líderes en la industria que pueden identificar marcadores invisibles a escala (específicamente, la información 'generada por IA' en los estándares técnicos C2PA e IPTC ) para que podamos etiquetar imágenes de Google, OpenAI, Microsoft, Adobe, Midjourney y Shutterstock".

En el mismo comunicado, Meta indicó la posibilidad de adelantar amonestaciones si un usuario que utilizó IA no utiliza la etiqueta. "Exigiremos que las personas utilicen esta herramienta de divulgación y etiquetado cuando publiquen contenido orgánico con un video fotorrealista o un audio con sonido realista que haya sido creado o alterado digitalmente, y podemos aplicar sanciones si no lo hacen", dijeron.

La polémica continúa, y día a día nos enteramos de casos que demuestran que, a veces y en algunos casos peligrosamente , la IA no es tan inteligente como se supone.

(Fuente: Infobae).

La historia detrás de "Gloomy Sunday", la canción que incitaba al suicidio en los años 30

La música tiene el poder de evocar emociones intensas y, en ocasiones, incluso puede tocar fibras profundas de la psiquis humana. El que sigue fue uno de estos últimos casos.


(Foto: iStock).

Radios de Estados Unidos y Europa prohibieron durante décadas la difusión de "Gloomy Sunday" (Domingo sombrío en español, Szomorú vasárnap en húngaro), una canción que ha sido considerada como una de las más tristes de la historia. La melodía fue compuesta en Hungría por Rezsó Seress en el año 1933, momento en el que el mundo se alistaba lenta pero inexorablemente para una Segunda Guerra Mundial.

Fue popularizada inicialmente por la cantante Billie Holiday en 1941, con una interpretación en inglés escrita y adaptada por Sam M. Lewis.

Según registros de la época, decenas de personas supuestamente tomaron la decisión de acabar con sus vidas luego de escuchar los cuatro minutos de la melodía. Sin embargo, eso resulta difícil de comprobar.

La realidad, mencionan algunos expertos, es que la gente se suicidaba debido a la situación de hambruna extrema o los problemas económicos que atravesaba Hungría, que en las dos Guerras Mundiales se anotó del lado del bando perdedor.

Para cuando fue lanzada en inglés- la citada versión de Holiday- ya existían varias versiones en diferentes idiomas, incluyendo una en español interpretada por la leyenda del tango Agustín Magaldi, llamada "Triste domingo". También podemos escuchar actualmente otras versiones en diferentes lenguas como en ruso, japonés o finlandés, o la versión en inglés que ha sido interpretada por diferentes superestrellas de distintos géneros como Björk, Sarah Brightman, Ray Charles, Elvis Costello, Diamanda Galás, Beth Gibbons, Sarah McLachlan, Rick Nelson, Lydia Lunch y Sinéad O'Connor, entre otros.

A continuación, podemos escuchar -en lo posible, sin sugestionarnos y sin temor a que nada fatal suceda- una de las mejores versiones de esta ciertamente triste pero a la vez hermosa canción:

 

(Fuente: Wikipedia / Terra / otros)

Recordando a Raúl Soldi, uno de los grandes maestros de la pintura argentina

Hace 30 años fallecía el pintor, escenógrafo y muralista, recordado como "el artista de la armonía".

 
Raúl Soldi, mucho más que un pintor de cúpulas.
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Nació el 27 de marzo de 1905 en la ciudad de Buenos Aires. Sus padres eran ambos músicos de profesión: Ángel era chelista e intérprete de obras líricas y Celestina, poseía un gran talento musical y su tío era luthier. El nombre con el que lo bautizaron sus padres está inspirado en la ópera "Los Hugonotes", de Giacomo Meyerbeer. La primera residencia de la familia fue en una casa ubicada al lado del teatro Politeama, en el centro, lugar al que Soldi asistió en ocasiones a ensayos de las funciones. De niño, construía pequeños escenarios de títeres, escribía y montaba obras de teatro. En su adolescencia, la familia se mudó al barrio de Villa Crespo y comenzó el interés de Soldi por la pintura:

"Recuerdo que la primer copia que hice fue sobre un cuadro de Quinquela Martín reproducido por Caras y Caretas" , rememoró el pintor.

Amante de la música, Soldi incursionó también en la poesía y el cuento. A los 16 años viajó a Europa. Estuvo en varias ciudades de Alemania, entre ellas, Hamburgo y Berlín. También visitó Austria y por último, Italia, el país de origen de sus padres. 

"Venecia me hizo pintor. En ese viaje visitamos Pinceto, el pueblo de mi madre. Me propusieron hacer un fresco en la capilla San Fermín, una capillita romántica del siglo XI. Pinté al fresco por primera vez, con mucha adrenalina, sobre su portal, la imagen del santo", recordó.

Al regresar a Argentina cursó en la Academia Nacional de Bellas Artes durante 3 meses, hasta que la familia decidió volver a Italia y de esta forma continuó su formación en la Academia Brera de Milán. Al terminar sus estudios, Soldi expuso su obra en Trieste y ganó el primer premio para pintores jóvenes con su "Retrato de un pintor armenio".

Escenografía de cine y teatro 

En 1933, de vuelta en Argentina, comenzó a trabajar en Argentina Sono Films realizando escenografías de películas. Llegó a trabajar en más de ochenta producciones. Además decoraba las vidrieras de la tienda Harrod´s.

En el año 1940 ganó una beca para estudiar escenografía en los Estados Unidos. Allí además tuvo lugar una exposición sobre su obra, que fue muy bien recibida. A su regreso a Buenos Aires, sus pinturas circularon por varios salones del país con muy buenas críticas. A partir de 1945, trabajó en el diseño de escenografía y vestuario del Teatro Colón como "La Boheme", de Puccini. Ese mismo año se casó con Estela Gaitán, que trabajaba en Editorial Losada y había conocido años atrás. A ella le dedicó su obra, centrada en la figura de la mujer en forma de agradecimiento por su compromiso incondicional.

"Fue entonces que Estela me hizo comprender dónde estaba mi destino, me comprometió todo su apoyo ante previsibles contratiempos económicos, y con femenina decisión, esa que no admite replicas, me dijo: basta de cine, a pintar todo el día”

En 1953 decoró la cúpula de la Galería Santa Fe: la espiral consta de sesenta y tres figuras, reunidas en catorce escenas.

El 12 de Junio de 1957, la Academia Nacional de Bellas Artes lo designó Académico de Número y entre 1965 y 1970 ocupó el cargo de Prosecretario.

Detalle del mural en Galería Santa Fe.

En 1968, Soldi pintó al fresco un mural en Israel. Fue invitado por la Casa Argentina en Israel Tierra Santa. Se trata de un fresco de seis metros de alto por dos y medio de ancho junto a uno de los seis altares de la cúpula de la Basílica de la Anunciación en la ciudad de Nazareth, erigida sobre la ruta en que vivió la Sagrada Familia y donde transcurrió la infancia de Jesucristo. El trabajo le tomó sesenta días.

Soldi en Glew

Al conocer la localidad bonaerense de Glew, Soldi se interesó particularmente por la Capilla de Santa Ana y dedicó veintitrés veranos a pintar murales al fresco de la misma. En total son trece murales que relatan episodios de la historia de Santa Ana, madre de la Virgen María. En todos ellos utiliza el procedimiento renacentista al fresco (pared húmeda y mezcla de color y caseína), exceptuando "Los trabajos domésticos de Santa Ana", que utilizó el procedimiento al seco. 

Capilla de Santa Ana en Glew.

En 1979, junto a su mujer, Soldi constituyó la Fundación Santa Ana de Glew, donde donó gran parte de su obra, que actualmente es la Fundación Soldi. Allí en la Fundación se encuentra la colección privada del artista y la Biblioteca Pablo Rojas Paz.

"Es una Fundación que también es Biblioteca Popular y centro de alfabetización para adultos. Nada de lo que he pintado, me ha dado tanta alegría como el ver a una señora de setenta años que, en una de las clases de alfabetización, escribió su primera carta a la familia radicada en Santiago del Estero. Pienso que es un poco la obra de mi vida y gracias a mi mujer, que fue la de la idea, la hemos llevado a cabo", dijo el pintor

En el año 1971 realizó un mosaico en la iglesia de San Isidro Labrador. Dos años más tarde, su obra Santa Ana y la Virgen ingresó a la galería de Arte Sagrado del Vaticano. En 1976, Soldi pintó veintiún paisajes en el campo y murales en la Plaza San Martín de la localidad bonaerense de Tres Arroyos. Soldi realizó múltiples exposiciones en Buenos Aires, Córdoba, Santa Fe, La Plata, Tucumán y Rosario. También exhibió sus obras en México, Paraguay, Francia y Rumania.

Publicaciones ilustradas

Soldi formó parte de la colección de Eudeba "Arte para todos", en la publicación "Cuentistas y pintores" junto a Berni, Seoane y Castagnino, entre otros artistas que ilustraron relatos biográficos, poemas, cuentos, refranes con xilografías, dibujos a tinta y técnicas mixtas. 

Además, el artista ilustró "Cuentos fantásticos", de Edgar Allan Poe, "20 poemas de amor y una canción desesperada", de Pablo Neruda y "Juvenilia", de Miguel Cané.



La pintura sensible

Algunos de los aspectos que la describen son: abandonar el dibujo minucioso de la época y hacer mayor hincapié en el color. Se trata de una técnica se enfoca más en el color que en la forma y se basa en la introspección, la cotidianeidad y la expresión de matices figuras estilizadas y sutilmente deformadas que responden a una clara concepción bidimensional. 

La línea se suele utilizar en arabescos. En la producción de Soldi aparecen bodegones en los que las frutas y las flores estallan de color, armonía y belleza, así como pequeños paisajes donde se aprecia una pincelada muy suelta.

Cúpula del Teatro Colón

Manuel Mujica Lainez, escritor amigo del artista, fue quien lo recomendó para restaurar la cúpula del Teatro Colón, trabajo que Soldi comenzó en 1966.

Cúpula del Teatro Colón de Buenos Aires.

Allí representó la vida teatral: músicos con sus instrumentos y actores intercambiándose las máscaras de la tragedia y la comedia. El mural mide veintidós metros y son cincuenta y tres figuras en cuatrocientos metros cuadrados. Fue pintado en dos meses. Son 320 metros cuadrados. Está hecha de tirantes y yeso belga muy antiguo que, al fraguar, forma una materia semejante a la madera, secreto de su acústica. 

"Yo pinto música, el músico que nunca pude ser. Me crié en un conventillo que daba sobre el teatro Politeama. Viví con bailarinas, músicos, actores. Me metí en el teatro y en la música desde siempre".

La hamaca, MNBA.
 
En 1983 inauguró el Mural de Santa Magdalena, en Castelar. En 1989 realizó el mosaico “Camerata Bariloche” que fue emplazado en el museo del Parque de Portofino, Italia. En 1990 la Galería de Arte Moderno de Milán incorporó a su colección un autorretrato de Soldi.

El artista realizó un mosaico destinado a la Fundación Favaloro en 1991. El Palais de Glace rindió homenaje a Soldi en 1992 exponiendo más de doscientas diez obras. La muestra fue visitada por más de 500.000 personas.

Su patrimonio

Soldi pintó más de 3000 óleos, acuarelas, pasteles y litografías que integran el patrimonio de instituciones como la Galería Uffizi, en Florencia, el Museo Vaticano y el Museo Nacional de Bellas Artes. Las temáticas en las que incursionó durante toda su vida fueron los paisajes, los desnudos, las naturalezas vivas.
 
"Quiero que mi pintura tenga un efecto sedante para el alma; que transmita paz, tranquilidad y, sobre todo, poesía".

(Fuente; Secretaría de Cultura de la Nación) 

Alberto Laiseca, el escritor que caminaba entre el realismo y el delirio

Cultivaba una mirada tan singular sobre el mundo que por momentos bordeaba la locura. No se consideraba a sí mismo un maldito, sino un excéntrico.

"Lo que yo intento hacer con las distorsiones del delirio es marcar, justamente, partes de la realidad poco vistas", dijo alguna vez Alberto Jesús Laiseca, uno de los escritores más desmesurados -sí, esa palabra le calza sin exagerar- quizás, de la historia de la literatura.

Y vaya que lo que intentó lo llevó a cabo: en un corpus de escritura de 19 volúmenes -entre, mayormente- novela, cuentos, dos ensayos y uno de poesía- dio rienda suelta a su inagotable imaginación, aparte de su inteligencia y sensibilidad demoledoras.

Empezó a estudiar Ingeniería Química, pero abandonó la carrera para irse de su Rosario natal a trabajar al campo como peón y cosechero en Córdoba y Mendoza, posteriormente como empleado en una compañía telefónica, mientras se formaba el germen de la ocupación que lo llevaría a ser recordado local e internacionalmente: su producción literaria.

No tuvo una infancia fácil: a los tres años falleció su madre y quedó al cuidado de su padre, con quien tuvo una relación más que difícil, y para describirla bastan sus propias palabras: "En la infancia los libros fueron la única salida para mí, los libros y la imaginación. Sin ellos no habría podido aguantar la chifladura de mi viejo. Mi padre era trastornado y muy cruel, profundamente injusto y contradictorio, era muy difícil de soportar. Entonces imaginate que frente a esa situación uno puede terminar de un día para el otro volviéndose loco. Para salvarme de la locura y la muerte la única alternativa que me quedó fue la imaginación: fabricar mundos distintos de los cuales poder colgarme".

Mientras daba sus primeros pasos en la escritura, alrededor de 1966 se mudó a Buenos Aires, donde vivía precariamente en pensiones baratas, experiencias que también alimentarían su imaginario literario. Por entonces comenzó a frecuentar el Bar Moderno (hoy ya inexistente), ubicado en Maipú entre Charcas y Paraguay, donde entró en contacto con figuras extrañas y marginales propias de la bohemia porteña de los años sesenta, como Marcelo Fox, Horacio Romeu e Ithacar Jalí (seudónimo del artista Enrique Lerena de la Serna), a quienes Laiseca citó con frecuencia como referentes.


En rueda desde la izquierda: Alfredo Slavutzky, Horacio "Pepe" Romeu, Marcelo Sztrum, Alberto Laiseca, Rubén de León, Reynaldo Mariani, Alejandro Medina (baterista de Manal), Jorge Centofanti y Graciela Dellepiane Rawson. Bar Moderno, 1968 (Foto: Víctor Kesselman).

A partir de sus contactos con el ambiente del Moderno, Laiseca empezó a escribir lo que denominaba "textos caoístas", de carácter experimental, con poco o ningún hilo argumental, a la vez que cultivaba un perfil de autor anticomercial, negándose a publicar. No fue hasta 1973 que apareció su primer relato publicado, "Mi mujer", aparecido en el diario La Opinión, al que un año después siguió "Feísmo", incluido en una antología de humor negro, ambos textos firmados con el seudónimo Dionisios Iseka.

En 1976 la Editorial Corregidor le publicó su primera novela, "Su turno para morir",  por recomendación de Osvaldo Soriano, aparecida en la colección Serie Escarlata, que utiliza el modelo de la "novela negra" en clave paródica para dar una primera muestra de sus temas y estilo característicos, como escenas de violencia, disertaciones de los personajes en torno a cuestiones literarias y esotéricas y una importante presencia de un negro sentido del humor.

Con sus obras siguientes, el libro de cuentos "Matando enanos a garrotazos" y la novela "Aventuras de un novelista atonal", ambas publicadas en 1982, Laiseca terminó de convertirse en una figura de culto entre los escritores emergentes de su generación, como César Aira y Rodolfo Fogwill, quienes junto a Ricardo Piglia hicieron circular su nombre como autor de "Los sorias", una extensa novela que también terminó por entonces pero que tardaría dieciséis años más en ser publicada.

Su proceso de legitimación iniciado en la década anterior comenzó a dar resultados en los años noventa,
cuando más precisamente en 1991 la editorial independiente rosarina Beatriz Viterbo Editora publicó el ensayo "Por favor, ¡plágienme!", donde expone sus ideas sobre el plagio y la importancia de este procedimiento en su propia poética.

El mismo año recibió la Beca Guggenheim, gracias a la cual pudo terminar "El jardín de las máquinas parlantes", su segunda novela más extensa, publicada en 1993, en la que aborda otra de sus obsesiones, el mundo del esoterismo y la magia, a través de la historia de un grupo de magos que deciden ayudar a un hombre víctima de magos oscuros.

Paralelamente a su actividad como escritor, participó como narrador oral en el ya mítico ciclo "Cuentos de terror", emitido a madianoche por el canal I.Sat, en el que narraba historias de autores como Edgar A. Poe, Stephen King, Howard P. Lovecraft y Ramsay Campbell, con una escenografía minimalista: una habitación vacía apenas iluminada por una tenue luz cenital.

Como otro detalle extra-literario, actuó en dos películas: "El artista" y "Querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo", ambas dirigidas por la dupla argentina formada por Mariano Cohn y Gastón Duprat.

Para no seguir abundando en detalles biográficos (y quizás aburriendo con ellos), vamos a hacer foco en lo importante y enumerar, a modo de recomendación, algunas de sus obras más notables:

Los Sorias (Novela, 1993)

Novela monumental, de casi 1.400 páginas, Laiseca la definió como "la obra de su vida": tras desechar tres versiones anteriores, tardó diez años en escribirla y casi el doble en poder publicarla, tiempo durante el cual circuló en forma de manuscrito.


Suma de todas las obsesiones recurrentes del autor, narra una guerra entre tres dictaduras: Soria, Tecnocracia y Unión Soviética. El protagonista, Personaje Iseka, vive en una pensión en el límite entre Soria y Tecnocracia, gobernadas por el Soriator y el Monitor respectivamente.

En Soria, todos se apellidan Soria; mientras que en Tecnocracia todos se apellidan Iseka. A partir del enfrentamiento entre Iseka y dos hermanos Soria con los que comparte habitación, se despliega un universo distópico en el que estos tres países se enfrentan entre sí mediante todo tipo de armas y se discurre sobre los más disímiles temas: política, religión, guerra, historia, sexo, astrología, magia, ciencia y tecnología, etc.

El jardín de las máquinas parlantes (Novela, 1998)

Con casi 800 páginas, segunda novela más extensa de su producción fue escrita gracias a una Beca Guggenheim.


Para describirla, nada mejor que las palabras del propio autor, tomadas de la contratapa de la edición original: "Cuentan que algunos hombres saben fabricar máquinas mágicas. Estas máquinas cantan, silban, cuentan chistes. También muerden y pican. Son invisibles, aunque a veces puede adivinárselas con el rabillo del ojo. Los hombres que las crean son magos, y las envían a sus enemigos para enloquecerlos o matarlos. Sus propósitos, sin embargo, varían considerablemente. En una víctima pueden confluir máquinas de dos o más magos enemigos y usarla como territorio de una batalla mucho mayor, entre las fuerzas invisibles del Bien y del Mal. Las víctimas, en esos casos, terminan en el manicomio, en la morgue o bien iniciándose en los ritos de la magia. Una iniciación así es la que cuenta esta novela. Paso a paso, de dimensión en dimensión. Es, también, un raro tratado de magia práctica, que revela secretos superiores del mundo esotérico. Pero, sobre todo, es una larga e invencible historia de sexo y amor".

Matando enanos a garrotazos (Cuentos, 1982)

Volumen de trece cuentos, anticipa con su estética a "Los Sorias". Historias absurdas, excesivas, delirantes, violentas, pantagruélicas, con personajes de una moral que, más que calificarla de dudosa, habría que reconocerla como directamente escandalosa.


Todo en este libro es cruel y desmedido, de una inverosimilitud corrosiva. La violencia del libro arranca en los países árabes, donde las técnicas de tortura se mezclan con adoraciones al Profeta (con mayúsculas), en busca de la Verdad (otras mayúsculas), para después adentrarnos en un mundo lúmpen y futurístico, una versión del futuro más cercano al pasado, pero con pordioseros comiendo embutidos.

Sigue con la Segunda Guerra Mundial, buscando en otro cuento un centro de gravedad, cuando las fuerzas de Hitler y de Stalin se encontraban en igualdad de condiciones. Pero también hay otros temas muy distintos: un científico que se propone viajar a través de los tornados, un prisionero que logra un estado superior al asumir su sentencia, golpes de Estado, un acoso psicológico de un marido muy intenso, y varios más.

La hija de Kheops (Novela, 1989)

Durante la cuarta dinastía, aconsejado por el astrólogo real, el faraón Kheops decide emprender una gran obra: construir una pirámide que sea su monumento funerario y que preserve a Egipto de males futuros.


Cetes, el astrólogo y mago, encargará al mejor arquitecto egipcio- el peculiar maestro Tofis- los trabajos de construcción, que se prolongarán treinta años. Pronto surgirán problemas: los mosquitos, el tormento de los pobladores de la Cuenca del Nilo, la lascivia Boula, mujer de Tofis, que trastorna a todos los que visitan a su marido; Hentsen, la incestuosa hija de Kheops, que tiene dos maridos: el propio faraón y el mago Cetes. Así, entre intrigas cortesanas, diálogos disparatados y digresiones mitológicas y políticas, como los comentarios delirantes de un narrador que se deleita en los anacronismos, avanza no sólo la construcción de la pirámide sino también la de esta divertida novela.

Gracias Chanchúbelo (Cuentos, 2000)

En este libro, el autor se permitió hasta replicar con parodias a la crítica de Jorge Luis Borges sobre "Matando enanos a garrotazos". Según la anécdota, Borges afirmó que jamás leería un libro que tuviera un gerundio en su título. La respuesta de Laiseca fue "Indudablemente, horriblemente, ferozmente", cuento escrito en gerundio, abundante en adverbios, frases germanizadas y comas antes del verbo.


Sin embargo, la parodia a Borges vuelve con otro cuento, "Jack el Olvidador", que narra las desventuras de un escritor cuyo crimen era tergiversar y olvidar pasajes de obras ilustres, en especial "Ulises", de James Joyce. Desde luego, el carácter distraído de Jack es una burla a "Funes, el memorioso", personaje de Borges, condenado a recordar todo.

Laiseca mantenía una actitud combativa con su realismo delirante, el arma con la que se enfrentaba a la alta cultura argentina, al entorno militarizado y al mito de ser un plebeyo ascendido a escritor de culto.

Poemas chinos (Poesía, 1987)

Dijo Laiseca en 2005 acerca de este volumen: "Me interesa que los jóvenes se acerquen a este libro, yo los invito a leerlo. No van a encontrar poemas herméticos, sino palabras que son mucho más fáciles de comprender si se es joven. Es un libro impresionista, pero no de un impresionismo vacío como el que está de moda, sino que busca la trascendencia. A partir de imágenes intenta una proyección que vaya más allá".



(Fuente: Wikipedia / otros / redacción propia)

jueves, 27 de junio de 2024

Agenda Cultural: dibujo, música, cine, danza y videoarte en el CCK

El Centro Cultural Kirchner ofrece diversos espectáculos y muestras gratuitas para el fin de semana entrante.


Nombres que danzan


Es una enumeración de artistas argentinos artífices de la danza del siglo XX. Durante cuatro semanas, la artista Frana Zabala dibujará un caligrama con los -hasta ahora- más de tres mil nombres que revelan la amplitud de este universo artístico. En la inauguración de la sala se escribirá el último nombre de la lista, habrá una acción artística de los cantantes Luz Matas y Luca Eizaguirre y una actuación especial del bailarín Rodolfo Prantte.

Desde el miércoles 26 de junio, 18:00 - Sexto piso.

Escaleras para llegar al agua


Una performance de dibujos animados en tiempo real de Marcela Rapallo, con música original de Pablo La Porta. La obra aborda una experiencia onírica en la que se visita un lugar de aguas que conviven en diferentes escalas y niveles.

Viernes 28 de junio y 5 de julio, sábados 29 de junio y 6 de julio, 18:30, 19 y 19:30 - Sala inmersiva.

Orquesta Sinfónica Nacional - Obras de Édouard Lalo y Max Bruch


Bajo la dirección de Emmanuel Siffert, el organismo nacional interpreta un programa del siglo XIX: la "Sinfonía Española" del compositor francés Édouard Lalo y la "Sinfonía n.º 2 en fa menor" del alemán Max Bruch. Como solista, se presenta Luis Roggero en violín.

Viernes 28 de junio, 20:00 - Auditorio Nacional - Transmisión en vivo por Sonido Cultura.

Las bernardas, de Teresa Duggan


Como parte del ciclo "Devenir Danza", se presenta una obra inspirada en La casa de Bernarda Alba, el drama de Federico García Lorca escrito durante el franquismo en España. Coreografía y dirección: Teresa Duggan. Obra recomendada para mayores de 18 años.

Viernes 28 de junio, 20:00 - Sala Argentina.

Sofía Viola y El Nuevo Ají - Tardes de boleros


El ciclo dedicado al género musical centroamericano recibe a la cantante y compositora Sofía Viola, quien se presenta con un repertorio especial para la ocasión. La acompaña El Nuevo Ají, agrupación que completan Leonardo Zumbo en piano, Juane Telechea en contrabajo y Nicolás Echeverría en percusión.

Domingo 30 de junio, 19:00 - Sala Argentina.

Cine en junio - Ciclo Luis Bayón Herrera


En la última semana del mes, las salas del sexto piso proyectan un ciclo en homenaje al director argentino Luis Bayón Herrera. Las propuestas de cine internacional incluyen películas del francés Konstantinos Costa-Gavras y una selección de cine sueco contemporáneo.

Desde el martes 25 de junio - Sexto piso, Sala A y Sala María Luisa Bemberg.

Este es mi lugar - Videoarte contemporáneo argentino


Con curaduría de Rodrigo Alonso, "Este es mi lugar" reúne obras que indagan en los paisajes de la vasta geografía argentina. La exhibición invita al público a detenerse, observar y recordar, para vislumbrar no solo los futuros que imaginamos, sino también los orígenes desde los cuales proyectamos nuestro presente.

Miércoles a domingos, 14:00 a 20:00 - Segundo piso.

Jodos / Otero / Verdinelli Trío - Tardes de jazz


El pianista Ernesto Jodos, el bajista Sergio Verdinelli y el baterista Mariano Otero se suman a las Tardes de jazz para interpretar un repertorio de composiciones propias que representan su nueva etapa como trío, con una mirada orientada al riesgo musical y la improvisación.

Sábado 29 de junio, 19:00 - Sala Argentina - Transmisión en vivo por Sonido Cultura.

(Fuente: CCK)

Agenda Cultural: muestra homenaje a los dibujantes de "Humor", la revista que anticipaba la democracia

Una muestra homenajea a los dibujantes de la "revista de la risa política", editada entre 1978 y 1999 por Andrés Cascioli. También reunió a los grandes escritores y periodistas de fines del siglo XX.


Muestra de la revista "Humor" en la Biblioteca Nacional Mariano Moreno.

"Nada se pierde: dibujantes de Humor", es una muestra sobre la emblemática y masivamente popular revista publicada entre 1978 y 1999 por Ediciones de la Urraca, que abarca Humor registrado y más ediciones aledañas. Una inmersión a cierto mundo fantástico sucede al ingresar a la Galería Circular del patio de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno (BNMM). Es una muestra de arte, periodismo, historia de la prensa gráfica, del humorismo; de historia del arte en una mirada amplia, como debe ser además, por lo menos del arte contemporáneo.

"Es conocido que el gran cambio de Picasso fue influenciado por historietas que Gertrude Stein -recibía comics dominicales del Chicago Tribune, cuenta ella en sus memorias- le dio en 1906 y el del dibujo naturalista (pasó el periodo rosa y azul) "saltó" a 'Las señoritas de Avignon'”, la presenta su curador, José María Gutiérrez.

"Del grito pelado al mensaje velado, puede describir el derrotero de la prensa gráfica y su humorismo, y también la producción cultural relevante de entonces, teatro y rock etcétera, que atraviesa los setentas. La revista Humor corre el velo a finales de los setentas y por eso es tan significativa, al correrlo habilita que prorrumpan los ochenta", señala el experto.


José Alfredo Martínez de Hoz, por Andrés Cascioli.

Entre las enmarcadas y en vitrinas 70 piezas componen la imponente expo junto, al menos, de una decena de portadas, entre las de Humor, SuperHumor, Péndulo y Minotauro. Hay sillas alrededor y hay gente que se sienta, permite asimilar lo visto. En plena dictadura, ser dibujantes críticos a nivel recalcitrante y hacer de las suyas, era jugarse la vida pero se evidencia: "Humor" les dio libertad.

Fati, un dibujante descomunal o Sergio Izquierdo Brown, un autodidacta: está su Menotti escupiendo a Bilardo en birome azul Bic sobre el papel de máquina de escribir, "agarra y trabaja con lo que sea, era tan bueno que dibujaba con cualquier cosa; eran algo extraordinario", destaca Gutiérrez. En muchos casos, hasta implicaba que uno hacía el guion y otro el dibujo, o uno ilustraba y otro coloreaba.


El Señor López y sus famosas "puertitas", de Horacio Altuna, no podían estar ausentes en la muestra.

Un Leopoldo Marechal fumando su pipa (carbonilla), por Andres Cascioli (también director de la publicación) y entre las imágenes más impactantes se ve a la "Libertad crucificada" de fondo y delante festejan Videla, Massera y más dictadores ridiculizados.

Además, músicos interpretados con lírica bohemia poética, con las mejores plumas en letras y dibujos es lo que dio aquella revista desde sus portadas e interiores, por su espectacular contenido las hace obras de arte desde paneles con obras y ploteados, vitrinas verticales repletas de revistas u otras rectangulares con dibujos originales y herramientas de trabajo de los propios artistas: pinturas, pinceles, plumines, plumas y estilógrafos. "Para que se vea la materialidad, ahora la mayoría trabajan sobre iPad; es algo que inevitablemente se va a ir perdiendo", subraya su curador.


Menotti, Bilardo y el dictador Galtieri, dibujados con birome por Sergio Izquierdo Brown.

Un Charly García hippie -por Cascioli- indica la siguiente etapa con el primer número de revista Hurra que edita la Urraca; tras el éxito de cuando Humor pasa de vender 40 mil ejemplares a 140 mil en un año: tal apogeo es donde arranca la muestra. "Hay decisiones que podrían observarse incluso críticamente, como a Nine haciendo portadas de la revista infantil Humi; medio se debían julepear los niños, aunque genial quizá son un poco aterradoras", cuenta el curador. La revista Humi, también de Ediciones de la Urraca competía, en un registro muy diferente, con Billiken y Anteojito.


El Charly García "hippie" de Andrés Cascioli.

Explicael mismo Cascioli: "No quise centrarla toda en Humor, sino ‘A partir de Humor’ porque suceden otros fenómenos muy interesantes eso que no pasan con otras publicaciones también emblemáticas: siempre con los mismos equipos dibujando abarcó distintos géneros de revistas de publicación periódica; algo interesante de la muestra que los originales más exhibidos han sido los de Cascioli (alma máter de la publicación) pero justamente acá trato de mostrar algo no expuesto antes".

La muestra engloba creaciones de 35 artistas: María Alcobre, Patricia Breccia, Claire Bretécher, Maitena Burundarena, Max Cachimba, Andrés Cascioli, Ceo, Oscar Chichoni, Cilencio, Dany Duel, Fontanarrosa, Raúl Fortín, Carlos Garaycochea, Alfredo Grondona White, Petisuí, Néstor Ibañez, Sergio Izquierdo Brown, Carlos Killian, Sergio Langer, Lawry, Jorge Limura, Lizán, Eduardo Maicas, Jorge Meiji, Eduardo "Artó" Ojeda Ortiz, Daniel Paz, Peni, Miguel Rep, Tomás Sanz, Jorge Sanzol, Jeremías Sanyú, Luis "Fati" Scafati, Tabaré, Tacho y Viuti.


"Bosquivia", de Raúl Fortín.

Su enfoque es mostrar las otras producciones, las ilustraciones de artículos, las historietas publicadas. "En base a esa exhibición de dibujos creo que quizás logré demostrar la enormísima calidad artística de los artistas gráficos que colaboraron allí, los argentinos tenemos profesionales en la Argentina de enorme calidad, cantidad de artistas gráficos que han sido de avanzadas a nivel mundial, en cuanto a estilo, formas y concepciones", subraya Gutiérrez.

Esta publicación logró hacerlos convivir, eso es un fenómeno realmente notable, para su curador "es sorprendente la amplitud de formas, estilos, lenguajes e imaginarios tan contrapuestos incluso que no se ven en ninguna otra publicación. Fue un producto y su efecto está ahí además, cómo transforma a una cultura una sociedad y se convierte en algo superlativo, trasciende los sentidos de lo que puede ser cualquier producto que se vende y se compra. Son ese tipo de artistas formados en la academia editorial".

Algunas de las cosas más valiosas: "La recuperación de algunos artistas perdidos que nuevas generaciones no los conocen y quizás es difícil que los hayan olvidado aquellos que pudieron ver sus obras el tiempo que fueron publicadas porque la publicación periódica es un tema extraordinario, no son libros; se escribe de otra manera, es la inmediatez: recuperás el pasado cuando revisitás los diarios y las revistas de antaño", resalta.

El curador agrega: "Con esas tapas -sus 'máscaras', fundamentales para entender los mensajes e íconos históricos del presente, componen una iconografía para describir esa época- encuentra una fórmula en la que va a conformarse con un medio opositor al gobierno militar hasta convertirse en esa figura emblemática de resistencia e inclusive de ofensiva, contra que la convierte en una publicación exitosísima. El otro aspecto importante es que fue la última gran publicación periódica masiva de humor gráfico; luego de esa no hubo más basada en dibujos".


"Eustaquio", ilustrado por Tabaré con guión de Aquiles Fabregat.

Enmarcada entre las celebraciones extendidas por los 40 años del retorno democrático, lo central de la exhibición son los originales: pinturas, dibujos, materiales gráficos, obras de arte todos originales de artistas y acompañados por las revistas que integran la muestra son parte de su acervo, en perfecto estado de conservación. El archivo del Centro de Historieta y Humor Gráfico Argentino de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno tiene una colección de museo, de originales de arte con más de 60.000 dibujos, desde el año 2012, cuando comenzaron a reunir toda esa documentación.

"La puesta moviliza reflexiones: el fin de los originales, la última publicación periódica; es el fin de una era de comunicación, el fin de las publicaciones periódicas tal como las conocíamos -impresas, las gráficas; la materialidad, el papel-. Es un cambio muy grande, no sé si lo estamos mensurando pero ya estamos metidos ahí, sin terminar de entenderlo: un cambio total en las comunicaciones", concluye Gutiérrez.

Muestra: Nada se pierde, dibujantes de Humor.
Lugar: Biblioteca Nacional Mariano Moreno, Agüero 2502, CABA.
Horario: martes a domingo, 14:00 a 19:00.
Fecha: hasta el 31/6.
Entrada libre y gratuita.

(Fuente: Clarín / Wikipedia / otras)