Movimientos de la Historia del Arte: Acción

 1960

"Has de tratar al cuerpo, no como quien vive con él, que es necedad, ni como quien vive por él, que es delito, sino como quien no puede vivir sin él." Francisco de Quevedo

La performance es también un arte, claro. Pero es un arte imprevisible, efímero e intenso. Algo así como el siglo XX que la vio nacer.

Es actuar para buscar una reacción por parte del público, buscar el asombro o la provocación. La obra ya no es un objeto (algo que lo relaciona con el arte conceptual), ahora la obra es el sujeto.

Actuar, por supuesto, se lleva haciendo desde hace milenios. Fueron las vanguardias del siglo XX las primeras en acercarse al arte. Los futuristas, constructivistas, dadaístas y surrealistas hicieron exhibiciones como arte o para complementar su obra o sus propuestas.

Pero para encontrar el origen del término arte en acción hay que remontarse a los años 50 en el Black Mountain College de Carolina del Norte, donde el músico John Cage y el coreógrafo Merce Cunningham -entre otros- protagonizaron algunas de esas acciones que, más tarde, se llegarían a considerar como auténticos happenings.

Por cierto, un happening se diferencia de la performance en que carece de comienzo, ni medio, ni fin estructurados. Es una acción abierta y fluida. Una obra de arte improvisada. Sólo se da una vez y luego desaparece para siempre, siendo la más pura expresión del arte efímero.

Los happenings desencadenarían en las performances, que requieren la presencia tanto del artista como de espectadores para llevar a cabo sus obras (las principales corrientes: Fluxus, el Body Art, el Accionismo vienés). Estas acciones necesitan por lo general accesorios y un guion más o menos preciso, aunque desde luego la improvisación es casi necesaria. No se deja todo al azar en una performance, pero el caos está ahí siempre a la vuelta de la esquina.

Tanto el happening (acontecimiento, suceso) como la performance necesita la participación de los "espectadores" (que dejan de ser sujetos pasivos). El público participa en la obra, y eso es bastante revolucionario.

Obras representativas:

Gina Pane, Italia (1939–1990)

Azione sentimentale (Acción sentimental)

Marina Abramović, Serbia, 1946

The Artist Is Present (La artista está presente)

Félix González-Torres, Cuba (1957–1996)

Untitled (Go-Go Dancing Platform) Bailando en gayumbos    

Joseph Beuys, Alemania (1921–1986)

Wie man dem toten Hasen die Bilder erklärt (Como explicar arte a una liebre muerta)

Fettstuhl (Silla con grasa)

Chris Burden, Estados Unidos (1946–2015)

Shoot (Disparado en nombre del arte.)

Judy Chicago, Estados Unidos, 1939

The Dinner Party (Cena festiva)

Abel Azcona, España, 1988

(o La Pederastia)

(Fuente: Historia del Arte/Otros)

Movimientos de la Historia del Arte: Nouveau Réalisme

 1960-1970

El Nouveau Réalisme (nuevo realismo) se fundó en octubre de 1960 con una declaración conjunta de los artistas Yves Klein, Arman, Francois Dufrêne, Raymond Hains, Pierre Restany, Daniel Spoerri, Jean Tinguely y Jacques de la Villeglé. Después se le unirían más artistas.

Éstos declararon que se habían reunido sobre la base de una nueva conciencia de su "singularidad colectiva". Quizás se referían a una unión, a pesar de, o quizás debido a sus diferencias. Destaca en el grupo la enorme diversidad de su lenguaje plástico, pero sí podemos ver una base común en su trabajo: la apropiación directa de la realidad, o como dijo el nuevo realista Pierre Restany, "un reciclaje poético de lo urbano, industrial y publicidad de la realidad".

No se tiene muy en claro el sentido de este movimiento. Pues digamos para intentar definirlo que este grupo de franceses pre-mayo del 68 abogaron por una estética sociológica que pretende regresar al "realismo", ese que mostraba lo cotidiano sin ningún tipo de idealización, pero ahora, después de todas las guerras mundiales y en pleno establecimiento de las sociedades de consumo y las democracias liberales, adaptado a la nueva realidad urbana, con un nuevo lenguaje descriptivo no basado en la creación de una imagen apropiada, sino que en la presentación del objeto elegido por el artista.

En este sentido hay paralelismos claros con el Pop-Art, con el que convivió, pero mucho más Europeo. De hecho, mucho más francés, reflejando "el lado oscuro del capitalismo". El Pop mostraba el lado más brillante y luminoso.

Los miembros del grupo veían el mundo como una imagen, de la que ellos tomarían partes y las incorporarían a su obra. Buscaban unir lo más posible la vida y el arte y a veces presentaron sus obras de arte en París de manera anónima.

Tenemos desde carteles cinematográficos rasgados (decollages), a montañas de basura y escombros amontonados, pasando por lienzos monocromos.

Obras representativas

Niki de Saint Phalle, Francia (1930-2002)

Giardino dei Tarocchi (Jardín del Tarot).

Yves Klein, Francia (1928-1962)

Hiroshima (ANT 72).

Mimmo Rotella, Italia (1918-2006)

Casablanca (Collage).

Arman, Francia (1928-2005)

Poubelle des Halles (  Basura de Les Halles).

Hommage au cubisme (Homenaje al cubismo).

Lucio Fontana, Italia (1899-1968)

Concetto spaziale, Attese (Concepto espacial, espera).

(Fuente: Historia del Arte)

Movimientos de la Historia del Arte: Art Brut

 1945

"Claro que este arte está loco ¿Qué arte no es loco? Cuando no está loco no es arte" (Dubuffet).

El Art Brut es un término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por gentes ajenas al mundo artístico, sin una formación académica.

Según él, todos tenemos un potencial creativo que las normas sociales anulan. Es el caso del arte creado por locos, autodidactas, indadaptados, niños, ancianos.

Lo bello era lo contrario de todo lo vital y estimulante. «La belleza es pura secreción de la cultura como los cálculos lo son del riñón», decía Dubuffet. La cultura oficial era tan rígida que ahogaba la invención y estigmatiza como carente de valor todo lo que no entre dentro de sus excluyente límites.

El Art Brut consiste en la ausencia de formación artística, ignorancia de toda tradición cultural, reinvención de las etapas del acto creador, elaboración de la obra en el anonimato y en el desarrollo autárquico de las producciones.

Es por tanto un arte ecléctico, son casi obras «no encasillables», y se caracterizan como un rasgo común por su política de abstención en cuanto a toda operación comercial. El carácter no lucrativo es una regla esencial. A nivel estético abunda de todo, pero se prodrían apreciar características comunes con el expresionismo.

Se le llamó también Arte Marginal, fuera de los límites de la cultura oficial.

Echar un vistazo a la alucinante colección de Art Brut de Dubuffet en Lausanne.

Obras representativas

Jean Dubuffet, Francia (1901-1985)

Site habité d'objets (Sitio habitado por objetos).

Séraphine Louis, Francia, 1864-1942

L'arbre de vie (El árbol de la vida).

Miquel Barceló, España, 1957

Capilla del Santísimo.

Cabrit i cabrida (Macho cabrío y cabra).

August Natterer, Alemania (1868-1933)

My Eyes in the Time of Apparition (Mis ojos en tiempo de aparición).

Witch's head (cabeza de bruja).

Louis Soutter, Suiza (1871-1942)

Les lys et les vièrges folles (Lirios y vírgenes locas).

Louis Pons, Francia, 1927

Untitled (Sin título).

La fête du printemps (Festival de primavera).

David Lynch, Estados Unidos, 1945

Auge (Boom).

Diálogo durante un picnic (Dialog during a picnic).

Bill Traylor, Estados Unidos (1854-1949)

Untitled (Figures, Construction) (Sin título-Construcción de Fguras).

(Fuente: Historia del Arte / Wikiart)

Movimientos de la Historia del Arte: Expresionismo Abstracto

 1943-1965

"El artista moderno trabaja con el espacio y el tiempo, y expresa sus sentimientos en lugar de ilustrar" (Jackson Pollock).

El expresionismo abstracto fue ese movimiento pictórico dentro de la abstracción posterior a la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Tras estos horribles acontecimientos siguió un periodo de lógica incertidumbre y de cuestionamiento de la moral humana.

Esto da como resultado la proliferación de obras de arte que incluían formas de creación desgarradas en las que quedaba a un lado el goce estético tal y como se entendía hasta entonces. Un desencanto por lo colectivo dio como resultado obras muy personales.

Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense y se dice por ello que incluso fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra Fría. Estados Unidos (Nueva York en realidad) había sustituido a París como capital artística y los expresionistas abstractos cogieron el testigo de la vanguardia. El país, líder ahora del mundo libre, necesitaba un arte propio que liderara el arte occidental. Y qué mejor que un arte individual cuya principal característica es la libertad.

Los expresionistas abstractos fueron artistas fascinados por la soledad y el proceso. Individualistas, decidieron mostrar el carácter expresivo del arte investigando en búsquedas personales, más que colectivas. El artista desalentado por su contexto político y social se refugia ahora en su interior y abandona toda referencia externa. Se valora por tanto el gesto, una especie de huella dactilar del artista, porque es algo único de cada uno.

Se potencia también la materialidad del cuadro y convierten el proceso artístico casi en un rito religioso, siendo la pintura la prueba documental del mismo. La improvisación formaba parte de este trance casi místico, en el que el artista entraba en contacto directo con sí mismo. Este automatismo podría derivar del surrealismo, que aún estaba vivo en esos años.

Obras representativas

Jackson Pollock, Estados Unidos (1912-1956)

Convergence (Convergencia).

Helen Frankenthaler, Estados Unidos (1928-2011)

 Mountains and sea (Montañas y mar).

Janet Sobel, Ucrania, 1893-1968

Untitled (Sin título).

Miquel Barceló, España (1957)

Le Déluge (El diluvio).

José Guerrero, España (1914-1991)

Penitentes rojos.

Lee Krasner, Estados Unidos (1908-1984)

Prophecy (Profecía).

(Fuente: Historia del Arte)

Movimientos de la Historia del Arte: Surrealismo

1924–1966

"El hombre que no puede visualizar un caballo al galope sobre un tomate es un idiota" (André Breton).

André Breton fue el gurú del surrealismo. Poeta de vocación, se unió al dadaísmo, pero al perder fuelle este movimiento decidió que había que continuarlo mediante una base teórica sólida.

Breton había sido camillero en hospitales psiquiátricos durante la guerra, y ahí conoció tanto la obra de Sigmund Freud como conoció la extraña realidad oculta tras la locura.

Breton quería, con esa locura como herramienta, unir eso de Rimbaud de «cambiar la vida» con eso de Marx de «transformar el mundo». Nace así el surrealismo que según su líder «se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos y a sustituirlos en la resolución de los principales problemas de la vida».

En principio, esta vanguardia, aún viva hoy en día, quería incorporar los conceptos psicoanalíticos de Sigmund Freud a la mentalidad Dadá.

De Freud interesaba sobre todo su investigación sobre el importante papel del subconsciente en el comportamiento humano, y por tanto en su faceta creativa.

Por ello los surrealistas empezaron a dejar al subconsciente trabajar, ya fuera mediante escritura o pintura automática, por plasmar sueños, por regresar a la infancia, en definitiva por ser libre y espontáneo.

Acceder al subconsciente significaba mostrar pensamientos y deseos indecorosos, plasmar imágenes chocantes para exponer la depravación del ser humano, disfrazado de civilizado por la sociedad burguesa.

El surrealismo en el arte

En sus comienzos el surrealismo era un proyecto esencialmente literario, pero poco a poco fue infectando a las demás disciplinas artísticas (pintura, escultura, fotografía, cine).

Como eso del subconsciente es algo tremendamente personal, no hay un "estilo surrealista". Cada autor lo vivía a su manera, pero podemos distinguir en líneas generales dos formas de arte surrealista:

• Una automática, espontánea y fluída, con universos figurativos propios.
• Una naturalista, que muestra con figuración a veces hiperrealista el mundo de los sueños y el inconsciente.

El arte surrealista suele ser incongruente, onírico y muy original, en el sentido que el artista muestra su faceta más individual, aunque es curioso, pues el arte surrealista tiene algo universal, que todos podemos entender. Hasta los niños pueden captar si algo es surrealista o no.

Con el movimiento ya establecido en los años 30, y con los más extraordinarios artistas apoyándolo, Breton se convirtió en una especie de papa. Tan celoso era de la pureza de su teoría que realizaría purgas a todo aquel que cuestionara sus postulados.

Serían expulsados del movimiento figuras tan brillantes como Dalí o Artaud.

Obras representativas

René Magritte, Bélgica (1898–1967)

La Clef de Champs (La llave de los campos).

L'Homme au journal (Hombre con periódico).

L’empire des lumières (El imperio de la luz).

Óscar Domínguez, España (1906–1957)

Retrato de Roma.

Papillons perdus dans la montagne (Mariposas perdidas en la montaña).

Balthus, Francia (1908-2001)

La leçon de guitare (Lección de guitarra).

Hans Bellmer, Alemania (1902-1975)

Die puppe (Muñeca).

Roberto Matta, Chile (1911-2002)

Espejo de Cronos.

Georgia O’Keeffe, Estados Unidos (1887-1986)

Pelvis with Distance (Pelvis con distancia).

Salvador Dalí, España (1904-1989)

La miel es más dulce que la sangre.

Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar.

Remedios Varo, España (1908-1963)

Naturaleza Muerta Resucitando.

Maruja Mallo, España (1902-1995)

Naturaleza viva.

Alfonso Ponce de León, España (1906-1936)

Autorretrato.

Oscar Kokoschka, Austria, 1886-1980

Die Kokoschka-Puppe (Muñeca de Kokoschka).

Clovis Trouille, Francia (1889-1975)

Souvenir sans suite (Memoria discontinua).

Leonora Carrington, Reino Unido (1917-2011)

Autorretrato.

David Alfaro Siqueiros, México (1896-1974)

Muerte y funerales de Caín.

(Fuente: Historia del Arte / Concepto)