Movimientos de la Historia del Arte: Postmodernidad

1975 

Etimológicamente la postmodernidad (o postmodernismo) hace alusión al arte realizado después del modernismo, es decir, después de los años 60, contando el minimalismo como el último movimiento moderno.

Mientras la modernidad buscaba continuamente una forma universal de creación, los postmodernos no eran tan optimistas. Ya habían visto lo ocurrido con todos los movimientos anteriores, como caducaban. Ya habían visto fracasar a los grandes sistemas políticos e ideológicos. Habían visto como pasaban de moda y se marchitaban las grandes corrientes culturales.

El humano postmoderno se vuelve más individualista y menos idealista. Pasa de ideologías, el progreso ya no es un concepto a tener en cuenta. Sabe que al final ha triunfado el materialismo y el consumismo. Sabe que los medios mienten para que siga así. Sabe que somos una sociedad de masas formada por individuos ajenos a las preocupaciones y los problemas de la misma.

Es por ello que los postmodernistas no se mojan demasiado. Mientras que la modernidad tenía los límites muy precisos, la postmodernidad es difusa, borrosa. Carece de unos contornos definidos. Es ambigua, es falsa, es viperina y venenosa. Parece trivial, tonta, pero en su conjunto no lo es.

La postmodernidad se caracteriza por su cinismo, en el sentido de no creer demasiado en la sinceridad o bondad humana, ni en sus motivaciones ni en sus acciones, y expresa esta actitud mediante la ironía y la burla. Los postmodernos suelen presentar una astuta insolencia y una evidente distancia cínica.

La postmodernidad se caracteriza por su relativismo. No existen las verdades absolutas. Todo es relativo, no existe una verdad universal ni objetiva. Y eso implica desde el arte y las ideas que se tenían de belleza, hasta la moral, pues ahora no hay bien o mal absolutos, sino dependientes de circunstancias concretas.

La postmodernidad se caracteriza por ser juguetona. Son muy graciosillos los artistas postmodernos y siempre que pueden sacan a relucir su espíritu lúdico. Siempre que pueden nos enseñan su ironía mordaz. El sarcasmo es una de las principales herramientas postmodernas y lo usan para estimular la admiración o la aversión del espectador, porque da igual lo uno que lo otro. Sabían que todas las principales corrientes artísticas habían sido vapuleadas al principio.

La postmodernidad se caracteriza por ser subversiva. Los postmodernos se nutrieron de todo el arte anterior (o más bien de un "greatest hits" del arte anterior). Por ello su arte está repleto de referencias, no sólo al arte, sino a toda la cultura popular, que como ya demostró el Pop, era también digna de ser considerada arte. 

La postmodernidad es un collage de referencias. Y por supuesto, el espectador disfruta más del arte postmoderno si conoce las referencias. La postmodernidad recompensa el conocimiento. Recompensa que el espectador sepa deconstruir los elementos utilizados, sepa identificar sus fuentes. El artista postmoderno suele dejar pistas sobre sus referencias. Miguitas de pan. Un poco de trabajo para que el espectador no se duerma entre el sopor que puede llegar a ser el arte.

La postmodernidad implica la desaparición del objeto. Y la aparición del concepto. Esto lo emparenta directamente con el arte conceptual. Lo postmoderno suele ser un arte muy intelectual, aunque a veces nos haga reír, o produzca vergüenza ajena.

La postmodernidad se caracteriza por su superficialidad. Como no existe una respuesta única para nada (menos aún para el arte), todo merece consideración. Ya todo vale. Desaparece toda definición, y se funden significantes y significados. La superficie se convierte en lo único importante, aunque con ello se quiera dar un mensaje falso o contradictorio.

Evidentemente, a veces eso es precisamente lo que critica la postmodernidad.

La cultura de la modernidad líquida ya no tiene un populacho que ilustrar y ennoblecer, sino clientes que seducir.-Zygmunt Bauman

Obras representativas

Jamie Reid, Reino Unido (1947–2023)

God Save the Queen (Dios salve a la reina)

Now, come on, be reasonable. Take it.(Ahora, ven, sé razonable. Tómalo)

Cindy Sherman, Estados Unidos, 1959

History Portraits/Old Masters (Historia de Retratos/Viejos Maestros)

Jana Sterbak, República Checa, 1955

Vanitas: Flesh Dress for an Albino Anorectic (Vestido de carne)

Jenny Saville, Reino Unido, 1970

Strategy (South Face/Front Face/North Face -Estrategia (Cara Sur/Cara frontal/Cara Norte)

Barbara Kruger, Estados Unidos, 1945

Untitled (Your Body Is a Battleground)-Sin título (Tu cuerpo es un campo de batalla)

(Fuente: Historia del Arte)

Movimientos de la Historia del Arte: Hiperrealismo

 1965

"Un buen pintor ha de dar el paso de copiar las cosas a tratar de entenderlas. ¡Qué diferencia tan grande existe entre copiar lo más fielmente y entender qué es lo que es aquello!" 

Antonio López

El hiperrealismo (llamado realismo radical por algunos), y sus variantes: fotorrealismo, realismo conceptual, posminimalismo. Un arte basado casi exclusivamente en el virtuosismo nacido a finales de los años 60.

Debemos suponer que un arte que quiere copiar la realidad milímetro a milímetro, átomo a átomo, es un arte que busca explícitamente la objetividad radicalizada, aunque no deja de ser también explícitamente una representación: pintura, escultura o lo que sea que "maneje" tan bien el artista de turno.

Porque sí, los hiperrealistas pintan o esculpen muy bien. Dominan su oficio, y no podemos más que asombrarnos ante semejante dominio técnico.

Pero aparte de dominio técnico, el arte necesita otra cosa. Otra cosa más importante. Quizás lo realmente importante. Porque de otra manera, podríamos decir que el hiperrealismo no dista mucho de la taxidermia.

El arte hiperrealista busca algo imposible: la perfección, aunque lo haga sólo para mostrar perfectamente lo banal, siguiendo un poco lo que habían empezado años antes los Pop.

En el hiperrealismo no suele haber huellas de pinceladas, se elimina toda materia. Se elimina incluso toda emoción o sentimiento. Con ello asumimos que se quiere parecer a la quizás mucho menos realista fotografía.

Obras representativas:

Mary Pratt, Canada, 1935–2018

Smears of Jam, Lights of Jelly (Manchas de mermelada, luces de gelatina)-Óleo

Eggs In An Egg Crate (Huevos en huevera) Öleo

Charles Bell, Estados Unidos, 1935–1995

Thunder Smash (Trueno aplastante) Óleo

Ron Mueck, Australia, 1958

Woman with sticks (Mujer con ramas)-Escultura

Mask II (Autorretrato hiperrealista de Mueck dormido a una escala gigante)-Escultura

Antonio López, España, 1936

María (Retrato inacabado) Lápiz.

                                                                                                                                                                 

    Lavabo y espejo-Óleo

Daniel Firman, Francia 1966

M-A/C-L-Los obstáculos de la moda actual.-Escultura

(Fuente: Historia del Arte)

Movimientos de la Historia del Arte: Minimalismo

 1960–1970

Frías, sólidas, lacónicas, austeras, así son las esculturas minimalistas.

Volúmenes creados en materiales industriales que aparecen en una exposición, insondables, dominando de forma extraña el espacio, como el monolito de "2001: Una odisea en el espacio".

El término "minimal" fue utilizado por primera vez por Richard Wollheim en 1965 para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros objetos de muy alto contenido intelectual pero de bajo contenido de manufactura.

El minimalismo deja fuera toda emoción. Es pura contemplación intelectual y objetiva, algo que llama la atención teniendo en cuenta el contexto político y social de cuando nacen en los años 60.

El minimalismo es, por así decirlo, como una performance. De alguna manera somo nosotros los espectadores los que hacemos la obra. Esto lo explican los propios artistas minimalistas al afirmar que estas esculturas sólo funcionan con público. Si no hay nadie, quedan desactivadas.

El minimalismo se basa en influir en el espacio que lo rodea y sobre todo, influir en quien está en este espacio.

Esta característica es propia de la escultura, sin embargo los minimalistas utilizaron con mucho cuidado la palabra "escultura". No querían saber nada del ilusionismo que conlleva el concepto, pues la escultura es, ni más ni menos, transformar una materia prima para convertirla en otra cosa. El material es clave para esta gente, mostrar simple y llanamente "el objeto".

Son obras rigurosas, muy precisas, como materiales industriales. El artista minimal no esculpe, no suda, no le salen callos en las manos de tallar material. El artista minimal presenta su "propuesta" y es otro quien hace la pieza final. Incluso eliminan todo rastro de su huella, de autoría.

El minimalismo es, como toda forma de arte, un intento de poner un poco de orden en un mundo caótico.

Es el último movimiento de la modernidad. Después de ellos, llegaría la posmodernidad.

Obras representativas:

Carl André, Estados Unidos (1935–2024)

Magnesium Copper Plain (Plano magnesio cobre)

Yayoi Kusama, Japón 1930

Obliteration room (Puntos suspensivos)

Ad Reinhardt, Estados Unidos (1913–1967)

Untitled (Sin título)

Untitled (Sin título)

Frank Stella, Estados Unidos, 1936

Gran Cairo

The Marriage of Reason and Squalor (El matrimonio de la razón y la miseria)

Carmen Herrera, Cuba (1915–2022)

Black and Yellow (Negro y amarillo)

Yesterday (Ayer)

 (Fuente: Historia del Arte/Wikiart)

Movimientos de la Historia del Arte: Arte conceptual

 1960

"La única pretensión del arte es el arte mismo. El arte es la definición del arte". Kosuth

La idea es lo importante. Esa es la base del arte conceptual.

Entonces el arte conceptual existe desde hace siglos. Todas las obras de arte, incluso las más decorativas, tienen tras de sí una idea. Ahí tenemos la obra de Velázquez o de Miguel Ángel.

Pero hay que ser conscientes de que a partir del siglo XIX, corrientes como el impresionismo renunciaron a la idea y se centraron en lo expresivo o lo formal. De hecho, buena parte del arte posterior se caracterizó por ser muy formalista. Sólo hay que fijarse en el siglo XX, tan experimental en la forma.

La cosa llegó a un punto decadente con el expresionismo abstracto. Todo era forma y nada de contenido. Por eso los jóvenes artistas de los años 60 deciden superar esa característica fundamental del arte: ser un objeto.

Aparecen artistas en Estados Unidos, por supuesto (en ese lugar sí que saben vender un producto), pero también en Asia y Sudamérica, y por supuesto en la vieja Europa, pues en Francia e Italia algo sabían de arte. Diferentes lugares y diferentes contextos, pero curiosamente en todos ellos va naciendo un tipo de arte que elimina toda referencia al objeto, y se centra en la idea o concepto como el aspecto más importante de la obra.

Nace así el Arte Conceptual como movimiento artístico, donde la ejecución es algo superficial. Lo realmente importante es la planificación y las decisiones que se toman de antemano. A veces la obra de arte conceptual es el boceto y no la obra final. Y en los años 60, eso causó una conmoción al contemplar las posibilidades de este arte para transmitir una idea política o social.

Pero evidentemente el arte conceptual ya existía. 

Y esa es una de la principales características del arte conceptual: No tiene que ser precisamente bonito. Tiene que transmitir su idea.

Para transmitir una idea los artistas se pueden valer de muchas cosas, desde las técnicas tradicionales, hasta otras como el texto, la fotografía, el video o la performance. A veces ni eso. A veces la obra es un telegrama, un manual de instrucciones, una conversación o una lata. 

Por supuesto este arte requiere una mayor atención por parte del espectador, incluso su participación activa.

El arte conceptual es bueno solo si la idea es buena. Sol LeWitt

Obras representativas:

Oliver Jeffers, Irlanda, 1977

Before and After, No. 2 (Antes y después, No. 2)

Doris Salcedo, Colombia, 1958

Untitled (Sin título)

Yayoi Kusama, Japón, 1930

Narcissus Garden (Jardín de narcisos)

Charles Ray, Estados Unidos, 1953

 Plank piece I and II (Tablón 1 y 2)

Yoko Ono, Japón, 1933

White chess set (Juego de ajedrez blanco)

Félix González-Torres, Cuba, 1957–1996

Untitled (Perfect lovers)

Ana Mendieta, Estados Unidos, 1948–1985

Untitled (Blood Sign #2/Body Tracks)Sin título (Señal de sangre n.º 2/Huellas del cuerpo)

(Fuente: Historia del Arte)

Movimientos de la Historia del Arte: Realismo Social

 1929–1955

Si lo pensamos bien, todo el realismo es social. El nacimiento mismo del movimiento realista francés en el siglo XIX es debido a factores más sociales que estéticos.

Sin embargo, el realismo social es puro siglo XX. Realismo social es una expresión utilizada a una corriente con el propósito de expandir y hacer énfasis a problemas sociales, designando muy diferentes conceptos en la historia del arte y de la literatura, mediante la asociación de los términos "realismo" y "social", especialmente la denominada "cuestión social" (la situación de los más desfavorecidos);

Paralelamente, nace en los Estados Unidos un Nuevo realismo igualmente social, pero mucho más poético y evocador, menos reivindicativo en apariencia. El realismo social carga mucho más las tintas en los temas políticos y sociales, y además no tenían fronteras. Como la izquierda, es un movimiento internacional. Y por ello su arte debe ser universal. En todos los países hay problemas, y el realismo social quiso expandir la conciencia de clase y el conocimiento de los problemas sociales de la gente.

No se trata de mostrar la realidad, se trata de denunciarla. Los artistas de este movimiento estaban mayoritariamente vinculados a la izquierda, sino eran directamente militantes.

Realismo Socialista

Por otro lado, tenemos el Realismo Socialista, una variante del realismo social, pero depurado de toda crítica. Aquí la denuncia no va precisamente dirigida a los gobernantes.

El Realismo Socialista acabó por ser un arte propagandístico, el arte oficial de la Unión Soviética y otros regímenes socialistas. Es un arte estalinista, que busca la exaltación política y por ello se convierte en un arte institucionalizado y académico.

Obras representativas

Dmitri Zhilinsky, Rusia (1927–2015)

Гимнасты СССР (Gimnastas de la URSS)

СЕМЬЯ У МОРЯ (El el mar. Familia)

Diego Rivera, México, 1886–1957

Las manos del doctor Moore

                                  

                                    

Carnaval de la vida mexicana (Mural)

Aleksandr Deineka, Rusia (1899–1969)

Сбитый ас (El derribo de un As)

Albert Janesch, Austria (1889–1973)

Wassersport (Deportes acuáticos)

(Fuente: Historia del Arte/WikiArt)

Movimientos de la Historia del Arte: Nuevo Realismo

 1929

"Mi objetivo en la pintura ha sido siempre la transcripción más exacta posible de mi impresión de lo más íntimo de la naturaleza. Si pudieras resumirlo en palabras, no habría ninguna razón para pintar" (Hopper).

Fue el realismo norteamericano del siglo XX, una pintura figurativa que pretende ser realista y eficaz en su mensaje social.

El movimiento tiene sus raíces en el realismo del siglo anterior, pero los tiempos habían cambiado. Estamos hablando del siglo XX nada menos, con sus nuevas y variadas formas de arte, nuevos inventos, nuevas ciudades, nuevos paisajes, en definitiva una nueva sociedad.

Estados Unidos había experimentado enormes cambios y a través de la expresión artística (no sólo la pintura, también la literatura y la música), se intentó retratar el agotamiento y la exuberancia cultural del paisaje figurativo estadounidense. Este realismo quiere ensalzar (o quizás criticar o exponer) a la sociedad americana y su progreso tecnológico e industrial, y lo hace con cierta poética.

Podemos hablar en algunos casos de "regionalismo" al mostrar la América profunda, hasta ahora ignorada en la historia del arte.

El Nuevo Realismo Americano muestra el paisaje americano, rural o urbano, y lo hace de forma realista. Tan realista a veces, que parece surrealista, o expresionista. Y de pronto, en los Estados Unidos las obras realistas intentaron definir lo que era real.

Obras representativas

Edward Hopper, Estados Unidos (1882-1967)

Boy and Moon (Niño y luna).

 Soir Bleu (Noche azul).

Eleven A.M. (11 de la mañana).

Compartment C, Car 293 (Compartimento C, Coche 293).

John Falter, Estados Unidos (1910-1982)

Date with the Television (Cita con la televisión).

Sylvia Sleigh, Reino Unido (1916-2010)

 The Turkish Bath (El baño turco).

Ivan Albright, Estados Unidos (1897-1983)

Platter under Georgia Fish (Plato bajo pescados de Georgia).

Norman Rockwell, Estados Unidos (1894-1978)

Before and After (Antes y después).

 The Tattoo Artist (El tatuador).

Young Lady With The Shiner (La chica del ojo morado).

(Fuente: Historia del Arte)

Movimientos de la Historia del Arte: Pop-Art

1955-1980

"Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener pero que él, por alguna razón, piensa que sería buena idea darles" (Andy Warhol)

Aunque lo pueda parecer, el Pop Art (o Arte Pop), no es un  movimiento en el que los artistas se ponen a crear obra fáciles para un público lento. Si lo pensamos, es más bien un arte muy político, y muy consciente de la realidad de nuestra sociedad de consumo. Otra cosa es que nos guste o no esa sociedad.

Los artistas pop, en realidad, documentan lo que ven a su alrededor, con sus luces y sus sombras. Es, ni más ni menos, la manifestación plástica de una cultura que se caracteriza por varios factores como son el consumo vertiginoso, la tecnología, el ocio, las modas, la democracia. Todo fabricado, empaquetado y listo para venderse.

El arte, más que nada, es otro producto, y para un mayor rendimiento se puede producir en serie.

Nuestra cultura es superficial, es inexpresiva e impersonal. Es repetitiva y saturante. Es casi una religión con sus iconos (logotipos publicitarios), sus santos (celebridades) y sus liturgias (consumir) que nos anestesian para olvidar los problemas graves que nos acechan.

Llegados a este punto, el arte ya no imita la vida, sino que es la vida que imita el arte.

Es toda una revolución artística.

Obras representativas

J. Howard Miller, Estados Unidos (1898-1985)

We Can Do It! (Cartel para la Westinghouse Electric & Manufacturing Company).

Fabio McNamara, España, 1957

Franco Rojo Comunista.

John Brack, Australia (1920–-1999)

Collins St., 5 pm.

Andy Warhol, Estados Unidos, 1928-1987

Campbell's Soup Cans (Latas de Sopa Campbell).

El plátano de Warhol (Portada The Velvet Underground & Nico-1967).

Tom Wesselmann, Estados Unidos (1931-2004)

Cut-Out Nude Study (Desnudo recortado).

 Smoker 1 (mouth 12) (Fumadora 1, boca, 12).

Nadín Ospina, Colombia 1960

Ídolo con calavera.

(Fuente: Historia del Arte)