viernes, 28 de febrero de 2025

Para leer el fin de semana: lo nuevo de Ildefonso Falcones, la cultura bajo el nazismo y cómo concentrarnos

Una selección de libros ideales para comenzar el descanso a pura lectura y aprovechar el precio. No hace falta ningún dispositivo en especial: se abren en cualquier teléfono, ordenador o tablet. 


Elegir el libro indicado puede transformar la experiencia de lectura en un viaje inolvidable. Algunas historias no sólo atrapan, sino que dejan una huella profunda, ya sea por su carga emocional, su precisión histórica o su capacidad de desafiar la mente. Entre tantas opciones, hay títulos que se destacan por su impacto y originalidad, convirtiéndose en lecturas imprescindibles.

Ildefonso Falcones, maestro de la novela histórica, regresa con "En el amor y en la guerra", la tercera parte de saga "La catedral del mar", donde la lealtad y la traición se cruzan en la Barcelona del siglo XV. Michael H. Kater, historiador de prestigio internacional, analiza en "La cultura en la Alemania nazi" cómo el régimen hitleriano utilizó el arte como arma de propaganda y dominación, mientras que Félix Torán Martí, experto en desarrollo personal, propone en "La mente enfocada" un método para entrenar la concentración y potenciar el rendimiento.


• En el amor y en la guerra, de Ildefonso Falcones

Ildefonso Falcones regresa con la tercera entrega de la saga que conquistó a más de 11 millones de lectores en todo el mundo con "La catedral del mar" y "Los herederos de la tierra". Ambientada en la Barcelona del siglo XV y la corte aragonesa en plena expansión, la novela sigue a Arnau Estanyol, nieto del legendario protagonista, quien combate en la conquista de Nápoles sin imaginar que en su hogar se gesta una tragedia que lo marcará para siempre.

Entre la lealtad y la venganza, entre el amor y la guerra, Falcones teje una historia épica donde la lucha por la justicia y la supervivencia se convierte en el motor de sus inolvidables personajes.

Con una ambientación deslumbrante y un rigor histórico impecable, Falcones transporta al lector a una Europa en transformación, donde la caída del oscurantismo medieval abre paso al esplendor del Renacimiento. Es una novela de batallas, traiciones y pasiones prohibidas que captura la esencia de una época de cambios y confirma a Falcones como uno de los grandes maestros de la ficción histórica.

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• La cultura en la Alemania nazi, de Michael H. Kater

En 1930, antes de que Hitler llegara al poder, los nazis iniciaron una purga cultural en Alemania. Prohibieron el jazz, el teatro expresionista y el arte de vanguardia, censuraron la prensa y moldearon el cine y la literatura para convertirlos en herramientas de propaganda. Con la llegada del régimen, la cultura quedó bajo el control del Estado, que impuso una estética totalitaria al servicio de su ideología, mientras artistas e intelectuales enfrentaban la censura, el exilio o la represión.

En "La cultura en la Alemania nazi", el profesor emérito de la Universidad de York en Toronto, reconocido internacionalmente como uno de los mejores especialistas en historia contemporánea de Alemania, sobre todo del nacionalsocialismo y del Tercer Reich, Michael H. Kater reconstruye con rigor cómo el nacionalsocialismo desmanteló el pluralismo artístico e intelectual para imponer su visión del mundo.

A través de documentos, testimonios y archivos oficiales, analiza la competencia feroz entre los jerarcas nazis por dominar la producción cultural, el papel del arte en la expansión del Reich y los desafíos de la reconstrucción tras 1945. Un relato imprescindible sobre la relación entre poder y cultura en una de las épocas más oscuras del siglo XX.

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• La mente enfocada, de Félix Torán Martí

Nuestra mente puede ser nuestra mejor aliada o nuestro mayor obstáculo. En "La mente enfocada", Félix Torán Martí, experto en desarrollo personal y autor del best seller "La respuesta del Universo", revela cómo entrenar la concentración para potenciar el rendimiento, reducir el estrés y alcanzar objetivos con mayor claridad. Con un enfoque práctico y accesible, este libro muestra que el secreto del éxito no es hacer más, sino enfocar mejor.

A través de técnicas basadas en la respiración, los sonidos, los mantras y la visualización, el autor brinda herramientas para aplicar en la vida cotidiana: estudiar con mayor eficacia, mejorar la memoria, hablar en público sin miedo o lograr un descanso profundo. Pequeños cambios en la manera de pensar pueden generar transformaciones extraordinarias.

"La mente enfocada" propone un camino concreto para desarrollar el poder de la atención y usarlo a favor del bienestar, la productividad y el crecimiento personal. Porque una mente que sabe concentrarse es una mente imparable.

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(Fuente: Infobae)

Pantallas y miopía: una relación peligrosa para la salud visual

Según un estudio, las personas que están más de una hora por día frente a las pantallas tienen un 21 por ciento más de posibilidades de desarrollar este problema ocular.

(Foto: Federación de Asociaciones de Distrofias Hereditarias de la Retina).

En los últimos años se volvió cada vez más frecuente encontrar a personas que usan anteojos y que tienen miopía. Un metaestudio reciente, que revisó e incluyó 45 resultados de otros artículos, reveló que las posibilidades de desarrollar miopía aumentan un 21 por ciento si se supera la hora diaria de exposición a las pantallas. Incluso, los riesgos crecen significativamente si se está frente a una pantalla entre una y cuatro horas, y a partir de entonces el incremento es gradual.

Para llegar a esta conclusión, el equipo científico coreano investigó la asociación entre la exposición a dispositivos digitales, como los smartphones, las tablets, las consolas de juegos, las computadoras o la televisión, y la miopía incidente y su tasa de progresión. Los análisis se realizaron en personas de entre dos y diecinueve años.

El director de Centro de Ojos de Quilmes, Roberto Albertazzi, explica: "La miopía es un error de refracción que hace que la visión sea borrosa. Lo que hace es acortar el punto próximo de acomodación, es decir, la distancia a la que el ojo utiliza la máxima acomodación y mantiene una imagen nítida. El inadecuado funcionamiento de este mecanismo lleva a la enfermedad miopía".

Los datos que arroja el estudio se suman a otros que ya han despertado las alarmas de los organismos de salud y los profesionales. Por ejemplo, el Instituto Internacional de Miopía calculó que el 30 por ciento de la población mundial sufría este problema visual en 2020 y se espera que llegue a la mitad de la población para 2050.

Carlos Kotlik, jefe del servicio de Oftalmología del Hospital Notti de Mendoza, apunta ante la Agencia: "Es importante remarcar las zonas que son estudiadas en estos trabajos. Hay lugares del mundo donde la miopía no avanzó tanto, pero hay otros como la parte oriental que sí. Por ejemplo, en Corea, China, Japón o Singapur, los niños estudian en las escuelas desde pantallas digitales, lo que hace que el ojo se vea afectado. Ahora bien, este no es el único factor que hace a una miopía".

Una visión a medias

En este sentido, María Angélica Moussalli, oftalmóloga del Hospital Italiano de Buenos Aires, explica: "La exposición a pantallas no es el único motivo. También este problema ocular puede ser hereditario, congénito o, incluso, puede ser axial, es decir que el globo ocular es más largo de lo normal".

Y continúa: "Justamente, la miopía axial está relacionada con el uso de pantallas a muy temprana edad. A muchos niños se los expone a un teléfono o tablet antes de los cinco años que es la etapa crucial del desarrollo del ojo. Para darnos una idea, un bebé no puede ver su mano si no se la pone en frente porque aún no desarrolló su vista. Si nosotros le damos una pantalla, le estamos pidiendo al ojo que se esfuerce y focalice en algo cuando aún no tiene la capacidad de hacerlo".

En diálogo con estas voces, Albertazzi define que la exposición a las pantallas funciona distinto en los ojos en desarrollo que los ya desarrollados. "Antes de los veinte años, la visión es mucho más lábil debido a la modificación que sufre por diferentes tipos de estímulos. La acomodación prolongada, es decir la condición que impide relajar los ojos, es un estímulo que provoca miopía y, si el ojo se está desarrollando, cuanto más estímulos tenga, más va a sufrir este problema ocular", manifiesta.

En este marco, aporta que el aumento de la miopía en las personas viene acompañado de un inicio más temprano, una progresión más rápida y una mayor gravedad. De hecho, indican que esto está acompañado de otras enfermedades que amenazan la visión, como la degeneración macular, el desprendimiento de retina y el glaucoma.

¿En camino a una sociedad miope?

La doctora Moussalli recomienda que lo ideal es que no se exponga a las pantallas a las infancias hasta los tres años; y de ahí hasta los cinco años que el uso sea hasta 20 minutos o una hora en caso que sea necesario. "A partir de los cinco años, hay que entender que la exposición ideal a pantallas es de veinte minutos, seguidos de otros veinte segundos de descanso. Lo máximo por día debería ser dos horas", dice.

Por su parte, Kotlik agrega: "El gran problema también es la falta de luz. Necesitamos que las personas vuelvan a salir a la calle, a un parque, al aire libre, y dejen de estar en lugares encerrados con una pantalla. Esto permite que el ojo vea más allá". Además, el profesional agrega que otro modo para hacer que la visión descanse es utilizar la pantalla en blanco y negro.

(Fuente: Agencia de Noticias CIentíficas)

La Temporada 2025 del Complejo Teatral de Buenos Aires tendrá relevantes estrenos y grandes figuras

Se destacan "Ricardo III" de Shakespeare, "La gaviota" de Chéjov en versión de Rubén Szuchmacher y "Sansón de las islas" con Luciano Castro. Habrá un homenaje a Ana María Stekelman y nuevas coreografías en tributo al bandoneonista Eduardo Rovira.

 

El Complejo Teatral de Buenos Aires presentó su programación 2025 en la sala Casacuberta del Teatro San Martín (Foto: Manuel Posse Varela / prensa CTBA / Carlos Furman).

La Sala Casacuberta del Teatro San Martín se convirtió en el epicentro de la cultura porteña con la presentación de la Temporada 2025 del Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA). El acto fue presidido por el Jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Jorge Macri, la ministra de Cultura, Gabriela Ricardes, y el Director General del CTBA, Alberto Ligaluppi. También estuvieron presentes intérpretes que formarán parte de las producciones de la nueva temporada, entre ellos, Joaquín Furriel, Gabriel Goity, Eleonora Wexler, Paola Krum, Muriel Santa Ana, Arturo Puig, Ana María Cores, Los Macocos y Mariana Genesio.

Presentará grandes estrenos, entre ellos "Ricardo III", de William Shakespeare, protagonizado por Joaquín Furriel y dirigido por el reconocido director catalán Calixto Bieito, célebre por su audaz interpretación de los clásicos y su impacto en la escena teatral europea.

También se estrenará una nueva versión de "La gaviota", de Antón Chéjov, con Muriel Santa Ana bajo la dirección de Rubén Szuchmacher, y "Sansón de las islas", de Gonzalo Demaría, con Luciano Castro en el rol principal de la historia de un luchador de catch retirado que, en plena Guerra de Malvinas, es obligado a reaparecer en un programa televisivo para levantar la moral del país.

La danza tendrá un lugar destacado con un homenaje a Ana María Stekelman, figura clave en la historia del género en Argentina, y nuevas coreografías del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín en tributo al bandoneonista de vanguardia Eduardo Rovira.

La ministra de Cultura de C.A.B.A. Gabriela Ricardes y el director del CTBA, Alberto Ligaluppi, durante la presentación de la temporada 2025 del Complejo Teatral de Buenos Aires (Foto: Manuel Posse Varela / prensa CTBA / Carlos Furman).

El teatro como inversión y motor cultural

Durante la presentación, el jefe de gobierno Jorge Macri destacó el orgullo que representa el CTBA a nivel global y enfatizó en la importancia de apoyar la cultura "como una inversión y no como un gasto. Pocas ciudades tienen una oferta cultural como la nuestra. Apoyar el arte y la cultura es fundamental, porque una obra de teatro, una música o una danza transforman a las personas", expresó.

Por su parte, la ministra Gabriela Ricardes subrayó el carácter vibrante de la escena teatral porteña y su impacto en la generación de empleo. "Nuestra misión es poner al ciudadano en el centro de la escena y diseñar una temporada que pueda alcanzar a la mayor cantidad de audiencias posibles", afirmó. Además, mencionó el éxito de producciones previas que han trascendido sus salas originales, como "Cyrano", protagonizada por Gabriel Goity, que luego de su estreno en Buenos Aires realizó una exitosa temporada en Mar del Plata.

Finalmente, el director del Complejo, Alberto Ligaluppi, detalló la programación 2025, resaltando la importancia de las giras internacionales del CTBA. Ejemplo de ello es la reciente visita del Ballet Contemporáneo al Teatro Mayor de Bogotá y el éxito de "La gran ilusión en Madrid", con dirección del catalán Lluís Pasqual y un elenco de actores argentinos, que agotó todas sus funciones.

Joaquín Furriel protagonizará "Ricardo III", de Shakespeare, bajo la dirección del español Calixto Bieito (Foto: Manuel Posse Varela / prensa CTBA / Carlos Furman).

Estrenos destacados de la temporada 2025

Dentro de la programación del para este año sobresale "Ricardo III", de William Shakespeare, en una versión dirigida por el director español Calixto Bieito y protagonizada por Joaquín Furriel, que luego de su paso por Buenos Aires se presentará en el centro de artes escénicas Teatros del Canal de Madrid. Otros estrenos incluyen: "La gaviota", de Antón Chéjov, con Muriel Santa Ana en el rol principal y dirección de Rubén Szuchmacher, y "Sansón de las islas", una pieza sobre la Guerra de Malvinas escrita por Gonzalo Demaría -actual director del Teatro Nacional Cervantes- y dirigida por Emiliano Dionisi, con Luciano Castro como protagonista.

Otros estrenos anunciados son "El suelo que sostiene a Hande", basada en la historia de la activista transexual Hande Kader, dirigida por Corina Fiorillo, en el Teatro Regio, "Los pilares de la sociedad", de Henrik Ibsen, con Eleonora Wexler y Martín Seefeld, en el Teatro Alvear y "Baco polaco", de Mauricio Kartun, en el Teatro Sarmiento.

El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín también tendrá estrenos, como una coreografía en homenaje al vanguardista bandoneonista y compositor de tangos Eduardo Rovira y "Cromático", de Elizabeth de Chapeaurouge. Asimismo, se anticipa un gran homenaje a Ana María Stekelman, figura clave en la danza contemporánea argentina. En cuanto al Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín, se presentarán nuevas adaptaciones de textos de Ray Bradbury y María Elena Walsh, entre otros.

(Fuente: Infobae)

Una breve guía para empezar a entender el "universo cripto" y no perderse en el intento

Especialistas de la Universidad Nacional de Quilmes y el Conicet realizan un repaso de los conceptos más importantes para entender un fenómeno que, si bien no es nuevo, está en boca de muchísima gente debido a acontecimientos recientes en Argentina y otras partes del mundo.

(Foto: Shutterstock).

• Criptomonedas

Por Juan Santarcángelo, director del Doctorado en Desarrollo Económico de la UNQ.

Son medios digitales de intercambio que funcionan como dinero y que se almacenan en billeteras digitales. A diferencia del dólar, el euro o cualquier otra moneda tradicional física controlada por un banco o un gobierno, las criptomonedas no existen físicamente, sino que son archivos digitales protegidos por criptografía (herramienta utilizada para codificar y cuidar la información) y funcionan en una red descentralizada llamada blockchain. Las criptomonedas, sumamente volátiles, pueden ser usadas para pagos, inversiones y/o financiamiento descentralizado.

• Blockchain

Por José Fernández Alonso, investigador del Conicet y Dr. en Relaciones Internacionales (UNR).

Conocida también como cadena de bloques, se refiere a una tecnología de registro de datos digitales entre pares llevado adelante a través de una red distribuida de computadoras, sin requerir una autoridad central ni terceras partes que operen como intermediarios. En términos simplificados, esta tecnología remite a un libro contable público y electrónico cuyos asientos son verificados y asentados en “bloques” por las diferentes partes que integran la red, valiéndose para ello de herramientas criptográficas.

Tales bloques de información se desarrollan a partir del "encadenamiento" de los datos críticos correspondientes a las diferentes transacciones a verificar y asentar: hora, monto, billetera de origen y destino de los activos, entre otros. Toda esta información encriptada va almacenándose en forma cronológica, sin posibilidad de ser alterada.

• Trading

Por Fabián Britto, coordinador general del Observatorio de Innovación y Transferencia Tecnológica de la UNQ.

Es la compra y venta de activos financieros con el objetivo de obtener beneficios en períodos de tiempo relativamente cortos, aprovechando las fluctuaciones de precios. En el caso de las criptomonedas, el trading presenta diferencias importantes frente a los mercados tradicionales porque funcionan las 24 horas, tienen variaciones diarias que pueden superar el 10 por ciento, tienen menor regulación y mayor accesibilidad global.

Mientras que los activos tradicionales como acciones o bonos suelen respaldarse por empresas o gobiernos con valor tangible, el valor de las criptomonedas depende en gran medida de la adopción y confianza del mercado. Esta característica, junto a su alta liquidez y baja barrera de entrada, atrae a traders que buscan oportunidades en mercados emergentes, aunque con riesgos proporcionalmente mayores debido a su naturaleza más especulativa y volátil.

• Memecoin

Por Juan Padín, investigador del Centro de Estudios sobre Desarrollo, Innovación y Economía Política de la UNQ.

Es una criptomoneda inspirada en un meme, un activo digital basado en una imagen que usualmente se presenta como caricaturesca o tiene un fin humorístico, y que se difunde a través de distintas redes sociales. A diferencia de las criptomonedas consolidadas, las monedas memes se caracterizan por su bajo valor, escasa liquidez y elevada volatilidad. Aunque su creación se asocie a una broma y su utilidad como moneda mayormente resulte nula, algunas monedas meme sí logran cierta liquidez y una comunidad de inversores que la respalde.

Las "memecoins" suelen contar con un activo marketing en redes sociales. En aquellos casos en los que esa estrategia es exitosa, las chances de que se produzca una estafa se elevan, en tanto el incremento de la demanda del público dispara los precios, que luego se pueden hundir precipitadamente ante ventas masivas o el retiro de inversionistas.

• Mining (Minado)

Por Pedro Nencini, investigador en el área de Economía del Desarrollo en la UNQ.

Es un proceso mediante el cual se verifican transacciones y se agregan nuevos bloques a una blockchain. En el caso de Bitcoin y otras criptomonedas que usan Proof of Work, un método para proteger su red y datos de blockchain, los mineros utilizan poder computacional para resolver problemas criptográficos y recibir recompensas en forma de nuevas monedas emitidas y comisiones de transacción.

• Wallet (Billetera)

Por Hernán Vizzolini, doctorando en Desarrollo Económico de la UNQ.

Es un monedero digital donde los usuarios almacenan y gestionan sus criptomonedas. Puede ser de tipo caliente (conectado a internet) o frío (sin conexión). Las wallets permiten realizar transacciones, firmar contratos inteligentes y gestionar activos digitales con claves privadas seguras.

• Swapear

Por Patricia Gutti, secretaria de Investigación de la UNQ.

Es la acción de intercambiar una criptomoneda por otra sin necesidad de convertirla a una moneda legitimada por una autoridad gubernamental. Este proceso se realiza comúnmente en plataformas de intercambio descentralizadas a través de contratos inteligentes. Swapear facilita la liquidez y permite a los usuarios acceder a diferentes activos digitales sin pasar por intermediarios tradicionales.

• Token y NFT (Token No Fungible)

Por Fernando Peirano, docente e investigador de la UNQ. Expresidente de la Agencia I+D+i.

El token es una representación digital de un activo en una blockchain, que puede tener diferentes funciones como representar propiedad, acceso a servicios o gobernanza dentro de un ecosistema descentralizado. Existen tokens de utilidad, de seguridad y NFT, dependiendo de su uso dentro de la red. Específicamente, el NFT es un activo digital único registrado en blockchain que representa propiedad sobre un objeto digital o físico. Se usa en arte, música, videojuegos y otros sectores para demostrar autenticidad y escasez. Cabe destacar que, si bien se pueden comprar y vender, no se pueden intercambiar ni duplicar.

• Blacklist (Lista negra)

Por Pedro Nencini.

Es una lista de direcciones de criptomonedas o entidades bloqueadas por razones de seguridad, fraude o cumplimiento regulatorio. Las blacklist pueden ser prohibidas por las entidades financieras o las plataformas digitales que permiten comprar, vender e intercambiar criptomonedas, debido a su relación con actividades ilícitas. En muchos casos, las direcciones incluidas en las blacklist se rastrean a través de herramientas de análisis blockchain para evitar que participen en transacciones legítimas.

• CoinX

Por Hernán Vizzolini.

Fue una plataforma de inversión que prometía altos retornos a través de algoritmos de trading automatizado. El entonces diputado Javier Milei la promocionó en 2021 como una alternativa financiera, pero en 2022 la Comisión Nacional de Valores de Argentina la prohibió por operar sin autorización y se la comparó con un esquema Ponzi. La caída de CoinX dejó miles de afectados con pérdidas millonarias.

• Vulcano

Por Patricia Gutti.

Fue un proyecto de videojuegos basado en NFT que lanzó la criptomoneda $VULC. La iniciativa fue respaldada públicamente por el actual presidente argentino en 2022, pero semanas después su valor se desplomó y causó pérdidas a inversores. El proyecto generó controversia al no cumplir con las expectativas creadas.

• Rug Pull (Tirar de la alfombra)

Por Fernando Peirano.

Es una estafa en la que los desarrolladores de un proyecto cripto desaparecen con los fondos de los inversores tras haber creado expectativas sobre su legitimidad y potencial.

(Fuente: Agencia de noticias científicas)

miércoles, 26 de febrero de 2025

La literatura latinoamericana vive un nuevo “boom” en las plataformas digitales

Cada vez más producciones basadas en famosos libros de Gabriel García Márquez, Juan Rulfo y otros autores llegan al streaming, acercando estas historias a nuevas generaciones.

Cien Años de Soledad: Primera Parte | Tráiler oficial | Netflix

Bienvenidos a Macondo, el pueblo mítico que comenzó con veinte casas de barro a la orilla de un río donde el realismo mágico cobró vida y la familia Buendía empezó su historia. Una historia sobre las adversidades de los amores imposibles, las confrontaciones con un pasado que sigue sus huellas y una maldición que los condena. Basada en la obra cumbre de Gabriel García Márquez llega la serie Cien años de soledad

Décadas después del boom de la literatura latinoamericana, que convirtió al realismo mágico en el sello distintivo de la región, varios de sus libros más notables tienen nuevo impulso en el siglo XXI con las series en las plataformas digitales.

La lluvia de flores amarillas en Macondo, el pueblo de Cien años de soledad del colombiano Gabriel García Márquez, los climas de ensoñación de la Comala de Pedro Páramo del mexicano Juan Rulfo, o los platos que afectan sentimientos en Como agua para chocolate de su compatriota Laura Esquivel, pueden verse ahora en adaptaciones del streaming.

Disponibles en Netflix en los primeros dos casos y en Max en el último, dan nueva vida a aquel éxito que comenzó en las décadas de 1960 y 1970, con García Márquez y Rulfo entre otros, y se extendió luego en el tiempo con Esquivel y una segunda generación de autores reconocidos por su renovación estética y su mirada latinoamericana.

También llegaron o llegarán versiones de El gallo de oro, del propio Rulfo, Travesuras de la niña mala, del peruano Mario Vargas Llosa, o La casa de los espíritus, de la chilena Isabel Allende, que desembarcará este año en Prime Video con producción de la propia Allende y de Eva Longoria.

“Se dio la casualidad de que todas coincidieron en el tiempo, con diferencia de meses”, señaló a la AFP Francisco Ramos, vicepresidente de Contenidos de Netflix para Latinoamérica.

Para el productor mexicano, lo que une a todos los títulos no es que pertenezcan a un “boom”, sino que “son muy buenas historias” que “cuentan cosas muy interesantes respecto de las culturas de esos países”.

Series como "Pedro Páramo" y "El Eternauta" incrementan la demanda de contenido regional para streaming internacional

Tras una nevada mortal que mata a millones de personas, Juan Salvo y un grupo de supervivientes luchan contra una amenaza alienígena controlada por una fuerza invisible. Basada en la icónica novela gráfica, El Eternauta se estrenará en 2025. (Crédito: Netflix)

Series como "Pedro Páramo" y "El Eternauta" incrementan la demanda de contenido regional para streaming internacional

“Un aporte distintivo”

Si en la mayoría de los casos se trata de novelas, este nuevo fenómeno incluye dos obras gráficas argentinas muy reconocidas no solo en América Latina.

Se trata de Mafalda, la tira diaria que el argentino Quino publicó entre 1964-1973 y que Netflix adaptará como serie animada de la mano del ganador del Oscar Juan José Campanella, y la historieta de ciencia ficción El Eternauta, del guionista Héctor Oesterheld y el dibujante Francisco Solano López.

“Son dos obras muy específicas, que aparte tienen recorrido internacional, entonces para nosotros también es exportar cultura”, explicó Ramos en charla en Argentina, adonde llegó para exhibir a la prensa el primer episodio de El Eternauta, que estrenará el 30 de abril con el actor Ricardo Darín como protagonista.

“Son (casos) interesantes porque forman parte de la cultura popular y a la vez no se trata solo de entretenimiento, sino que también tienen un posicionamiento político”, dijo a la AFP el doctor en comunicación argentino Leonardo Murolo, especialista en narrativas digitales.

Para el también docente e investigador, en un país “que debate política partidaria, militante o activista todo el tiempo y que tiene una mirada crítica sobre su historia y su memoria”, estos títulos constituyen “un aporte distintivo” a la oferta audiovisual.

“Historias superconocidas”

Según un reporte de la agencia especializada Digital TV Research difundido en 2024, los suscriptores a servicios de streaming en Latinoamérica crecerán un 50% hacia 2029, hasta los 165 millones de hogares. Esa demanda lleva a las compañías a buscar títulos que garanticen visualizaciones.

“Las plataformas producen en grandes volúmenes para tener estrenos constantes”, dijo Murolo. Obras como Cien años de soledad, Pedro Páramo o El Eternauta tienen “índices de colombianidad, mexicanidad y argentinidad’ que son atrayentes para generar identificación”.

Pero los proyectos de este tipo no solo deben atraer a las audiencias locales, curiosas por ver “cómo se cuentan estas historias superconocidas”, sino también tener el potencial de atravesar fronteras.

La primera temporada de la serie que adapta la obra cumbre de García Márquez, por ejemplo, funcionó entre los colombianos tras su estreno el 11 de diciembre, pero además -según Netflix- en su primera semana en el catálogo se posicionaba en el Top 3 Global entre las series de habla no inglesa y en el Top 10 de 38 países.

Las plataformas apuestan por contenido latinoamericano con potencial para cruzar fronteras

Inversión millonaria

“Hubiese sido muy difícil hace 20 o 15 años llevar a cabo producciones de esta envergadura”, aseguró Ramos.

La construcción de cuatro versiones en tamaño real de Macondo en cercanías del municipio colombiano de Ibagué o el uso de técnicas de Virtual Production con una pared LED en el rodaje en Buenos Aires de El Eternauta, son ejemplos del “desarrollo poderoso” de la industria audiovisual, agregó.

En esta línea, Netflix anunció el 20 de febrero que invertirá 1.000 millones de dólares en los próximos cuatro años para producir series y películas en México.

Sin embargo, el dinero no garantiza el éxito de toda adaptación de un clásico, advirtió Murolo.

“Se enfrenta al riesgo de los imaginarios individuales que han creado los públicos en relación con su historia favorita”, dijo. “Satisfacer a todos es imposible”.

(Fuente: AFP. Foto: Max, Netflix y Jovani Pérez, Infobae México.)

"Love Libraries": celebrando el impacto y el valor de las bibliotecas

"Love Libraries" es una campaña organizada por la Biblioteca Nacional de Escocia que busca incentivar a más personas a unirse a las bibliotecas y aprovechar todos sus recursos. Destaca el impacto y el valor de las bibliotecas en todas partes.


Scottish Libraries, "Love Libraries,"  https://scottishlibraries.org/love-libraries/

Las bibliotecas son mucho más que libros; son el corazón de las comunidades, las escuelas y las instituciones de educación superior. La campaña Love Libraries celebra el impacto y la importancia de las bibliotecas en Escocia, destacando el trabajo del personal bibliotecario, promoviendo el bienestar, fomentando el uso de los servicios bibliotecarios y aumentando la apreciación pública.

Los objetivos de la campaña Love Libraries son alcanzar a personas que no conocen los beneficios de las bibliotecas, como la reducción del aislamiento social o la adquisición de nuevas habilidades, e involucrar a quienes, aunque apoyan las bibliotecas, no las utilizan con regularidad. Además, busca animar a los usuarios habituales a compartir sus experiencias y su amor por las bibliotecas, fomentando así una mayor participación y apreciación pública de los servicios que estas ofrecen.

  1. Alcanzar a personas que no conocen los beneficios de las bibliotecas, como la reducción del aislamiento social o la adquisición de nuevas habilidades.
  2. Involucrar a quienes apoyan las bibliotecas pero no las usan con regularidad.
  3. Animar a los usuarios habituales a compartir sus experiencias y amor por las bibliotecas.
El lanzamiento oficial de Love Libraries fue el 14 de febrero de 2025 (Día de San Valentín) y se extenderá hasta octubre de 2025, brindando a las bibliotecas de toda Escocia tiempo suficiente para participar y generar entusiasmo

El Love Libraries Toolkit (en inglés) contiene información detallada sobre la campaña y cómo sumarse a ella. También incluye ideas y consejos prácticos, como:

  1. Organizar un evento con un representante local.
  2. Emitir un comunicado de prensa con historias de éxito de la biblioteca.
  3. Motivar a las personas a escribir una tarjeta de San Valentín para su biblioteca y entregarla.
  4. Visitar una biblioteca o tomar prestado un libro el 14 de febrero.

Tendencias clave que están moldeando el futuro de las bibliotecas para 2025

A medida que nos adentramos en 2025, el sector bibliotecario sigue experimentando una rápida evolución. El informe Future of Libraries analiza las transformaciones que las bibliotecas están llevando a cabo para adaptarse a las necesidades cambiantes de la sociedad.

(Foto: captura de pantalla).

El informe, basado en una encuesta global a más de 400 profesionales de bibliotecas, ofrece una visión rica sobre cómo se están preparando para enfrentar estos desafíos y oportunidades, y tiene como objetivo Inspirar y guiar a los profesionales en la gestión de bibliotecas dentro de un panorama en constante cambio.

Tendencias principales destacadas en el informe:

• Accesibilidad e inclusividad

Las bibliotecas están evolucionando hacia centros de aprendizaje accesibles e inclusivos, adaptando tanto sus espacios físicos como su programación para comunidades diversas. Esto incluye diseño centrado en las personas, herramientas como lectores de pantalla y traducción en lengua de señas, y la integración de principios de equidad, diversidad e inclusión (EDI) en sus estrategias. Ejemplos como el rediseño de la sucursal Cossitt en Memphis demuestran cómo la colaboración comunitaria puede transformar espacios para empoderar a los usuarios y generar impacto económico. Para lograrlo, las bibliotecas deben ir más allá de declaraciones simbólicas, adoptando acciones concretas que promuevan un cambio sostenible y equitativo.

• Preservación cultural e intelectual compartida

Las bibliotecas del futuro priorizarán la preservación cultural e intelectual compartida, involucrando a las comunidades en la gestión y conservación de su patrimonio. El uso de tecnologías digitales facilitará esta tarea, pero será clave adoptar enfoques decoloniales, como involucrar a comunidades indígenas en decisiones sobre conservación, acceso y clasificación. Ejemplos como el sistema de clasificación Brian Deer en la Universidad de Columbia Británica demuestran cómo los sistemas inclusivos y culturalmente adecuados pueden respetar las identidades y protocolos comunitarios. Las bibliotecas deben facilitar diálogos respetuosos y actuar como guardianes responsables de materiales sensibles.

• Estrategias integrales de sostenibilidad

Las bibliotecas se posicionarán como líderes en sostenibilidad holística, integrando esfuerzos ambientales con justicia social, igualdad y bienestar comunitario. Más allá de diversificar ingresos, se alinearán con los Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS) de la ONU, adoptando estrategias que consideren a las personas, la prosperidad y el planeta. A través de enfoques locales, actuarán como laboratorios vivos, promoviendo prácticas sostenibles y fomentando el aprendizaje colectivo. La construcción de bibliotecas verdes y la sostenibilidad arquitectónica serán pilares clave en este esfuerzo.

• Empoderamiento cívico y alfabetización mediática

Las bibliotecas se consolidarán como espacios neutrales para el empoderamiento cívico y la alfabetización mediática, fomentando la democracia y combatiendo la desinformación. Su credibilidad las posiciona como lugares inclusivos que reúnen a personas de diversas perspectivas y trasfondos. En un contexto de polarización social y algoritmos que refuerzan creencias, las bibliotecas ofrecen contenido confiable que promueve decisiones críticas informadas. Además, enfrentan el desafío y la oportunidad de abordar los riesgos asociados con las redes sociales y la seguridad en internet, posicionándose como guardianas de información relevante y controlada.

• Herramientas digitales y formación

Las bibliotecas se consolidarán como portales clave para la tecnología y la formación, facilitando el acceso a herramientas avanzadas como la inteligencia artificial. Ofrecerán recursos de aprendizaje asistidos por IA y podrán actuar como centros de prueba. Además, las alianzas con organizaciones externas permitirán superar barreras tecnológicas, como en casos donde bibliotecas apoyan a emprendedores locales con mentorías y formación técnica. Estas iniciativas refuerzan su rol como espacios accesibles y de apoyo en la adopción de nuevas tecnologías.

• Desarrollo de la fuerza laboral

Las bibliotecas deben seguir invirtiendo en el desarrollo de sus equipos, cuyo rol ha evolucionado para incluir tareas como gestión tecnológica y "social media". Es clave ofrecer oportunidades de capacitación para adaptarse a cambios tecnológicos, ambientales y sociales, además de fomentar su crecimiento personal y profesional. El 61% de las bibliotecas planea implementar programas de formación este año, mientras que otras priorizan mejorar beneficios y salarios. También se busca rediseñar los espacios de trabajo para fomentar la creatividad y la innovación en sus equipos.

El informe completo (en inglés) puede leerse haciendo click aquí.

(Fuente: universoabierto.org)

Luciano Mogni, el artista de Avellaneda que transforma el conurbano en pinturas

Retrata escenas de la vida cotidiana, como un grupo de amigos que empuja un auto, dos vecinas que charlan en la puerta de la carnicería del barrio o un Papa Noel cargando nafta en una YPF.

 

Luc Mogni exhibe sus pinturas en una galería ubicada en Balcarce 854, San Telmo, CABA (Foto: Luciano Mogni).

Desde hace cinco años, Luciano Mogni convierte la cotidianeidad del conurbano bonaerense en obras de arte. Nacido en Avellaneda y licenciado en Publicidad por la Universidad Nacional de Lomas de Zamora, pinta cuadros a partir de escenas que ve en videos o fotos que le envía la gente. Así, a través de su cuenta de Instagram con más de 124 mil seguidores, de exposiciones itinerantes y con un taller abierto al público en el barrio de San Telmo, difunde las historias reales de muchas personas mediante el arte. "Cuando la realidad supera la ficción, ahí estoy para pintarla", dice.

Su proyecto "Ésto es real" nació en 2020 cuando, en plena pandemia, Mogni comenzó a recorrer el conurbano a través de Google Street View. Buscaba el estado de murales que había hecho en distintas partes de la ciudad, pero se encontró con escenas bizarras y cómicas. Por ejemplo, un grupo de amigos empujando un auto, un espacio donde funcionaba una verdulería y una peluquería canina al mismo tiempo o dos vecinas charlando en la puerta de la carnicería.

"Son escenas muy coloridas y que, por estar en pandemia, no las veíamos en vivo. Me pareció muy interesante empezar a retratarlas con materiales que me habían quedado de algún momento, como tablas o pintura látex de mi trabajo en muralismo", cuenta Mogni.

(Foto: Luciano Mogni).

Así, en sus palabras, el proyecto surge de la observación de lo cotidiano, de transitar los barrios y retratar la vida misma. "En un principio, el proyecto se llamaba 'Conurban Art', pero la gente no podía creer que las escenas que pinto sean hechos reales, así que para resumir le puse "Esto es real."

Actualmente, trabaja con pinturas acrílicas para lograr brillos y en soportes más grandes, como lienzos. De todas maneras, aclara que para él los materiales nunca fueron un límite. "De hecho, cuando viajo y me quedo sin soporte, pinto hasta en cartón y aliento a quienes les gusta el arte a que hagan lo mismo".

Arte que divierte

Mogni se define como un artista autodidacta y habitante de la zona sur del conurbano bonaerense. Además de nacer y estudiar allí, actualmente vive en Banfield con su familia y posee su taller en Remedios de Escalada. Relata que le gusta que sus obras estén en lugares disruptivos, como kioscos, puestos de diarios o vidrieras de ropa usada. Asimismo, posee una galería en el barrio de San Telmo (Balcarce 854, CABA), abierta a todo público de miércoles a domingo de 13:00 a 19:00, donde exhibe todos sus trabajos. Estas están acompañadas de un código QR que muestra el video o la foto en la que se basa la pintura, la historia que hay por detrás y el proceso de realización.

(Foto: Luciano Mogni).

Igualmente, su arte no se limita sólo al conurbano. También, pinta a partir de imágenes y videos que le envían sus seguidores sobre situaciones que suceden en otras provincias, como Córdoba, Tucumán y Chaco, o en otros países de América Latina. "La región, Argentina y cada provincia tienen su propia identidad, pero a la vez hay puntos en común, hay un guiño latino. Hay situaciones que suceden en Chile o en México, por ejemplo, pero tranquilamente podría ser algo que pasó acá. Puntualmente, de la identidad del conurbano me gustas sus colores, sus aromas, sus sonidos. Es muy diferente a una ciudad con más movimiento", detalla.

En el ida y vuelta con sus seguidores es donde más encuentra la razón de ser de su trabajo. Son ellos quienes le envían la materia prima de las obras o, en ocasiones especiales, somete a votaciones diferentes videos para elegir cuál pintar. "Muchas veces, la gente descree lo que ve y piensa que es algo que inventé. Cuando ven el video, es algo totalmente cómico y eso les divierte. Hoy por hoy, es un montón hacer algo que alegre a las personas", manifiesta.

(Foto: Luciano Mogni).

El presente y los proyectos a futuro

Actualmente, Luc Mogni pinta al menos una obra por semana, que posteriormente publica en sus redes sociales para interactuar con su audiencia. La escena es elegida previamente por sus seguidores, mientras incentiva a que continúen enviándole las secuencias cómicas que encuentren en la vida cotidiana, sea en el conurbano o en todo el país.

La repercusión que fueron teniendo sus obras a través de estos años confluyeron en una propuesta para llevar su proyecto y exponerlo en "La Gran Manzana", como se suele decirle a Nueva York. "Me contactaron de un medio de Nueva York y me convocaron para exponer las obras en un lugar de cultura de la ciudad. Voy a llevar unas 12 obras del conurbano y durante el evento el proyecto se va a llamar ‘Real Nueva York’ porque también voy a pintar situaciones que sucedan allí", concluye, emocionado por el futuro.

(Fuente: Página 12)

martes, 25 de febrero de 2025

Agenda Cultural: el Palacio Libertad (ex Centro Cultural Kirchner) renueva su agenda semanal con propuestas para disfrutar en famila

Teatro, cine argentino, música y hasta un homenaje a Mirtha Legrand forman parte de las ofertas del Palacio Libertad (Sarmiento 151, CABA), con entrada libre y gratuita para toda la comunidad.


• Mirtha, el mito

Un show que reúne performance, teatro, textos, canciones y bailes, para abordar poéticamente a la diva de la televisión argentina, Mirtha Legrand. Con texto y dirección de José María Muscari y música original de Luis María Serra y Alberto Favero, el espectáculo celebra a una de las figuras más icónicas del cine y la televisión argentina.

Del sábado 1 al martes 4 de marzo, 20:00 - Auditorio Nacional.


• Amor en tiempos eternos, por la Compañía Taco, Punta y Traspié

La Compañía Taco, Punta y Traspié presenta una obra de tango contemporáneo que aborda la temática del amor en sus distintas acepciones, donde la relación corporal se intensifica en encuentros, desencuentros, repliegues, seguidillas y separaciones.

Miércoles 26 de febrero, 20:00 - Sala Argentina.


• Filiberto Rock, por la Orquesta Nacional de Música Argentina y Marina Wil

Con Marina Wil como cantante invitada, y bajo la dirección de Ezequiel Silberstein, la Orquesta Nacional de Música Argentina "Juan de Dios Filiberto" reversiona obras del rock y el pop argentinos en clave orquestal. La presentación cuenta con arreglos y orquestaciones a cargo de Juan "Pollo" Raffo.

Miércoles 26 de febrero, 20:00 - Auditorio Nacional.

• Milonga federal

En este encuentro, Carolina Giannini y Octavio Fernández dictan la clase de baile y realizan una exhibición, mientras La Santa Calavera se encuentra a cargo de la música en vivo. Además, la fecha es musicalizada por Joni "Chiqui" Cañete y cuenta con la conducción de Adriana Pérez Frossasco.

Jueves 27 de febrero, 18:00 - Plaza seca.


• Entre tus siestas, de Brenda Howlin

Una comedia de teatro físico que se sumerge en el puerperio de una pareja. Con la casa dada vuelta, atropellada por el sueño, sin espacio para su pareja y con el bebé prendido a sus tetas, la flamante madre intentará escribir su libro.

Viernes 28 de febrero y sábado 1 de marzo, 20:00 - Sala Argentina.


• La Orquesta Sinfónica Nacional junto al Cuarteto Viento Sur Trombones

Bajo la dirección de Emmanuel Siffert, la Orquesta Sinfónica Nacional ofrece su primer concierto 2025 con la compañía de Viento Sur Trombones, integrada por Pablo Fenoglio, Carlos Ovejero, Enrique Schneebeli y Jorge Urani.

Viernes 28 de febrero, 20:00 - Auditorio Nacional.


• Clásica y cercana: Amores de ópera, concierto lírico y teatral

En el segundo encuentro del ciclo de cámara Clásica y cercana, la soprano Laura Rizzo, el tenor Fermín Prieto, la pianista Eduviges Picone y el actor Esteban Fioca invitan a explorar las diversas formas y manifestaciones del amor de pareja, mediante el repertorio operístico.

Sábado 1 de marzo, 18:00 - Salón de Honor.


• Cine en la explanada: Sin hijos, de Ariel Winograd

Desde que Gabriel se separó, su hija Sofía es el centro de su vida y se niega a comenzar una nueva relación sentimental. Todo cambia cuando aparece Vicky, su amor platónico de la adolescencia, a la que no le gustan los niños. No te pierdas esta comedia en nuestro ciclo de películas al aire libre.

Sábado 1 de marzo, 20:30 - Explanada.


• Shamrock, de Brenda Howlin

Con dirección de Nano Zyssholtz y un gran elenco integrado por Justina Grande, Pablo Kusnetzoff, Gabriel Páez y Caro Setton, la obra retrata con humor y mucho juego físico las tragedias que vivían los inmigrantes en la Buenos Aires de 1900.

Del domingo 2 al martes 4 de marzo, 19:00 - Sala Argentina.

(Fuente: prensa Palacio Libertad)

La búsqueda sin fin de 10 pinturas robadas que dejaron un vacío millonario en el mundo del arte

Desde "La tormenta en el mar de Galilea" de Rembrandt hasta "La paloma con guisantes verdes" de Picasso, estas obras han dejado una marca indeleble en el mercado.

Museo del Louvre, en París (Foto: Reuters).

Desde el Renacimiento hasta el siglo XXI, la pintura fue una de las formas más poderosas de expresión humana. A través de ellas, los artistas lograron capturar emociones, momentos históricos y la belleza de su época. Sin embargo, cuando algunas de estas obras son robadas o desaparecen sin dejar rastro, su valor no solo se incrementa en términos económicos, sino que también adquieren un aura de misterio y deseo casi inalcanzable.

Las pinturas más codiciadas por coleccionistas, museos y aficionados al arte se convierten en las principales protagonistas de historias de robos y desapariciones que capturan la atención mundial. En algunos casos, las obras desaparecen de manera tan sigilosa y calculada que la búsqueda de su paradero parece más una aventura detectivesca que una investigación convencional.

El arte robado, además de su valor material, posee un atractivo intangible que lo convierte en un tesoro deseado por muchos. A lo largo de la historia, el mundo del arte fue testigo de algunos de los robos más audaces y de las desapariciones más enigmáticas.

Una obra maestra perdida de Van Gogh que ha fascinado al mundo del arte, "Flores de amapola", continúa siendo uno de los robos más enigmáticos y codiciados (Foto: Wikimedia).

• Flores de amapola, de Vincent van Gogh

Una de las pinturas más icónicas de Vincent van Gogh, "Flores de amapola" (1887), fue robada en dos ocasiones. La primera vez ocurrió en 1977, pero la obra fue recuperada una década después en Kuwait. Sin embargo, la segunda desaparición, ocurrida en 2010, sigue siendo un misterio. El cuadro fue sustraído del Museo Mohamed Mahmoud Khalil en El Cairo, Egipto, y aunque se realizaron intentos por recuperarlo, la pintura aún sigue perdida.

Este óleo sobre lienzo, que muestra un florero lleno de amapolas amarillas y rojas contrastando con un fondo oscuro, refleja la fascinación de Van Gogh por las flores y su admiración por el pintor Adolphe Monticelli.

La obra tiene un valor estimado de unos 50 millones de euros, pero su precio en el mercado del arte podría ser mucho mayor debido al carácter enigmático de su desaparición.

"La paloma con guisantes verdes", de Picasso, sigue siendo una de las pinturas más buscadas tras su robo en París en 2010 (Foto: Wikimedia).

• La paloma con guisantes verdes, de Pablo Picasso

Pintada por Pablo Picasso en 1957, es una de las obras más emblemáticas del pintor cubista. En esta pintura, utiliza formas geométricas y colores brillantes para representar una paloma blanca sosteniendo un ramo de guisantes verdes en su pico, un símbolo de paz que resuena profundamente en el contexto de la época.

El cuadro fue robado en 2010 del Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris junto con otras cuatro obras del artista español. Esta serie de robos es considerada uno de los más grandes asaltos en la historia del arte, con un valor total que podría superar los 100 millones de euros. La paloma, en particular, se valora enormemente no solo por su estilo característico de Picasso, sino por el contexto histórico y simbólico que implica.

Una de las obras más misteriosas de Vermeer, "The Concert", sigue perdida desde el robo del Museo Isabella Stewart Gardner en 1990 (Foto: Wikimedia).

• The Concert, de Johannes Vermeer

Es una de las obras maestras de Johannes Vermeer, pintada en 1664. Esta pieza es famosa por su representación de una escena íntima en la que un hombre y dos mujeres interpretan música en un espacio interior, transmitiendo una sensación de serenidad y armonía.

La obra fue robada del Museo Isabella Stewart Gardner en 1990, durante uno de los robos más audaces de la historia del arte.

Los ladrones, disfrazados de policías, lograron llevarse 13 obras, incluida ésta, y hasta la actualidad, no se pudo recuperar ninguna de ellas. Es valorada en unos 200 millones de euros, y su misteriosa desaparición generó una gran cantidad de teorías sobre su paradero. La relación entre el valor histórico del cuadro y la emoción que genera su falta lo convierte en una de las piezas más codiciadas.

La única pintura de paisaje marino de Rembrandt, "La tormenta en el mar de Galilea", permanece perdida junto a otras valiosas piezas desde 1990 (Foto: Wikimedia).

• La tormenta en el mar de Galilea, de Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Es una obra monumental de Rembrandt que fue pintada en 1633. Esta pintura, que es el único paisaje marino que realizó el maestro del barroco holandés, representa la famosa escena bíblica de Jesús calmando la tormenta en el mar de Galilea. En el cuadro, utiliza su característico juego de luces y sombras para dar vida a una escena dramática y cargada de emoción.

La obra fue robada junto con  la anteriormente mencionada "The Concert" en 1990. A pesar de la recompensa ofrecida, la pintura nunca fue localizada. El valor estimado es de alrededor de 100 millones de euros, pero su enorme importancia histórica y artística podría hacer que su precio fuera mucho mayor en una subasta.

La conmovedora obra de Caravaggio "Natividad con San Francisco y San Lorenzo" sigue siendo uno de los robos más conocidos del arte italiano (Foto: Wikimedia).

• Natividad con San Francisco y San Lorenzo, de Michelangelo Merisi da Caravaggio

Pintada por el maestro Caravaggio en 1609, es una de las obras más representativas del barroco temprano. La pintura fue robada en 1969 del Oratorio de San Lorenzo en Palermo, Sicilia, y su paradero sigue siendo desconocido.

Esta obra, que mide 268 x 197 cm, representa la escena del nacimiento de Jesús, pero con un tono sombrío y melancólico que refleja la técnica del tenebrismo característica de Caravaggio.

La obra fue vinculada con la mafia siciliana, quienes habrían intentado venderla en el mercado negro, aunque hasta la fecha no se logró encontrar. El valor estimado de la obra es de unos 20 millones de dólares, aunque algunos expertos creen que podría valer mucho más debido a su importancia en la historia del arte.

Una de las piezas más importantes del Renacimiento, "Los jueces justos" de Jan van Eyck, ha permanecido desaparecida desde su robo en 1934 (Foto: Wikimedia).

• Los jueces justos, de Jan van Eyck

Es uno de los paneles que componen el famoso políptico "El altar de Gante", pintado por los hermanos Jan y Hubert van Eyck en 1432. Esta obra fue robada en 1934 de la Catedral de San Bavón en Gante, Bélgica, y hasta el momento no fue recuperada.

A lo largo de los años, surgieron varias pistas sobre su paradero, pero ninguna resultó ser cierta. Su valor es incalculable, ya que forma parte de una de las obras más significativas del Renacimiento. Estimativamente, es de más de 300 millones de euros, lo que la sitúa entre las pinturas perdidas más valiosas.

Atribuido a Rafael, "Retrato de un hombre joven" sigue siendo uno de los misterios del arte, perdido durante la Segunda Guerra Mundial (Foto: Wikipedia).

• Retrato de un hombre joven, de Rafael Sanzio

Es una pintura atribuida a Rafael, pintada entre 1513 y 1514. La obra fue objeto de especulación debido a la identidad del retratado, que algunos creen que podría ser un autorretrato.

La pintura fue robada durante la Segunda Guerra Mundial por las fuerzas nazis y sigue desaparecida. Aunque no se disponen de fotografías en color previas al robo, el retrato sigue siendo altamente apreciado por su maestría técnica. El valor de esta obra es incalculable, y su búsqueda sigue siendo uno de los grandes misterios del arte.

La pintura de Monet que captura la niebla londinense, "Charing Cross Bridge", desapareció tras un espectacular robo en 2012 (Foto: Wikipedia).

• Charing Cross Bridge, de Claude Monet

Pintada 1899, "Charing Cross Bridge" es una de las obras de la serie dedicada a Londres. Esta pintura muestra el puente cubierto de niebla invernal.

La pintura fue sustraída en 2012 del Museo Kunsthal en Rotterdam, Países Bajos, en uno de los robos más espectaculares de la historia reciente. El valor estimado de la pintura es de unos 20 millones de euros, aunque su costo real podría ser mucho mayor dada la importancia de Monet en la historia del impresionismo.

"La lectora en blanco y amarillo" de Matisse, una pieza clave del modernismo, sigue desaparecida después del robo de 2012 (Foto: Wikimedia).

• La lectora en blanco y amarillo, de Henri Matissee

Fue también robada en 2012 en el mismo atraco que "Charing Cross Bridge". La pintura, que muestra a una joven leyendo un libro en tonos blancos y amarillos, es una pieza fundamental en la evolución del estilo de Matisse.

Aunque fue sustraída junto con varias otras pinturas, su paradero sigue siendo incierto. Se estima que la obra podría valer decenas de millones de euros.

La compleja relación entre Bacon y Freud, plasmada en "Francis Bacon", sigue siendo un misterio desde su robo en 1988 (Foto: Wikimedia).

• Francis Bacon, de Lucien Freud

Esta obra, que retrata la conflictiva relación entre ambos artistas, fue pintada en 1969 y robada de 1988 del Museo Neue Nationalgalerie en Berlín.

La obra, que captura la complejidad emocional de Freud, sigue sin aparecer. Dado el prestigio de ambos artistas, el valor de esta pintura es altísimo, y su desaparición sumió al mundo del arte en una profunda intriga.

(Fuente: Infobae - varias)

El arte está en todas partes: los grandes provocadores del "ready-made" a través de la historia

Del mingitorio de Marcel Duchamp a la banana de Maurizio Cattelan, un recorrido por los artistas del "arte encontrado" que, lejos de pasar de moda, siempre vuelve a sorprender.

(Foto: composición fuentes varias).

En francés, objet trouvé. En inglés, ready-made. En español, arte encontrado. ¿Qué significa? Convertir objetos comunes, que en su uso cotidiano no tienen una función artística, en obras de arte. A diferencia de otras corrientes, acá no se oculta el origen de esos objetos: por el contrario, se los expone con toda su significación posible, desde la más superficial y lineal hasta la más metafórica y absurda.

El ready-made tiene una larga tradición. Se pueden encontrar destellos de este método a lo largo de la historia. Ya en la Edad Media se introducía el oro en algunas obras, incluso piedras preciosas, y aunque esto se da por sus cualidades innatas, por su valor social, se lo puede considerar un objeto encontrado. Pero el ready-made es otra cosa.

Dos siglos atrás, el escritor franco-uruguayo Isidore Lucien Ducasse, conocido como Conde de Lautréamont, escribió: "Bello como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas sobre una mesa de disección". El contraste es lo esencial, porque muchas veces roza la vulgaridad o el equívoco, y siempre se trata de una provocación. ¿Exceso de márketing? ¿Dosis elevadas de exageración, tal vez?

"La fuente", de Marcel Duchamp (Foto: Shutterstock).

El mingitorio de Duchamp

El término ready-made fue acuñado por Marcel Duchamp en 1915 para describir su práctica de tomar objetos cotidianos y presentarlos como arte. El primero lo hizo dos años antes: "Rueda de bicicleta". En ese mismo período, Duchamp ya había captado la atención del mundo del arte con su obra "Desnudo bajando una escalera 2", presentada en la Exposición Internacional de Arte Moderno. Pero fue en 1917 cuando su ready-made más polémico, "La fuente", un urinario firmado con el seudónimo "R. Mutt", desató una tormenta de críticas y debates.

La Sociedad de Artistas Independientes, que organizaba una exposición en 1917, rechazó esta obra argumentando que no podía considerarse arte, lo que marcó un momento crucial en la historia del arte moderno, ya que puso en evidencia la resistencia de las instituciones artísticas tradicionales frente a las nuevas formas de expresión.

En respuesta a esta controversia, la revista The Blind Man publicó un editorial en el que defendía la obra de Duchamp: "El hecho de que el señor Mutt realizara o no 'La fuente' con sus propias manos carece de importancia. La eligió. Cogió un artículo de la vida cotidiana y lo presentó de tal modo que su significado utilitario desapareció bajo un título y un punto de vista nuevo. Creó un pensamiento nuevo para ese objeto".

"El regalo", de Man Ray (Foto: Wikipedia).

La plancha de Man Ray

Ya dentro del movimiento dadaísta, Man Ray presenta en su primera exposición individual en París, en la Galerie Six de Phillippe Soupault el 3 de diciembre de 1921, El regalo: una escultura ready-made que consiste en una plancha con catorce tachuelas pegadas a su suela. Esta obra tiene una historia y el propio artista estadounidense se encargó de contarla en sus memorias: "Un extraño hombrecillo voluble de unos cincuenta años se acercó a mí y me llevó a uno de mis cuadros... Estaba cansado con los preparativos de la inauguración, la galería no tenía calefacción, temblaba y decía en inglés que tenía frío. Me contestó en inglés, me cogió del brazo y me llevó fuera de la galería a un café de la esquina, donde pidió grogs calientes. Se presentó como Erik Satie y recayó en el francés, que le informé que no entendía. Con un brillo en los ojos, dijo que no importaba. Teníamos un par de grogs adicionales; empecé a sentirme caliente y mareado. Al salir de la cafetería, pasamos por una tienda que tenía varios utensilios domésticos esparcidos por el frente. Cogí una plancha, de las que se usan en las estufas de carbón, le pedí a Satie que me acompañara a entrar, donde, con su ayuda, conseguí una caja de tachuelas y un tubo de pegamento. De vuelta en la galería, pegué una fila de tachuelas a la superficie lisa de la plancha, la titulé 'El regalo' y la añadí a la exposición. Este fue mi primer objeto dadaísta en Francia", escribió.

"Equilibrio", de Jeff Koons (Foto: Museo Guggenheim de Bilbao).

La pelota de Koons

Antes de los colores, los globos, los tonos metalizados, Jeff Koons fue un artista del ready-made. En 1985 presentó "Equilibrio". En la página del Museo Guggenheim de Bilbao se lee que la hizo para su primera exposición individual. "Creó en bronce varias esculturas que representaban elementos relacionados con la supervivencia, como el bote salvavidas y el chaleco de buceo y el tubo de submarinismo. Al estar realizados en bronce, los objetos parecen inmortales, llenos de aire y vida".

Y sigue: "Sin embargo, el pesado material empleado les impide cumplir su función de flotar, de modo que se convierten en elementos mortíferos incapaces de lograr el equilibrio entre la vida y la muerte. Jeff Koons quiso alcanzar el equilibrio también con obras que presentaban balones de baloncesto flotando en el interior de tanques de agua en un delicado equilibrio que se puede ver alterado por cambios de temperatura o vibraciones".

"La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien viviente", de Damien Hirst (Foto: Wikipedia).

El tiburón de Hirst

En 1991, Damien Hirst ya había alcanzado cierto renombre, por lo que el galerista Charles Saatchi se ofreció a financiar cualquier obra que hiciera. El resultado fue exhibido al año siguiente en la primera exposición Young British Artists en la Galería Saatchi de Londres.

"La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien viviente": así se titula la obra del artista británico, con un tiburón gigante preservado en formol. Se vendió por £50,000. El tiburón había sido capturado por un pescador en Australia y había costado £6,000. Aparte de haber sido un gran negocio, hoy ya forma parte de la historia del arte.

"¿Por qué el proceso entre Pilatos y Jesús duró sólo dos minutos?", de Wolf Vostell (Foto: Wikipedia).

El ensamble de Vostell

Wolf Vostell fue un artista de gran despliegue en Alemania. Manejaba la pintura, la escultura, la instalación, el décollage, el videoarte, el happening y el fluxus. Y en 1996, en el pico de su carrera, sorprendió con una escultura enorme, una gran obra ready-made, que tituló con mucha ambición y generando altas dosis de confusión entre el público "¿Por qué el proceso entre Pilatos y Jesús duró sólo dos minutos?" Está instalada en el Museo Vostell Malpartida, en Malpartida de Cáceres, Extremadura, España.

En la obra, Vostell ensambló un avión militar ruso desguazado, clavado verticalmente en un charco de agua, autos, pianos y monitores de computadora.

"Comedian", de Maurizio Cattelan (Foto: AP - Eduardo Muñoz Álvarez).

La banana de Cattelan

Si alguien creyó que el ready-made había concluido, que era un gesto viejo, pasado de moda, predecible, se equivocó. Una banana pegada a la pared con cinta adhesiva volvió a dar vuelta todo. "Comedian", del artista italiano Maurizio Cattelan, se leyó como un reflejo ácido y mordaz sobre los valores que rigen el mercado del arte actual. Fue subastada por 6.2 millones de dólares en Sotheby’s Nueva York.

Hizo su primera aparición pública en 2019, cuando fue presentada en Art Basel Miami Beach. Desde entonces, ha suscitado un cúmulo de emociones, desde la fascinación hasta el escepticismo. En aquella ocasión, un visitante -el artista estadounidense David Datuna- quitó la banana de la pared y se la comió frente a un público atónito. "Esto también es una obra de arte", dijo. Para ese momento, Cattelan ya había vendido tres ediciones originales por precios que oscilaban entre 120.000 y 150.000 dólares.

(Fuente: Infobae)