Muestra "Icónicos" : joyas de la colección Maman en una muestra que celebra al arte argentino

Curada por Patricia Pacino, la exposición en Maman Fine Art Buenos Aires reúne obras de Prilidiano Pueyrredón, Quinquela Martin y Xul Solar, entre otros. Estará abierta hasta el 31 de agosto con entrada libre y gratuita.

(Foto: prensa Maman Fine Art).

Maman Fine Art (Av. del Libertador 2475, CABA) ha inaugurado la exposición "Icónicos", que reúne piezas emblemáticas de la colección Maman, incluyendo obras que han estado fuera del país durante décadas. Esta muestra celebra a los grandes nombres del arte argentino y establece un diálogo entre el arte y el diseño automotriz, destacando la colaboración con el diseñador José Casas, quien ha trabajado en el nuevo modelo del auto deportivo BMW M2.

Curada por Patricia Pacino, la exposición ofrece un recorrido por la historia del arte argentino, comenzando con el primer pintor del país, Prilidiano Pueyrredón, y avanzando hacia los primeros modernistas como Ángel Della Valle y Martín Malharro.

Obras de artistas como Alfredo Guttero, Antonio Berni y Xul Solar reflejan la influencia de sus viajes por Europa, introduciendo nuevos lenguajes artísticos en Argentina. También destaca el surrealismo de Juan Battle Planas y Miguel Caride como parte de esta evolución.

"Chianti" (1948) de Emilio Pettoruti (Foto: prensa Maman Fine Art).

Un capítulo especial de la muestra está dedicado a Benito Quinquela Martín, cuyo viaje a Europa no solo buscó inspiración, sino que también llevó la iconografía local del Puerto de La Boca a un público internacional. Su obra "Escena de trabajo", expuesta en 1923 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y adquirida por el Duque de Almenara Alta, regresa al país después de más de un siglo.

Maman Fine Art informó que esta pieza es una de las veinte que se exhibieron en las principales capitales del mundo, como Madrid, París, Nueva York, Roma y Londres. Otra obra que vuelve a la escena pública es "La muñeca y el mono" (1967) de Libero Badii, parte de una serie de veintidós collages que se exhibieron en el Museo Nacional de Bellas Artes en 1972 y luego viajaron a Ottawa, Canadá.

"En rojos" (1960) de Sarah Grilo (Foto: prensa Maman Fine Art).

La galería también ha adquirido recientemente "Chianti" (1948) de Emilio Pettoruti, una obra destacada de la serie de los Soles, donde la luz juega un papel central. "En rojos" (1960) de Sarah Grilo también se suma a la colección, destacándose por su uso expresivo del color.

"Los sesenta marcaron una etapa de gran efervescencia e internacionalización del arte argentino", explica Pacino en el texto curatorial, en referencia a movimientos como el informalismo, representado por Alberto Greco y Luis Wells, y el grupo Otra Figuración. Obras como "Se hace lo que se puede" (1962) de Rómulo Macció y una pieza de Ernesto Deira de 1964 reflejan el tono existencialista y la búsqueda de redefinir la imagen del hombre contemporáneo.

Patricia Pacino, directora de Maman Fine Art y curadora de la muestra (Foto: prensa Maman Fine Art)

En el ámbito de la escultura, las obras de Aldo Paparella y Alberto Heredia, de la década de 1970, comparten el objetivo de desacralizar la noción de monumento. Heredia utilizó materiales de descarte y objetos cotidianos, mientras que Paparella resignificó los monumentos de la cultura grecorromana con materiales humildes como cartones y yeso.

La exposición también destaca la conexión entre el arte y el diseño automotriz. José Casas, el primer diseñador automotriz latinoamericano en trabajar con BMW Design, ha sido responsable de bocetar el nuevo prototipo del BMW M2. Este proceso creativo, similar al de una escultura, utiliza el trazo y la línea para dar vida a un diseño innovador.

La muestra permanecerá abierta hasta el 31 de agosto con entrada libre y gratuita, de lunes a viernes de 11:00 a 19:00.

(Fuente: Infobae)

Abren una muestra homenaje a Nora Cortiñas: la vida de una luchadora ejemplar en imágenes

La muestra fotográfica colectiva "Nora siempre nos cuidó", abierta hasta el 30 de mayo en el Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543, CABA), celebra lucha y legado de la cofundadora de Madres de Plaza de Mayo.

La muestra fotográfica "Nora siempre nos cuidó" está abierta con entrada libre y gratuita, hasta el 30 de mayo en el Centro Cultural de la Cooperación (Foto: Fernando Gens / 3 de junio de 2022, marcha "Ni una menos").

A un año del fallecimiento de Nora Cortiñas, referente de Madres de Plaza de Mayo Línea Fundadora y emblema de la lucha por los derechos humanos en Argentina, la muestra colectiva de fotografías "Nora siempre nos cuidó" rinde homenaje a su lucha y su legado en la Sala Abraham Vigo del Centro Cultural de la Cooperación porteño. La exhibición, con entrada libre y gratuita, estará abierta hasta el viernes 30 de mayo (el día en que se cumplirá un año de la muerte de Nora). Se puede visitar de lunes a viernes de 12:00 a 20:00, y los fines de semana de 14:00 a 22:00.

La exposición, curada por Alejandro Amdan y producida por Ana Bianco junto con Amdan, propone un recorrido visual por momentos emblemáticos en la vida de Cortiñas: desde su incansable presencia en las rondas de Plaza de Mayo, hasta los vínculos que cultivó con otras mujeres y activistas en la defensa de los derechos humanos.

Nora Cortiñas (der.) junto a Estela de Carlotto y Hortensia Bussi (izq.), viuda de Salvador Allende, 24 de septiembre de 1988 (Foto: Enrique Shore).

Las fotografías seleccionadas ofrecen un testimonio íntimo y colectivo de su compromiso con la verdad y la justicia. Más que un tributo, la muestra busca mantener viva su memoria mediante el poder del registro documental y artístico.

El siguiente texto del curador de la muestra acompaña la exhibición inaugurada el viernes 21 de marzo: "No podemos olvidar, porque si olvidamos, estamos condenando a las nuevas generaciones a repetir los errores del pasado”.

Madres de Plaza de Mayo frente a la Casa Rosada, 28 de abril de 1983 (Foto: Daniel García).

Y sigue: "Para Nora nadie era indiferente. Tampoco nosotros. Siempre se preocupó por los que estábamos fotografiando las rondas de las Madres de Plaza de Mayo. Ellas nos veían como sus hijos y estaban atentas por lo que nos podía pasar. Sabían que la dictadura intentaba invisibilizar las rondas de cada jueves en la Pirámide de Mayo".

"Invisibilizar, silenciar, desaparecer… Éramos pocos entonces quienes las acompañábamos en sus rondas. No se trataba de cumplir con un trabajo, sino honrar el compromiso de denunciar y dar testimonio del plan sistemático de tortura, exterminio y muerte que desolaba a la Argentina. Cuando las rondas terminaban, las Madres cuidaban de que no faltara nadie, de que estuviéramos todos. No podían permitir más desapariciones. Ni una desaparición más. Ni un hijo menos".

"Como contarnos en la plaza no fuera bastante, iban por nuestras redacciones a ver si todo estaba bien. Nuestra decisión militante era que las fotos censuradas, las que no salían en los diarios no se perdieran porque eso hubiese sido borrar la memoria. Cuidadosamente las preservábamos y se las entregábamos a ellas para que las distribuyeran en medios políticos y las hicieran llegar a otros países y organismos internacionales. Se las dábamos a ellas no sólo para que pudieran distribuirlas sino porque fueron y son las guardianas de la memoria, las protagonistas de la verdad y la forjadoras de justicia".

Nora Cortiñas y un grupo de Madres de Plaza de Mayo, en la puerta de la cárcel de Devoto, 1984 (Foto: Enrique Rosito).

"A un año de su partida, recordamos a Nora Cortiñas, esa mujer que dedicó su vida a la lucha por la verdad, la justicia y los derechos humanos. A través de estas imágenes, queremos rendir homenaje a su memoria y legado. Estas fotos capturan momentos de su vida, desde su infatigable lucha en la Plaza de Mayo hasta sus encuentros con otras mujeres y activistas que compartían su compromiso con la justicia y los derechos humanos".

Imagen de la "Marcha por la Vida y la vigencia integral de los derechos humanos", organizada por las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo y los organismos de Derechos Humanos, 5 de octubre de 1982 (Foto: Alejandro Andam).

"Queremos recordar su valentía, su determinación y su amor por la vida y la justicia. Nora Cortiñas sigue siendo un ejemplo y una inspiración para todas aquellas personas que luchan por un mundo más justo y equitativo, así como continuar la lucha por memoria, verdad y justicia, sin olvido ni perdón para los crímenes de lesa humanidad".

"Esperamos que esta muestra de fotos sea un tributo digno a su memoria y un recordatorio de su legado, que sigue vivo en nuestros corazones y en nuestra lucha por la justicia y los derechos humanos".

(Fuente: prensa Centro Cultural de la Cooperación)

Muestra de Dora Maar en Buenos Aires: revelan el talento de la mujer que Pablo Picasso opacó

 El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires exhibe fotografías de una de las mujeres del artista malagueño, que fue mucho más que una musa. Incluye trabajos experimentales de los años '80, mientras vivía recluida en su departamento.

Detalle de "Autorretrato", 1935, de Dora Maar (Foto: Amar Gallery / Amar Singh / Camila San Martín).

Con una llave colocada sobre papel fotosensible recreó la imagen de un Cristo crucificado. Pura luz sobre el fondo negro, junto a otra figura difusa que representa a la Virgen María. Dora Maar realizó ese fotograma cerca de 1980, ya recluida en su departamento de París, casi medio siglo después de haber iniciado su tortuosa relación con Pablo Picasso. El artista que no sólo opacó su talento como fotógrafa y pintora, sino que la maltrató a tal punto que fue internada en un psiquiátrico.

Éste y otros trabajos experimentales pueden verse ahora y hasta el 6 de junio en el museo Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (Av. San Juan 328, CABA), ciudad donde Maar -nacida como Henriette Théodora Markovitch- vivió desde los tres hasta los veintitrés años. "La muestra tiene por objetivo centrarse en la figura de Dora, pero no como una musa que alimenta al surrealismo" -explica su curador, Jonathan Feldman- "sino a través de una obra fotográfica muy singular, que tiene un estilo distintivo respecto de cómo captura lo extraño, lo diferente".

"Composición abstracta (virgen y crucifijo)", 1980, de Dora Maar (Foto: Amar Gallery / Amar Singh / Camila San Martín).

Claro que está presente Picasso, gran protagonista de los retratos de la época en la que Maar trabajaba en publicidad, moda y fotografía comercial, porque la idea es mostrar las transformaciones en su trayectoria y su visión artística. Se puede ver, por ejemplo, la portada de la revista Time del 13 de febrero de 1939, en la cual el pionero del cubismo posa con corbata y el pelo muy lacio hacia un costado. También otra fotografía tomada en 1937 en el Hotel Vaste Horizon, en la cual mira a la cámara de forma intimidante.

Pablo Picasso en el Hotel Vaste Horizon, Mougins, 1937 (Foto: Amar Gallery / Amar Singh / Camila San Martín).

Ese mismo año, Dora Maar registró el proceso creativo del "Guernica", y también se incluye una de esas fotografías en la muestra. "¿Cuál de las dos se va?", le había preguntado a Picasso Marie-Thérèse Walter, madre de su hija Maya y representada en uno de los testimonios contra la guerra más importantes del siglo XX. "Les dije que tendrían que resolverlo entre ellas. Así que empezaron a luchar. Es uno de mis recuerdos preferidos", reconoció Picasso según Françoise Gilot, madre de Claude y Paloma. Fue ella la que lo definió como un "poderoso minotauro", dispuesto a destruir a todas sus mujeres.

El "Guernica" en proceso, fotografiado por Dora Maar, 1937 (Foto: Amar Gallery / Amar Singh / Camila San Martín).

La mencionada Marie-Thérèse y Jacqueline Roque, su última esposa, se suicidaron después de la muerte de Picasso. Dora Maar decidió seguir creando, tras la internación en el hospital de Sainte-Anne donde le aplicaron electroshock. Sin embargo, en 1958 realizó un viaje a Venecia que marcó el fin de su vida pública: cuando regresó a París se recluyó hasta su muerte, cuatro décadas más tarde. Ese punto de inflexión fue recreado por Zoé Valdés en la novela "La mujer que llora" (Ed. Planeta, 2013), título que evoca la serie de retratos de Picasso de 1937.

Dora Maar retratada por Brassaï en 1943 en su taller de la rue de Savoie (Foto: Museo Nacional Picasso / Estate Brassaï).

La galería londinense Amar, que cedió las obras para esta muestra, señala que cuando Dora conoció a Picasso "ella estaba en la cima de su carrera, mientras que él salía de lo que describió como 'la peor época de mi vida'. Llevaba meses sin esculpir ni pintar. Su relación tuvo un gran impacto en las carreras de ambos. Maar fomentó su conciencia política y lo educó en fotografía. Le enseñó la técnica del 'cliché verre', un método complejo que combina la fotografía y el grabado".

"Jaqueline", 1934, de Dora Maar (Foto: Amar Gallery / Amar Singh / Camila San Martín).

Ella había estudiado en la Academia Lothe y en la Escuela de Fotografía la Ville de París. "Amiga y colega de Brassaï y de Cartier-Bresson" -recuerda Feldman-, "siguió algunos de los procedimientos experimentales iniciados por Man Ray, y compartió taller con artistas muy conocidos. Una vez que conoce a Picasso, empieza a integrar el mundo surrealista. Eso fue muy positivo para su carrera en el sentido de que la relacionó con una escena muy vibrante. Simultáneamente, empieza a eclipsar de a poco su obra artística".

"Composición abstracta (patrones de luz)", 1980, de Dora Maar (Foto: Amar Gallery / Amar Singh / Camila San Martín).

Esta última, agrega el curador, se caracteriza por "su audaz experimentación técnica y la exploración de los estados psicológicos internos. Sus trabajos fusionan elementos dispares para crear imágenes oníricas, absurdas y perturbadoras, territorios ambiguos y fascinantes. Son piezas que reflejan su habilidad para capturar lo extraño y lo inquietante en lo cotidiano, una marca distintiva de su estilo".

"Composición abstracta", 1980, Dora Maar (Foto: Amar Gallery / Amar Singh / Camila San Martín).

(Fuente: MACBA / La Nación)

Ágatha Ruiz de la Prada llega a Buenos Aires con una exposición única y gratuita

La muestra retrospectiva "40 años de diseño y creatividad" se presentará en la Usina del Arte, del 13 de marzo al 6 de abril. La creadora española compartirá su visión en encuentros abiertos al público.

Ágatha Ruiz de la Prada exhibe su creatividad en la Usina del Arte, en una muestra con entrada libre y gratuita (Foto: prensa Ministerio de Cultura GCBA).

La muestra incluye más de 100 piezas destacadas, procedentes de la Fundación Ágatha Ruiz de la Prada, que reflejan cuatro décadas dedicadas al diseño. Reconocida internacionalmente, la diseñadora española ha fusionado arte y moda para crear un universo visual único. Las creaciones exhibidas reflejan su distintiva estética, caracterizada por el uso de colores vivos y formas geométricas.

El espacio expositivo ha sido diseñado bajo la curaduría del arquitecto y diseñador Javier Iturrioz, con la dirección de Josefina Laurent y la coordinación general de Carminne Dodero, para asegurar una puesta en escena que resalta la esencia de su obra.

La exposición de Agatha Ruiz de la Prada en la Usina del Arte abrirá desde el 13 de marzo y hasta el 6 de abril (Foto: prensa Ministerio de Cultura GCBA).

Durante los días de la muestra, además, se llevarán a cabo diversas actividades con la presencia de esta relevante figura mundial del diseño y la creatividad artística. El jueves 13 de marzo a las 11:30, la creadora ofrecerá una charla sobre su proceso creativo. Al día siguiente, viernes 14 de marzo, los estudiantes interesados en el diseño de moda tendrán una oportunidad única de dialogar con la diseñadora a las 17:00, en un encuentro dedicado a su trayectoria en la industria.

Más tarde, a las 19:00, la diseñadora presentará su libro titulado "Todo por un plan", en el que profundiza su visión y experiencia como creadora. El más reciente libro de Ágatha Ruiz de la Prada, publicado en noviembre de 2024, se nutre de relatos personales que reflejan su creatividad, optimismo y pasión por el trabajo. Cada capítulo narra experiencias que le han permitido reinventarse y superar diversas adversidades, destacando la importancia de tener siempre un plan para afrontar los desafíos de la vida.

(Foto: prensa Ministerio de Cultura GCBA).

Quién es Ágatha Ruiz de la Prada

Es una diseñadora española reconocida por su trayectoria en la moda. Inició su carrera en los años '80 y consolidó su marca con un estilo distintivo basado en el uso de colores vivos y formas geométricas. Su trabajo abarca ropa, mobiliario, papelería y fragancias, expandiendo su presencia a nivel internacional. Ha participado en desfiles y exposiciones en diversas ciudades del mundo, y su marca se ha convertido en un referente del diseño español. Además de la moda, ha colaborado con empresas de distintos sectores para aplicar su estética a nuevos productos.

En el ámbito personal, nació en Madrid en 1960 y proviene de una familia aristocrática. Estuvo casada con el periodista Pedro J. Ramírez, con quien tuvo dos hijos. A lo largo de su vida, ha expresado su interés por el arte, la cultura y la sostenibilidad, integrando estos elementos en su trabajo. Ha participado en iniciativas sociales y culturales, promoviendo la creatividad en distintos ámbitos. Su trayectoria ha estado marcada por una constante reinvención y una visión empresarial que ha consolidado su presencia en el mundo del diseño.

La exposición "Ágatha Ruiz de la Prada: 40 años de diseño y creatividad" estará abierta al público desde el jueves 13 de marzo y hasta el domingo 6 de abril en la Usina del Arte del barrio de la Boca (Agustín Caffarena y Pedro de Mendoza, CABA). El acceso será libre y gratuito, lo que permitirá a los visitantes explorar la trayectoria de una de las figuras más influyentes de la moda contemporánea. Las puertas del recinto estarán abiertas de martes a sábados de 14:00 a 20:00, y los domingos, de 11:00 a 20:00. Durante la exposición, Ágatha Ruiz de la Prada participará en encuentros abiertos al público.

(Fuente: GCBA / Infobae)

"Pasado desfigurado", una muestra que atraviesa el pasado colonial, la historia del arte y la infancia

Los artistas peruanos Alexander Tongombol, Fabiola Gonzáles y Rubén Saavedra protagonizan "Pasado desfigurado", en la Casa Nacional del Bicentenario, con una notable diversidad de estilos y materiales.

(Foto: prensa Casa Nacional del Bicentenario).

Alexander Tongombol, Fabiola Gonzáles y Rubén Saavedra son los protagonistas de "Pasado desfigurado", en la Casa Nacional del Bicentenario (Riobamba 985, CABA), organizada por la Embajada del Perú y la Secretaría de Cultura de la Nación. La exhibición, que estará abierta hasta el 15 de diciembre, reúne 48 obras que incluyen pinturas, collages y técnicas mixtas. La muestra es de acceso libre y gratuito.

En esta exposición, los artistas peruanos abordan el pasado como un tema central, cada uno desde su propia perspectiva. La exposición invita a los visitantes a reflexionar sobre cómo el pasado, aunque desfigurado, sigue influyendo en el presente. Las obras de Tongombol, Gonzáles y Saavedra destacan la importancia de evocar el pasado con profundidad, trayéndolo al presente de manera significativa.

Así, Tongombol se centra en la fragilidad de la infraestructura colonial limeña, utilizando el cartón como soporte para reflejar una "arquitectura de la angustia". "Este material no solo simboliza la precariedad de las edificaciones, sino también la vulnerabilidad social de sus habitantes", escribe Cristias Rosas Chocano, en el texto curatorial.

"Deprecación, fe que existe" y "En algún lugar", de Alexander Tongombol (Foto: prensa Casa Nacional del Bicentenario).

Tongobol, egresado de la Escuela de Arte de Cajamarca "Mario Urteaga Alvarado", desarrolló un proyecto que busca resaltar la importancia de preservar el patrimonio histórico del Perú. Utilizando cartón reciclado como soporte, representa el olvido y el abandono de las estructuras arquitectónicas históricas, especialmente las construcciones virreinales, coloniales y republicanas, que aún conservan su belleza a pesar de su decadencia. Estas edificaciones, muchas de ellas ubicadas en el Centro Histórico de Lima y otras ciudades del país, son testigos de una historia rica y significativa, aunque a menudo ponen en riesgo la vida de sus habitantes.

El artista utiliza técnicas mixtas, como óleo, acrílico, acuarela y dibujo, para dar forma a sus obras, que evocan la arquitectura angustiada del entorno. Tongobol explica que cada pieza de cartón tiene su propia historia, marcada por manchas y desgastes, reflejando las cicatrices de un patrimonio afectado por la modernidad y la contaminación visual. Su trabajo no sólo busca crear arte visual, sino también suscitar una reflexión sobre la historia y la identidad, invitando al espectador a redescubrir el valor oculto en lo aparentemente ordinario.

Tongobol destaca que su proyecto no es sólo un homenaje a las edificaciones en riesgo de desaparición, sino también una invitación a generar conciencia sobre la importancia de preservar el legado histórico. A través de este diálogo visual, espera fomentar un cambio de percepción positiva hacia el patrimonio, resaltando su belleza y la necesidad de protegerlo. Cada obra se convierte en un reflejo de la vida que habita en su interior, capturando momentos de cotidianidad en un contexto de nostalgia y esperanza.

En las imágenes de cumpleaños y fiestas, Fabiola Gonzáles propone un recordatorio de los esfuerzos por ocultar la precariedad, al tiempo que testimonia cómo esos recuerdos modelan nuestra percepción del pasado y del presente (Foto: prensa Casa Nacional del Bicentenario).

Fabiola Gonzáles, una joven artista visual de Lima, ha centrado su obra entre 2023 y 2024 en una exploración crítica de la infancia. Sus pinturas, que retratan fiestas infantiles, van más allá de la simple celebración para convertirse en escenarios de control y corrección. Gonzáles utiliza estos momentos para revelar patrones de conducta impuestos desde la niñez, que perpetúan una violencia simbólica a lo largo de generaciones.

La artista, nacida en 1995, estudió Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú y se especializó en ilustración editorial en Toulouse Lautrec. Su trabajo se caracteriza por la deconstrucción de la memoria y la afectividad, elementos que se reflejan en archivos domésticos y espacios privados. A través de técnicas mixtas que incluyen acrílico, spray y tizas pasteles, Gonzáles evoca la naturaleza efímera de la memoria, explorando las tensiones entre lo que se recuerda y lo que se oculta.

En sus obras, Gonzáles busca descomprimir los archivos familiares para ofrecer una representación sin secretos ni artificios. Su investigación artística se centra en momentos cargados de vulnerabilidad, desafiando el mito del creador solitario y generando una extensión emocional en su proceso creativo. Esta forma de amor y protección hacia los recuerdos compartidos se manifiesta en su paleta de colores intensamente saturada, que revela emociones con una presencia vibrante.

La complejidad de recordar una infancia marcada por crisis económicas y la desesperación de los padres por ofrecer estabilidad en un entorno incierto, como los años noventa, es otro de los temas que aborda en su pintura. Las imágenes de cumpleaños y fiestas, aparentemente alegres, son un recordatorio de los esfuerzos por ocultar la precariedad, al tiempo que testimonian cómo esos recuerdos siguen moldeando nuestra percepción del pasado y del presente.

Saavedra presenta obras que se construyen a partir de imágenes de la historia del arte y de diversas civilizaciones (Foto: prensa Casa Nacional del Bicentenario).

Por su parte, Rubén Saavedra, un artista nacido en Chiclayo en 1992, ha desarrollado una propuesta artística que invita a la reflexión sobre la historia y la estética del arte. Su obra se caracteriza por un enfoque ecléctico que combina elementos autóctonos e hispanos, explorando así la identidad mestiza en toda su amplitud. En ese sentido, Saavedra utiliza su arte para interpelar la memoria colectiva, reconstruyendo los hechos históricos a su manera.

La formación de Saavedra incluye estudios en arquitectura y arte en la Escuela de Bellas Artes "Macedonio de la Torre" de Trujillo. Su trabajo se centra en un diálogo entre lo precolombino y lo contemporáneo, empleando un lenguaje visual que incorpora fotografía, pintura, carteles, arquitectura y escultura. Este enfoque le permite criticar las sociedades actuales, especialmente las de Perú y el resto de Latinoamérica, a través de un contraste de ideas, políticas y creencias.

Fabiola Gonzáles, Alexander Tongombol y Rubén Saavedra (Foto: prensa Casa Nacional del Bicentenario).

En la exposición actual, Saavedra presenta obras que se construyen a partir de imágenes de la historia del arte y de diversas civilizaciones. Estas piezas buscan distorsionar discursos conocidos para crear nuevas narrativas, ofreciendo una lectura distópica que invita a reflexionar sobre la historia republicana. A pesar de su juego entre lo absurdo y lo situacional, el arte de Saavedra se presenta como un vehículo de evocación hacia la libertad.

Esta mezcla de elementos históricos y contemporáneos es una prueba del imaginario que Saavedra busca transmitir, demostrando que el arte puede ser un medio poderoso para cuestionar y reinterpretar la historia.

Recordamos que la muestra arranca el viernes 15 de noviembre, a las 18:00, hasta el domingo 15 de diciembre, y de miércoles a domingos de 15:00 a 20:00, con acceso gratuito e irrestricto.

(Fuente: Infobae)

Cinco décadas de arte visual: una muestra recorre los grandes afiches del cine y el teatro

La exhibición "¡Hoy en cartelera! diálogos del cine y el teatro en 101 afiches" presenta la evolución del diseño gráfico en la Casa del Bicentenario. Aquí, los detalles.

La muestra "¡Hoy en cartelera!" ofrece un recorrido visual sobre la evolución del diseño gráfico en el cine y teatro de Argentina (Foto: prensa de la muestra).

"¡Hoy en cartelera!: Diálogos del cine y el teatro en 101 afiches" es una muestra que en la Casa Nacional del Bicentenario -Riobamba 985, CABA-, con entrada libre y gratuita, se extenderá hasta el 15 de diciembre. Por primera vez en el país se realizará una exhibición que ofrece un recorrido visual sobre la evolución del diseño gráfico aplicado al cine y al teatro de Argentina.

Organizada por el Mercado de Industrias Culturales Argentinas (MICA), a través de su línea "MICA Conecta Audiencias", de la Subsecretaría de Promoción Cultural y Artística de la Secretaría de Cultura, la exhibición tendrá lugar durante más de un mes en el que se podrá participar de actividades como talleres, recorridos y un conversatorio. A través de un centenar de afiches, el proyecto curatorial recorrerá los últimos cincuenta años de la comunicación visual del cine y el teatro argentino, en los que se podrá observar cómo el diseño gráfico ha sido una pieza clave para narrar su identidad.

El evento no sólo se centra en la exposición de afiches, sino que también incluye talleres y conversatorios que permitirán a los asistentes profundizar en el papel del diseño gráfico en la industria cultural. Más de 25 diseñadores han colaborado con fotógrafos, ilustradores y tipógrafos para crear estas piezas, reuniendo el trabajo de más de 50 profesionales que han dado vida a las obras de más de 100 directores de cine y teatro.

Una sección especial de la muestra rinde homenaje a Edgardo Giménez, un referente en la gráfica teatral argentina, cuyo trabajo en los años 80 marcó un hito en la comunicación visual del sector. Este tributo resalta su influencia y legado en el diseño gráfico teatral.

La exhibición rinde homenaje a Edgardo Giménez, influyente en la gráfica teatral de Argentina en los años 80 (Foto: prensa de la muestra).

Participan Alejandro Ros, Andrés Mendilaharzu, Boogieman Media, Bordenave & Cardinali, el Departamento de Diseño del Teatro General San Martín, el Departamento de Diseño Teatro Nacional Cervantes, Diego Berakha, Diego Heras, Edgardo Giménez, Estudio Lelime, Estudio Trineo, Ezequiel Black, Florencia Bembihy, Gabriela Kogan, Johanna Wolf, Juan Lo Bianco, Leandro Ibarra, Marcelo Granero, Martín Gorricho, Martín Lehmann, Nicolás Risso, Pablo Bologna, Romina Del Prete y Renata Schussheim, entre otros profesionales de la comunicación visual.

El horario general de la muestra es de miércoles a domingos y feriados, de 15:00 a 20:00.

Más de 50 profesionales colaboran en esta exposición que destaca el diseño gráfico en obras de cine y teatro de más de 100 directores (Foto: prensa de la muestra).

Programación:

• Sábado 9 de noviembre, de 20:00 a 23:00, Taller Manos al Afiche, collage colaborativo por Render Martínez, artista, ilustrador, collagista y diseñador argentino, y el público. En el marco de La Noche de los Museos, se creará, en un espacio abierto, una gran pieza gráfica colectiva utilizando imágenes, recortes, y otras herramientas compositivas para fusionar ideas y estilos en un collage único. El espacio será libre para quienes quieran sumarse y no se necesita experiencia previa.

• Sábado 9 de noviembre, de 22:00 a 1:00, Activación Performática Guiada. En el marco de La Noche de los Museos, el colectivo performático Lindalinda, dirigido por Natalia Chami y Romina Zak, sorprenderá con recorridos desopilantes en el museo a mitad de la noche. Con un estilo único, mostrarán diferentes formas de ver las historias detrás de cada película u obra de teatro, con el humor y la emoción que los afiches de esta muestra despiertan. Una experiencia imperdible.

Renata Schussheim es una de la artistas que ha realizado afiches emblemáticos (Foto: prensa de la muestra).

• Miércoles 13 de noviembre, de 18:30 a 20:00. Recorrido guiado El Oficio del Afiche. Nicolás Risso propone una recorrida guiada. Acompaña Natalia Viñes. La propuesta invita a acercarse al proceso creativo detrás de la creación de los afiches exhibidos en la exposición a través de la mirada y experiencia de Nicolás Risso, diseñador gráfico en Risónico y docente en FADU-UBA. Desde la concepción de la idea hasta su materialización final, se abordarán las técnicas, decisiones y relatos que dan forma a estos proyectos visuales, una oportunidad para descubrir cómo una idea evoluciona hasta convertirse en una obra gráfica.

• Miércoles 20 de noviembre, de 17:00 a 20:00, taller De la palabra a la imagen, la tipografía en acción. Taller de experimentación tipográfica aplicada al diseño de afiches que explora la palabra escrita en su dimensión expresiva y poética, que trasciende el rol informativo para imprimir carácter, emoción y significado. Un viaje por la selección de fuentes y los usos tipográficos que transforman la lectura y la percepción de los mensajes visuales. Destinado a estudiantes de Diseño Gráfico, ilustradores y otros interesados en la producción de afiches para las Industrias Culturales. Coordina Paula Rodríguez de Trineo, diseñadora gráfica formada en la FADU-UBA.

La muestra exhibe 101 afiches de cine y teatro argentino (Foto: prensa de la muestra).

• Miércoles 27 de noviembre, de 17:00 a 20:00, taller No hay banda, y aun así escuchamos una banda, taller de afiches de películas a partir de sus bandas sonoras, coordinado por Leandro Ibarra, diseñador gráfico de FADU-UBA que se formó en pintura, música, fotografía, historia del arte, filosofía y teatro con reconocidos maestros. La invitación es ingresar al mundo cinematográfico y su vínculo con los posters desde un abordaje que parte desde el sonido hacia la construcción de la imagen. Se trata de la realización de un afiche a partir de los universos sonoros y conceptuales de las películas y sus bandas musicales. Será un "juego de traducción": a partir de una sonoridad, se propondrá imaginar gestos, trazos y comportamientos compositivos para producir un afiche a mano. Destinado a estudiantes de Diseño Gráfico, ilustradores y otros interesados en la producción de afiches para las Industrias Culturales.

• Miércoles 4 de diciembre, de 17:00 a 20:00, taller La chispa inicial, el comienzo de un afiche. A través de un recorrido inicial teórico se analizará la historia de los afiches de cine, a través de ejemplos y principales referentes. Luego se pasará a una instancia práctica donde los participantes podrán bocetar con diferentes técnicas manuales un principio de cartel. Para finalizar, se destinarán unos minutos para el análisis y el debate entre los participantes. Destinado a estudiantes de Diseño Gráfico, ilustradores y otros interesados en la producción de afiches para las Industrias Culturales. Coordinado por Andrés Mendilaharzu, diseñador gráfico y artista plástico especializado en desarrollo de imagen para cine y teatro, sobre todo, en el ámbito independiente.

• Miércoles 11 de diciembre, de 18:30 a 20:00, conversatorio: "El poder del cártel: Mujeres que iluminan la calle Corrientes". Participantes: Gabriela Kogan (diseñadora gráfica), Alejandra López (fotógrafa) y Johanna Wolf (diseñadora gráfica), modera Natalia Viñes. Una conversación junto a las protagonistas de los afiches de las obras más reconocidas del circuito comercial del teatro de Buenos Aires. El diálogo se dispone para dar a conocer el proceso creativo de las estrategias comunicacionales abordadas por sus protagonistas.

(Fuente: Infobae)

Pablo Neruda y su famosa colección de caracolas, ejes de una muestra impactante y polémica

"Mollusca. Poesía de Caracolas", abierta al público en la sede central de la Universidad de Chile, invita a reflexionar sobre la relación del ser humano con los océanos y el cuidado del medio ambiente.

(Foto: EFE / Elvis Gonzalez).

Redondas, con pinchos, alargadas, brillantes, de colores, grandes y pequeñas, son algunas de las más de mil caracolas del poeta, político y Premio Nobel de Literatura Pablo Neruda, convertidas en una poesía con la que recorrer, conocer y concienciar sobre los océanos gracias a una innovadora exposición en la sede central de la Universidad de Chile.

"La audiencia se puede sumergir en un universo donde estas criaturas que habitan los fondos marinos emergen a la superficie y a través del recorrido crear la curiosidad y atención a estos moluscos que llevan tareas en el ecosistema muy relevantes, como la producción de oxígeno y limpieza de las aguas", dijo la curadora de la muestra, Elizabeth Burmann.

Titulada "Mollusca. Poesía de Caracolas", sumergirse en la Colección Neruda, es una muestra creada a partir de los moluscos donados por el poeta en 1954, con los que la artista chilena Burmann creó un rincón desde donde recorrer los siete océanos. "La idea de devolver al pueblo la cultura universal" de la exposición tiene que ver con que estamos todas y todos relacionados con el océano. De ahí venimos y también creo que tiene que ver con este interés moderno de crear colección de historia natural y de entender la naturaleza”, añadió Burmann.

(Foto: EFE / Elvis Gonzalez).

Entre luces y sombras, y con el sonido del mar de fondo en la Sala Museo Gabriela Mistral, estas "puertas submarinas", como las llamaba el poeta, son parte de la Colección Malacológica de Neruda, una obra de aprendizaje personal y medioambiental.

La colección está formada por 5.107 libros, 155 discos, 263 revistas y 8.400 caracolas, en que las más de mil expuestas pertenecen a la sección Malacológica de la Colección Neruda del Archivo Central Andrés Bello. "Los recorridos son dialógicos, donde la idea es cuestionar el por qué del coleccionismo, una mediación desde la pedagogía crítica y resaltar las experiencias de las personas para que haya un aprendizaje significativo", explicó la coordinadora del Área de Educación de la muestra, Nathaly Calderón.

Elizabeth Burmann, curadora de la muestra (Foto: EFE / Elvis Gonzalez).

Crisis climática

Este patrimonio chileno y gran trabajo de conservación también se une a la polémica de la crisis climática, donde Loreto Millar, conservadora de la exposición, explicó: "Más allá de las buenas intenciones de Neruda de querer recolectar estos objetos, porque para él eran valiosos y tenían un sentido poético y espiritual, sin duda también había un daño de por medio". Muchos de los ejemplares expuestos, según contó Millar, están en peligro de extinción, por ello recalcó que "las mismas acciones de recolectar afectan negativamente al medio ambiente".

Este 2024 es "un año muy especial en torno a Neruda", según dijo la Vicerrectora de Extensión y Comunicaciones de la Universidad de Chile, Pilar Barba, por ser el aniversario de los 120 años del nacimiento de Neruda y los 100 años de los "Veinte poemas de amor y una canción desesperada".

(Foto: EFE / Elvis Gonzalez).

Ejemplares únicos

Neruda no solo es reconocido mundialmente por su poesía, política y diplomacia, sino también por su curiosa gran afición por el coleccionismo, una afición a la que dedicó tanto empeño y que tuvo tanto impacto, que entre las donaciones expuestas ahora en Santiago figura una de los dos ejemplares de "Hatcheria Mirabilis", que habría llegado a manos del artista en un viaje diplomático que realizó a China en 1951.

En esa instancia, sus anfitriones -al parecer el propio líder chino, Mao Tse Tung- le habrían dado por obsequio esta pieza marina invaluable en significado y belleza "abrieron la caja más sagrada de los moluscos del mar de China para regalarme el segundo de los dos únicos ejemplares de la Hatcheria Mirabilis", escribió el Nobel en el libro "Confieso que he vivido", de 1974.

También se puede admirar el ejemplar marino “Tridacna Gigas”, uno de los bivalvos más grandes del mundo y la especie de mayor tamaño del conjunto de caracolas de Pablo Neruda, que mide 51 metros de ancho y pesa 14 kilos.

(Fuente: EFE / Infobae)

Alicia Orlandi, una pionera de la abstracción en el arte, se revela por primera vez en este siglo

Con la muestra "Íntima Libertad", en la galería Roldán Moderno (Juncal 743, CABA), el legado de la artista geométrica se presenta tras décadas de ausencia, con obras que recorren 50 años de producción. La muestra es de acceso libre y gratuito. 

Alicia Orlandi, una pionera de la abstracción, se revela por primera vez en este siglo (Foto: archivo familiar).

Hace aproximadamente dos décadas, la artista Alicia Orlandi decidió aislarse del mundo artístico por razones que permanecen desconocidas. Este retiro, junto con otros conflictos internos de este mundillo, generaron que su obra, que ahora se considera un legado tras su fallecimiento hace dos años, pareciera haberse desvanecido de la memoria colectiva. Su nombre aparecía, sí, en los relatos de la época, era nombrada en libros; sin embargo, su trabajo era apreciado en el blanco y negro de los recortes periodísticos, a los que los investigadores y pintores abstractos y geométrico del país accedían por interés propio. Ya no más.

A lo largo de su carrera, Orlandi (Buenos Aires, 1937-2022) tuvo 22 muestras individuales y participó en 29 bienales internacionales, como las de Tokio, París y San Pablo. Fue distinguida con 30 premios: 1ra Bienal de Puerto Rico (1971), Gran Premio Salón Nacional y 1er Premio Salón Municipal y sus obras se encuentran en más de 15 museos de Argentina, EE.UU., Perú, México, Inglaterra, India y República Checa, entre ellos, y hasta en el MoMa de Nueva York.

Con la muestra "Íntima Libertad", en la galería Roldán Moderno, esa ausencia comienza un camino de reconocimiento con la primera exposición que se realiza desde el 2000 en una galería privada, en la que se recorren 50 años de producción.

"A finales de los 50 fue una pionera en lo que sería la geometría para el arte argentino. Su obra es contemporánea a la de Ary Brizzi o Miguel Ángel Vidal, y si bien hay similitudes con ellos tiene una impronta muy personal. Entonces, buscamos reposicionar a un artista que estaba olvidada, que participó de un montón de muestras de mujeres de los 60, con Marta Minujín por ejemplo, y que era una referente", sostiene Sebastian Boccazzi, director del espacio del barrio porteño de Retiro.

Con la muestra "Íntima Libertad", en la galería Roldán Moderno, se presentan 50 años de producción de la artista geométrica (Foto: prensa Roldán Moderno).

La galería dio un anticipo de este regreso, llevando una obra de la artista a la última edición de Arteba, "Continuidad-movimiento N°2", que fue adquirida para el acervo del Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (Macba) seleccionada por el fundador y presidente Aldo Rubino.

Orlandi comenzó su carrera a mediados de los 50, en un momento en el que, tras la aparición de Arte Concreto-Invención y el Movimiento Madí una década antes, había un campo fértil para las indagaciones abstractas y más oportunidades para las mujeres artistas que comenzaron a emerger como Marta Minujín, Josefina Robirosa, Sarah Grilo, Martha Peluffo, Noemí Gerstein y Alicia Penalba.

Asistió a la secundaria en la Escuela Nacional Manuel Belgrano y a la Prilidiano Pueyrredón -hoy la UNA-, donde obtuvo el título de Profesora Nacional de Dibujo, en un momento en que la aparición del Grupo Joven unos años antes y el pedido de reformas hacia una educación más moderna trastocaba la escena.

En la primera sala de esta muestra se encuentran algunas de las primeras obras que se conservan de finales de eso años formativos, como "Escritura Maya", donde se observa una herencia más concretista de los años ‘40, con referentes como Tomás Maldonado y los mencionados Madí.

"Continuidad movimiento N°1" (1966-67), óleo sobre tela, 127 x 127 cm (Foto: prensa Roldán Moderno).

"Además, se comienza a observar las tendencias más informalistas de finales de los ‘50, con una pintura cincelada, un poco más gestual, con los colores un poco más libres y una paleta yendo a los ocres", explica la investigadora Ayelén Pagnanelli, curadora de la exposición, especializada en cuestiones de género y sexualidad en los escenarios del arte abstracto argentino de mediados del siglo XX.

En 1959, obtuvo la primera mención en el extinto Premio De Ridder a la Joven Pintura Argentina y un año después el primer puesto del mismo galardón, pero en la categoría jóvenes grabadores, para comenzar así la década con una fuerte presencia en la escena porteña, siendo su debut en solitario en la icónica Galería Lirolay en el ‘61 bajo la dirección de Germaine Derbecq.

"A lo largo de su producción trabaja sobre la grilla, con la retícula modernista y la experimentación tanto de los colores como con las formas. Entiende que hay mucho para jugar con el círculo, el semicírculo, los colores y los rectángulos. En sus obras parece preguntarse ¿qué sucede cuando se superponen esos colores, esas formas?", dice Pagnanelli.

En el ‘62 realiza un viaje a Perú que tendría influencia en su propuesta. Se apropia de los lenguajes visuales prehispánicos andinos y a lo largo de su producción hay obras que hacen mucha referencia a los tejidos de pueblos originarios, aunque la manera en que los incorporaba es un poco un enigma, debido a que no dejó anotaciones sobre ese proceso.

"Diseño americano" (1972), acrílico sobre tela, 41 x 41 cm (Foto: prensa Roldán Moderno).

Aunque su mayor guía sería el húngaro Victor Vasarely, considerado el padre del "op art", no se sabe si tuvo contacto con Vasarely. Estuvo en el ‘67 en Bruselas y recorrió mucho Europa a partir de una beca del Gobierno de Bélgica, donde estudió grabado, por lo cual posiblemente se haya cruzado con obras. Hay escritos en los que mencionan a Vasarely casi como su maestro y, al menos, se inscribía en esa línea de investigaciones de la geometría.

Ese mismo año alcanzó un hito importante cuando el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) adquirió tres de sus piezas, que fueron presentadas en una serie de exhibiciones a través de Estados Unidos.

Orlandi buscó un lenguaje en su abstracción, en el que tomó las referencias del "op art", pero construyendo a través de una geometría sudamericana, donde también se observan elementos del GRAV (Garcia Rossi, Le Parc, Morellet, Sobrino, Stein, Yvaral).

"Ella no estaba como únicamente siguiendo un lineamiento europeo, sino que está apropiándose del lenguaje de las abstracciones sudamericanas, pero también investigaciones personales que ya realizó para generar un cuerpo de obras", sostiene Pagnanello.

“Ella no está como únicamente siguiendo un lineamiento europeo, sino que está apropiándose del lenguaje de las abstracciones sudamericanas", explica Ayelén Pagnanelli, curadora de la muestra (Foto: prensa Roldán Moderno).

Durante los '70, consolidó su presencia tanto a nivel nacional como internacional, participando en bienales y recibiendo premios por su trabajo en grabado. Sus obras forman parte de importantes colecciones, incluyendo el mítico Instituto Di Tella, el Museo Nacional de Bellas Artes y el Museo Moderno, donde participó de varias muestras. Sin embargo, su carrera enfrentó desafíos durante la última dictadura cívico-militar en Argentina, cuando perdió sus cargos docentes tras haber organizado una exhibición de estudiantes y, según sus palabras, "sus colegas direccionaron el dedo para señalarla como prescindible".

En la muestra se presentan también algunas piezas de su archivo personal, desde un libro sobre la Monocopia que escribió, fotos, escritos y una serie de folletos de cuando trabajó como diseñadora gráfica para una farmacéutica, en los que que claramente está pensando su obra, ya que se observan esa grilla muy parecida a la serie de entonces, creando un paralelismo entre lo que ella estaba produciendo en su obra artística como en lo que hacía para vivir día a día.

En los '70, se orienta más hacia otro tipo de visión de los colores y las estructuras, incluso con trabajos más seriados. En una de las piezas, "Estructurapintura" (1977) se observa "el módulo, con este cuadrado que va girando, pero que no es exactamente el mismo módulo, sino que va cambiando, lo va espejando, a veces achicando, agrandando, cambiando los colores y generando toda esta mega estructura que es romboidal sea un poco mágica porque uno no termina de saber lo que está sucediendo, qué es lo que hizo la artista", señala Pagnanelli.

Durante esta época es perceptible un cambio en la materialidad, del óleo al acrílico que, considera la curadora, se produjo por "un tema de practicidad" que le permitió "trabajar con líneas más precisas". En ese sentido, entre ambas décadas es notable cómo esa búsqueda cromática resalta en el lienzo y le otorga mayor o menor cuerpo a la pieza, dando en algunos casos la apariencia de ser un collage, donde la superposición no se esconde.

"Estructurapintura" (1977), acrílico sobre tela, 143 x 143 cm (Foto: prensa Roldán Moderno).

"En las obras de la primera sala, por ejemplo, se ven las capas y capas de materiales, una textura mucho más intensa, posiblemente trabajo de días y semanas sobre la misma obra para conseguir el color. También toda la estética más tarde hace que se vean como más industriales. Al final la mano del artista de alguna manera termina desapareciendo y en las otras se nota que estaba mucho más implicada", explica sobre estas piezas donde lo romboidal y el uso de lo fluorescente, de los colores vibrantes, se vigoriza.

También en los '70 realiza la serie "Del espacio abierto", de la que hay una sola obra en la expo, en la que vuelve como a una grilla, pero sin tanto contenido, sin tantos juegos, y se concentra únicamente en la parte central de la obra, en formas que van como girando que generan una sensación de claustrofobia, una caída hacia algo.

En la siguiente década recuperó sus puestos académicos y siguió participando en muchas exposiciones colectivas, pero llegado el nuevo milenio su nombre empieza a difuminarse. De los '80 pueden observarse obras como "Vibratil" (1982), entre otras en las que lleva la cuestión de lo cinético al extremo, porque cuesta quedarse mucho tiempo mirándola sin que sucedan cosas extrañas en nuestros ojos. Además, se presentan una serie de grabados de la serie "Kleiana" de los ‘90.

En los '70, lo romboidal y el uso de lo fluorescente, de los colores vibrantes, se vigoriza (Foto: prensa Roldán Moderno).

"No soy de aquí, ni soy de allá", cantaba Facundo Cabral, frase que se puede pensar sobre cómo la historiografía captó al legado del Orlandi sin ser necesariamente cierto, pero algo de esto hay, debido a que ser a pesar de una grabadora premiada y haber tenido una permanencia por casi medio siglo en la escena, su obra perdió visibilidad.

Silvia Dolinko plantea en su "Historia del grabado en Argentina" que en este campo fue excluida, pero también se "autoexcluyó" por su faceta pictórica. Para ser grabador había que participar de ciertos espacios y conseguir ciertos reconocimientos y, al mismo tiempo, quizás eso invalidó que sea vista como una pintora, que pudiera ser reconocida como una artista que se movía en ambas disciplinas y eso que un montón de sus exhibiciones individuales, sobre todo en galerías comerciales, eran de pintura.

Sobre la ausencia en sus años finales, Boccazzi comenta: "Durante el siglo XX tenía un gran reconocimiento y no sabemos por qué en los últimos 22 años decidió abrirse básicamente del medio, suponemos que será una decisión propia". Y Pagananelli agrega: "Esta es la primera oportunidad para verla desde una muestra en una galería en el 2000. No tuvo tampoco mucho eco en exhibiciones colectivas ni fue incorporada en las regiones más generales de la historia del arte. Si bien ella falleció hace pocos años no tuvo más permanencia en el campo artístico argentino". Ya no más.

(Fuente: Infobae)

Hiroshima y Nagasaki: una muestra en el CCK promueve el desarme nuclear y busca concientizar sobre los horrores de la guerra

La exhibición incluye paneles fotográficos, objetos de las víctimas y la conferencia de la sobreviviente Teruko Yahata. Se puede visitar hasta el 3 de noviembre en el Centro Cultural Kirchner.

Una histórica muestra dedicada a la memoria de las víctimas de los bombardeos atómicos norteamericanos sobre Hiroshima y Nagasaki, en conmemoración de los 80 años que se cumplirán el año próximo, se puede visitar hasta el 3 de noviembre en el Centro Cultural Kirchner (Sarmiento 151, CABA).

La exhibición busca promover el desarme nuclear y concientizar sobre los horrores de la guerra. Organizada por la Secretaría de Cultura de la Nación, la Ciudad de Hiroshima y la Ciudad de Nagasaki, la muestra incluye paneles fotográficos, objetos de las víctimas y la conferencia de la sobreviviente Teruko Yahata, quien tenía 8 años cuando bombardearon Hiroshima, todo esto junto con actividades educativas abiertas al público.

Desde 1995, la exposición se ha llevado a cabo 68 veces en 58 ciudades de 20 países, habiéndose realizado la última en Sudamérica en San Pablo, Brasil, en 2008.

Durante este mes, los asistentes podrán realizar una profunda reflexión sobre la devastación causada por las bombas atómicas y su impacto en las generaciones futuras, así como la importancia de avanzar hacia un mundo libre de armas nucleares.

De qué consta la muestra

La muestra está compuesta por 30 paneles fotográficos que documentan los horrores de los bombardeos, 20 objetos personales de víctimas y sobrevivientes y material de audio  y visual.

Además se destaca la visita y el testimonio vivo -sin precedente- de una sobreviviente, Teruko Yahata (ver foto arriba), quien tenía 8 años cuando ocurrió el bombardeo en Hiroshima, ciudad en la que vivía junto a su familia.

También se ofrecerán actividades paralelas como talleres de Origami y la proyección de películas que retratan el impacto del horror.

(Fuente: Noticias Argentinas)

El Salón Textil Nacional 2024 reúne a 43 diseñadores y artistas contemporáneos que se valen de inusuales técnicas

Hasta el 6 de septiembre, la Bolsa de Comercio de Buenos Aires hospeda la edición 2024 del evento en el que se combinan técnicas y materiales tradicionales con no convencionales como papel, metal y desperdicios industriales.

El Salón Textil Nacional Bolsa de Comercio de Buenos Aires reúne a 43 artistas contemporáneos y sus modos de hacer, a través de obras que dialogan entre sí con un único hilo conductor.

"Aquí técnicas y materiales tradicionales, y también materiales no convencionales como papel, metal y desperdicios industriales, crean un lenguaje simbólico o abstracto que toca nuestras emociones", explican en la gacetilla de prensa.

Así, explican, los artistas se entrelazan dando forma a un gran tejido cultural y afectivo, en el que la naturaleza, la memoria, el cuerpo y el territorio son los grandes temas.

La muestra es organizada por el Centro Argentino Arte de Textil (CTAA), una asociación civil sin fines de lucro, que promueve el trabajo dentro de la disciplina y el medio textil en todas sus expresiones desde 1977, y que tiene como objetivo propiciar el desarrollo de la actividad a través de salones, exposiciones, seminarios, talleres y mesas redondas, contando para ello con profesionales de excelencia.

La exposición propone, explica también la gacetilla, "maneras de habitar, conexiones entre lo orgánico y lo geométrico a través de un despertar de conciencias desde el arte, para re-pensarnos como protagonistas de este presente que nos interpela y un mundo que duele".

Como expresó  en su momento el filósofo Gastón Bachelard "la representación no es más que un cuerpo de expresiones para comunicar a los demás nuestras propias imágenes" y son esos mundos, íntimos y colectivos, los que nos guiarán para recorrer esta nueva trama textil, sostienen desde el jurado integrado por Berta Teglio, Paola Balcaza, Paola Cámpora y Judy Kogan.

Los artistas que fueron seleccionados son: Adriana Fernandez, Adriana Sibio, Analia Hahn, Carmen Bertorello, Cecilia Ceballos, Cecilia García Lanús, Cecilia Koppmann, Cecilia Martínez, Dina Resca, Dolores Barbenza, Elizabeth Iñiguez, Elizabeth Vita, Fabiana Berghole, Flavia Bolon Varela, Florencia Dal Lago, Gabriela Costa, Gabriela Ferrandez, Gustavo Alfredo Larsen, Gustavo Damián Sampayo, Inés Avendaño Granados, Isabel Mozzoni, Isabel Pelegrin, Karin Espósito, Laura Gutiérrez Mabel Beninati, Mabel Miranda, Margarita Tambornino, Maria Alejandra Asensio, María Aráoz, Maria Nieves Canepa, Mariana Schettini, Mirta Zak, Mónica Facchini, Patricia Verónica Saporiti, Paula Diringer, Paula Diringer, Silvia Caporaso, Silvia Raquel Santana, Stella Benvenuto, Tania Ortiz, Teresita Leal, Tinku Textil Argentina y Verónica Orlando.

El Salón Textil Nacional se puede visitar de lunes a viernes de 12:00 a 17.00 en la Bolsa de Comercio de Buenos Aires, 25 de Mayo 359, hall central. CABA.

(Fuente: Infobae)

El arte naturalista y ambientalista argentino llega al norte de Italia

La Natural Bio Art Gallery (primera feria ambientalista de Buenos Aires) realizará, durante octubre, la segunda edición de su Feria de Arte Internacional en La Morra, región del Piamonte (Italia), con un paisaje declarado "Patriomonio de la Humanidad".

La galería Natural Bio Art Gallery presenta la segunda edición de su Feria de Arte Internacional en el norte de Italia (Foto: prensa Natural Bio Art Gallery).

Natural Bio Art Gallery ha anunciado la segunda edición de su Feria de Arte Internacional en Italia. El evento, titulado "Dalla Patagonia alle Langhe", se llevará a cabo durante todo el mes de octubre en la famosa Torre Campanaria de la ciudad de La Morra (Piamonte). Esta ubicación ofrece una impresionante vista panorámica del paisaje vitícola de Langhe-Roero y Monferrato, declarado "Patrimonio de la Humanidad" por la UNESCO. La feria se sitúa en el contexto de grandes eventos anuales que se realizan en las regiones del norte de Italia y que atraen a un turismo de élite.

Natural Bio Art Gallery es un espacio dedicado a artistas naturalistas y ambientalistas que enfocan sus obras en la naturaleza como el principal objeto de sus expresiones artísticas. El objetivo de la galería es crear un espacio destinado a artistas que desarrollan su arte en torno al concepto de naturaleza, y que es el tema de sus expresiones artísticas. En "Dalla Patagonia alle Langhe", importantes artistas argentinos expondrán y compartirán sus obras en una muestra colectiva junto a creativos de la región, destacando así un valioso intercambio cultural y artístico.

Los artistas seleccionados por Natural Bio Art Gallery aman la botánica y la ecología, y trabajan diariamente en armonía y protección hacia un mundo que nos pertenece a todos. Son artistas comprometidos y activistas; el cuidado y la observación constante del medio ambiente están presentes en sus obras, tanto en el contenido como en los materiales utilizados.

"Dalla Patagonia alle Langhe" tiene como escenografía un paisaje de viñedos y suaves colinas, declarado "Patrimonio de la Humanidad" por la UNESCO (Foto: prensa Natural Bio Art Gallery).

La primera edición del evento en Italia cuenta con una excelente recepción en el norte del país, logrando gran repercusión en la prensa local y contando con el apoyo del Consulado Argentino en Milán y diversas instancias diplomáticas. Este proyecto busca resignificar el legado de los pintores viajeros del siglo XIX, aquellos que acompañaron a exploradores como Humboldt y Bonpland en sus expediciones por Sudamérica y retrataron la fauna y flora locales para dar a conocer estos paisajes al público europeo.

Esta nueva edición busca consolidar el papel de Natural Bio Art Gallery en el escenario artístico internacional, celebrando la intersección entre el arte y la naturaleza, y promoviendo el diálogo intercultural. La organización espera continuar recibiendo apoyo tanto de la comunidad local como de la internacional para seguir difundiendo este evento de características excepcionales. La exposición durará todo el mes de octubre, presentando las obras de 15 artistas seleccionados por Patricia González. Estos artistas, tanto italianos como argentinos, comparten un interés común en el bioarte y el arte verde, buscando un equilibrio entre el hombre y la naturaleza y promoviendo la conciencia medioambiental.

La feria de Natural Bio Art Gallery se realiza junto a la famosa Torre Campanaria de la ciudad italiana de La Morra (Foto: prensa Natural Bio Art Gallery).

La mencionada González, quien dirige la galería Natural Bio Art Gallery en Buenos Aires, inició este proyecto movida por una búsqueda artística y humanista. La galería se dedica a promover el bioarte y otras formas creativas que exploran cómo la naturaleza y la humanidad pueden coexistir en armonía. Las obras que se presentarán en la muestra fueron llevadas personalmente a Italia por González y su perro, una logística que prefirió manejar directamente, confiando en que era la mejor manera de cuidar las 60 piezas en lienzo en las que confían los artistas.

"Dalla Patagonia alle Langhe" se configura no sólo como un puente artístico entre Argentina e Italia, sino también como una invitación a reflexionar sobre la interrelación entre arte, humanidad y naturaleza, tal como los relatos de exploración del siglo XIX lo hicieron en su momento.

(Fuente:Infobae)