¿Cómo nos relacionamos con el arte en la era de la "cancelación"? ¿Podemos llegar a amar al genio y a su obra a la vez que detestamos al monstruo? Un inteligente ensayo nos enfrenta a nuestros dilemas morales y contradicciones. Está disponible en librerías y se puede comprar y descargar en formato digital desde este post.
(Foto: composición propia).
Detengámonos por ejemplo en Rowling, quien supo construir una de las sagas más importantes de la década (Harry Potter), basada en la premisa de que "gracias al amor de tus amigos todo es posible". Millones de niños que se sentían marginados en todo el mundo entendieron este mensaje y salieron adelante gracias a eso. Les ayudó a construirse personalmente. También niños que no entraban dentro de las categorías de género u orientación sexual dominantes. Y, mucho tiempo después de triunfar, la escritora británica se convierte en el centro de las críticas al remitir una declaración contra las teorías de género.
¿Separar?
Lo primero que conviene reconocer es que toda experiencia cultural implica una relación. Leer un libro genera un vínculo con la historia narrada y, de algún modo, con quien la escribió. Ver una película establece una conexión con los personajes y con quienes les dan vida en la pantalla. Escuchar una canción puede aproximarnos tanto a la letra como a la figura pública que la interpreta.
Estas asociaciones afectivas reflejan que, en la mayoría de las ocasiones, el arte -en todas sus vertientes- se ve influenciado por cómo las personas que lo consumen perciben a quien lo ha creado. Sin embargo, cabe destacar que ésto suele ocurrir más a menudo con artistas contemporáneos, siendo menos probable que nos veamos influidos por la calidad humana que tenían artistas antiguos. En definitiva, tiende a resultarnos más sencillo separar al autor de su obra cuando existe una distancia temporal.
A pesar de estas dificultades, existe una tradición crítica que defiende la posibilidad y conveniencia de separar ambas esferas. Un texto fundamental en este debate es el célebre ensayo "La muerte del autor", del teórico y crítico literario francés Roland Barthes. En él, razona que la interpretación de una obra no debería depender de las intenciones de quien la creó.
Según su argumento, una vez que la obra abandona la esfera privada y es publicada, deja de pertenecer exclusivamente a su autor y pasa a formar parte de un espacio cultural compartido. El significado, entonces, deja de estar determinado por la supuesta intención original y entra en acción el poder de resignificación que los distintos públicos hacen de la obra en contextos históricos y sociales específicos. Desde esta perspectiva, esta adquiere cierta autonomía respecto a la biografía de quien la produce.
Claire Dederer (Foto: prensa Ediciones Península).
Aplicar el marco de Barthes no elimina, sin embargo, todas las tensiones generadas en torno a este debate. En un contexto mediático caracterizado por la hiperexposición de las figuras públicas, la vida personal de las artistas es cada vez más visible y, consecuentemente, más difícil de ignorar. Como afirmó la feminista estadounidense Carol Hanisch, "lo personal es político y lo que se expresa en el espacio público también".
Desde esta perspectiva, separar completamente la obra de su autor puede resultar erróneo, especialmente cuando las posiciones públicas del artista afectan a colectivos concretos o se insertan en debates sociales con un fuerte calado en la sociedad. La escritora y ensayista Claire Dededer aborda esta cuestión en su libro "Monstruos: ¿se puede separar al autor de su obra?". En él indica que la biografía y la obra no pueden desligarse completamente, pero tampoco deben conducir a la cancelación automática ni del artista ni de aquella creación que éste haya generado.
Según su planteamiento, reconocer las contradicciones implica también desmitificar a los artistas. En este proceso, éstos últimos dejan de ser idealizados y pasan a ser entendidos como personas mortales con luces y sombras. Este proceso de desmitificación puede abrir la puerta a una relación más crítica con la cultura, dando la posibilidad al público de desarrollar una posición intermedia que combina la apreciación estética y la conciencia ética.
¿Qué hacer entonces como consumidores culturales? No existe una respuesta única. Tal vez lo más honesto sea reconocer que la experiencia cultural se desarrolla en un terreno lleno de tensiones y contradicciones. Navegarla implica aceptar esa complejidad: pensar críticamente, cuestionar lo que consumimos y, al mismo tiempo, seguir encontrando en el arte un espacio de reflexión, emoción y diálogo.
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(Fuente: El Confidencial / The Conversation / bajalibros.com / redacción propia)
